Tutoriel : Débuter sur Adobe Photoshop !

Avant d'utiliser un programme aussi complet que Photoshop, je vous propose une brève description du logiciel (mais alors très brève, hein).

Pour cela, je me suis aidé de la plus grande encyclopédie du web, Wikipédia pour ne pas la citer, dont les quelques textes suivants m'ont semblé suffisamment brefs et descriptifs.

« Photoshop est un logiciel de retouche, de traitement et de dessin assisté par ordinateur ». Édité par Adobe Systems, il fait partie d'une longue suite logicielle touchant dans le domaine du multimédia qui est connue sous le nom d'Adobe Creative Suite (Photoshop, Illustrator, InDesign, Dreamweaver, Flash, entre-autres).

Il est surtout utilisé pour le traitement de photos numériques (ce que l'on appelle plus communément la retouche photographique), mais sert également à la création d'images.

"Reconnu principalement par les infographistes professionnels à travers sa puissante galerie de filtres et d'outils graphiques performants, il est maintenant enseigné dans les plus grandes écoles et est utilisé par une grande majorité des studios et agences de créations."

Infographie et graphisme, du pareil au même ?

Je le disais en début de cours, utiliser Photoshop relève du domaine de l'infographie. J'ai pu constater de par mon expérience que l'on confondait très souvent le graphisme et l'infographie. S'ils recouvrent et définissent une même discipline, on distingue l'un de l'autre par les outils dont on fait usage.

Le graphisme désigne l'activité qui consiste à créer, choisir et utiliser des éléments graphiques (dessins, caractères typographiques, photos, couleurs, etc.) pour élaborer un objet de communication et/ou de culture.

L'infographie, quant à elle, est définie comme étant le graphisme combiné à l’utilisation d'un ordinateur et des logiciels prévus à cet effet. En fait, l'infographie, c'est du graphisme par informatique :) .

Pas de problème pour ce premier point, l'essentiel a été dit, on peut passer à la suite !

Avant de commencer quoi que ce soit, il vous faudra d'abord installer le logiciel sur votre ordinateur. Je m'adresse bien entendu à ceux qui ne l'ont pas encore fait. ;)

Vous êtes donc ici pour tenter d'acquérir le logiciel Adobe Photoshop. Pour l'obtenir, plusieurs moyens sont mis à votre disposition :

• Vous souhaitez acheter le logiciel et être en possession d'un CD-Rom d'installation avec son boitier et son fascicule.

• Vous désirez télécharger le programme, qu'il s'agisse de la version complète et payante ou de la version d'évaluation et gratuite.

Dans les deux cas, il vous faudra passer par le site internet officiel de la firme éditrice du logiciel à la plume, Adobe, par le biais duquel vous trouverez toutes les informations relatives à Photoshop ainsi que les liens menant à vos besoins.

Comme la plupart des logiciels de nos jours, il existe plusieurs versions améliorées de Photoshop. D'ailleurs, pour ceux que ça intéressent, je vous ai concocté un chapitre annexe où je présente brièvement les différentes versions connues du logiciel.

Bien entendu, vous téléchargerez ici la dernière version qui est proposée par Adobe, il s'agit de la version CS 5.

Téléchargement

Nous y voici. Que vous souhaitiez télécharger le logiciel dans sa version d'évaluation et que vous préfériez l'acheter ou le télécharger dans sa version complète, il vous faudra de toute manière passer par le site officiel de la firme qui édite le logiciel Photoshop, Adobe, dont voici l'adresse :

Télécharger/Acheter Photoshop

La première des choses à faire quand vous atterrissez sur le site, c'est de cliquer sur le lien Photoshop au niveau de la catégorie Produits en bas à gauche de la page.

Veillez à bien cliquer sur Photoshop et non sur Photoshop Éléments qui est une version très simplifiée du logiciel à la plume :) .

Une nouvelle page apparait alors dans laquelle figurent trois boites de logiciels.

Ce sont trois types de logiciels Photoshop.

• La boite majoritairement composée de blanc (celle du milieu) représente le logiciel Photoshop le plus basique, le plus standard. Nous nous intéresserons particulièrement à celui-ci.

• La boite bleue, quant à elle, représente le logiciel Photoshop CS5 EXTENDED. Il s'agit d'une version plus complète avec davantage d'outils, mais qui coûte forcément plus cher.

• Enfin, la boite noire est la version LIGHTROOM 3 de Photoshop, une version destinée aux photographes et qui ne nous concerne donc pas :) .

Je vous invite à cliquer sur la boite du logiciel Adobe Photoshop CS5. Si vous désirez acquérir la version EXTENDED, je ne vous l'empêche pas, vous devez donc cliquer sur la boite bleue :) .

Quelle que soit le version choisie (j'ai personnellement décidé de prendre la version EXTENDED comme exemple, mais cela ne change rien), une nouvelle page arrive sous vos yeux.

Nous avons alors deux liens qui prennent l'apparence de boutons jaunes. Le premier permet d'acheter le logiciel (ou de le mettre à jour), l'autre de télécharger la version d'évaluation.

Je vous invite à cliquer sur le bouton qui vous intéresse. On va admettre pour le moment que vous souhaitez télécharger la version d'évaluation. En cliquant sur le bouton "Essayer", une petite liste déroulante fait son apparition.

Le logiciel de gauche (boite bleue) est celui que nous souhaitons télécharger, à savoir Photoshop CS 5 EXTENDED (ou CS5 pour ceux qui n'ont pas choisi la version étendue). Veuillez par conséquent cliquer sur le bouton jaune Essayer lié au logiciel. Ne faites pas attention au lien menant vers le téléchargement de CS5 DESIGN PREMIUM ou CS5 DESIGN STANDARD, il s'agit d'un pack comprenant plusieurs logiciels de la suite Adobe.

Lorsque vous avez cliqué sur le bouton jaune Essayer en dessous du nom du logiciel que vous désirez télécharger, une nouvelle fenêtre apparait.

1. Il s'agit d'une liste déroulante dans laquelle figurent la langue du logiciel, le système d'exploitation de votre ordinateur et enfin, l'espace que prend le logiciel sur votre disque dur. A vous de choisir quelle version correspond à votre ordinateur ;) . Personnellement, je parle Français et je suis sous Windows :) .

2. Cliquez ensuite sur ce bouton pour commencer le téléchargement.

Créer un nouveau compte

A moins que vous disposiez déjà d'un compte personnel sur le site Adobe, ce dernier vous demandera d'en créer un pour pouvoir télécharger Photoshop. C'est une procédure obligatoire mais qui est plutôt rapide. Cette nouvelle petite page apparait alors :

Si vous disposez déjà d'un compte, veuillez entrer vos identifiants dans la partie droite de la fenêtre qui est prévue à cet effet. Si vous êtes nouvel utilisateur, je vous invite à cliquer sur le bouton Créer un compte Adobe. Je peux vous affirmer, sans prendre aucune responsabilité, que les informations que vous indiquerez resteront confidentielles et en sécurité sur le site d'Adobe. Pis, vous voyez bien tous les avantages que vous aurez à le faire, Adobe ne se prive pas de tout vous énumérer :D .

Renseignez les champs puis cliquez sur le bouton Continuer :) . Vous laisserez apparaitre une nouvelle petite page ainsi qu'une nouvelle fenêtre pour télécharger le logiciel :

1. Fenêtre liée au téléchargement.

2. Fenêtre pour télécharger Photoshop

La fenêtre liée au téléchargement (1) vous permet de procéder au téléchargement du logiciel si celui-ci ne s'est pas automatiquement lancé. Il vous faudra cliquer sur le lien Enregistrer le fichier de la fenêtre de téléchargement (2).

Vous devez ensuite choisir un dossier de votre ordinateur dans lequel le fichier va être installé. Attention : il ne s'agit pas d'installer le logiciel mais seulement d'y installer le fichier SETUP (c'est-à-dire la source du logiciel) permettant ensuite d'installer réellement le dit-logiciel.

Une fois toutes ces étapes passées, il ne vous reste plus qu'à installer le logiciel. Cela se passe exactement pareil que pour tous les autres logiciels donc je vais éviter toutes les captures d'écran et compagnie, j'ose espérer que vous vous en sortirez tout seuls :p .

Je souhaite acheter le logiciel !

Sapristi, je vous avais oublié, milles excuses ! Mais attendez, ça veut dire que vous en êtes toujours ici, vous :D :

Bon, et bien c'est pas compliqué, comme vous allez acheter le logiciel, il va falloir que vous cliquiez sur le bouton Acheter/Mettre à jour. Cet onglet ouvre cette petite page :

Comme pour vos camarades du dessus, nous nous intéresserons à la boite bleue. Il vous faudra alors cliquer sur le bouton Acheter pour laisser place à cette nouvelle fenêtre :

Il s'agit de l'interface de la boutique Adobe. Comme vous êtes ensuite guidé tout au long de votre achat, je crois sincèrement que vous n'avez plus besoin de moi pour la suite des évènements. Tout vous sera expliqué, vous n'aurez plus qu'à inscrire les différentes informations qui vous seront demandées puis qu'à... payer :D .

La page ci-dessous présente la zone d'achat du logiciel Adobe Photoshop CS 5 EXTENDED. C'est la raison pour laquelle il est plus cher. La version standard du logiciel coûte environ 400€ moins cher, regardez :

Bon achat ;) .

Votre téléchargement est terminé ? Veuillez ouvrir et découvrir votre nouveau joujou. ^^

Paramétrer votre espace de travail

L'espace de travail, c'est ce que vous pouvez voir en premier à l'ouverture de Photoshop. Il s'agit de l'interface du logiciel, c'est-à-dire cet horrible fond gris et les fenêtres de gauche et de droite (avec tous les petits boutons qui font peur aux débutants :D ).

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C'est dans cet espace de travail que tout se passe, ici que nous passerons le plus clair de notre temps. Il s'agit métaphoriquement du bureau de travail sur lequel les infographistes dessinent et là où sont disposés gomme, crayons de couleur et feuilles blanches (entre-autres bien entendu).

Mais alors, comment se présente cet espace de travail ? Est-ce qu'il est vraiment pertinent d'en faire la comparaison avec un bureau de travail réel ? C'est ce que nous allons tenter de démontrer.

Cliquez sur l'image pour l'agrandir.

Nous le subdiviserons en 5 morceaux, chacun d'eux étant rempli d'une couleur spécifique sur l'image ci-dessus.

1. Barre des menus : cette série de boutons va nous être utile pour ouvrir, enregistrer, fermer, éditer et modifier un document. Je suis d'ailleurs convaincu que certains boutons vous sont déjà familiers, ceux-là reviennent souvent dans n'importe quel logiciel. ;)

• Fichier : dans ce menu, vous serez surtout amenés à utiliser les fonctionnalités d'enregistrement, d'ouverture et de fermeture de fichier. Il permet par ailleurs d'imprimer un document ou encore d'importer ou d'exporter un document. A noter que la partie suivante est exclusivement réservée à la sauvegarde de vos fichiers.

• Édition : présente les fonctionnalités de base permettant de travailler sur notre document. Le célèbre "copier/couper/coller", ou encore la fonction "Annuler" pour revenir en arrière en cas d'erreur. A celles-ci s'ajoutent d'autres fonctionnalités et notamment celles des transformations pour lesquelles deux chapitres ont été consacrés.

• Image : ce menu s'avèrera particulièrement utile dans ce cours. Nous passerons par lui pour définir ce que l'on appelle un mode à notre zone de travail (RVB, CMJN, Niveaux de gris, ... plus d'infos dans la partie suivante), mais aussi pour faire quelques réglages, quelques retouches, modifier la taille de nos images et zones de travail, etc. Un programme assez chargé mais absolument passionnant !

• Calque : ce terme ne devrait pas vous aider à deviner le contenu de ce menu puisqu'il s'agit d'une notion propre à Photoshop et aux logiciels du même genre. Cela dit, rien ne m'empêche de vous en toucher un mot rapidement. Dans ce menu, nous allons avoir la possibilité de travailler avec les calques comme aucun autre menu ne nous le permettra : création, suppression, duplication, association, masques, réglages, remplissage, pixellisation, ... Autant de termes que vous maitriserez à la fin de ce cours tant nous aurons recours à ce menu.

• Sélection : cela regroupe toutes les fonctionnalités relatives à la sélection. Les outils de sélection, que vous utiliserez à partir du cinquième chapitre de ce cours et dont vous allez avoir un aperçu d'ici quelques instants, font partie intégrante du logiciel Photoshop et pour preuve, ils disposent de leur propre menu !

• Filtre : ah, les filtres ! Qui n'en a jamais entendu parler ? Vous ? C'est pourtant connu, il s'agit d'effets spéciaux à appliquer sur vos images pour leur donner un rendu tout à fait différent de leur aspect de base. Il existe différents types de filtres et sont particulièrement puissants. Techniquement, cela ne demande aucune compétence de les utiliser puisqu'il suffit de choisir le filtre à appliquer, et de modifier ses paramétrages jusqu'au résultat souhaité. Et comme il en existe un nombre assez conséquent, j'ai décidé de ne pas approfondir le sujet dans ce tutoriel. Si vous souhaitez en savoir davantage, je vous invite à faire des recherches sur la toile, le web regorge de cours et ressources à ce sujet.

• Affichage : comme son nom l'indique, les paramètres d'affichage sont concentrés dans ce menu. Nous n'aurons pas nécessairement besoin d'utiliser les fonctions qui y figurent, hormis le zoom, assurément. Du reste, elles ne nous seront pas utiles dans ce cours.

• Fenêtre : ce menu permet de paramétrer votre espace de travail, en ce sens que vous serez en mesure de décider quelle fenêtre faire apparaitre/disparaitre lorsque vous travaillez sur un document. Il s'agit du premier menu que nous allons véritablement utiliser, cela arrive dans quelques instants.

Enfin, le menu "Aide", que l'on retrouve dans 99,9% des logiciels, vous sera utile en cas de pépin. Cela vous mènera à coup sûr vers une documentation fournie avec le logiciel Photoshop, de quoi vous guider en cas de problème.

2. Barre d'options des outils : Nous utiliserons les fonctionnalités de cette barre pour définir une ou plusieurs options spécifiques aux outils de notre logiciel afin de les paramétrer.

3. Boîte à outils : cette petite fenêtre constitue notre stock d'outils, autrement dit la trousse dans laquelle nous trouverons paire de ciseaux, pinceaux, crayons de couleur, gomme et j'en passe.

4. Palettes flottantes : la zone de couleur orange encadre ce que l'on appelle les palettes flottantes, autrement dit ce sont des petites fenêtres que l'on dispose à l'intérieur de l'espace de travail et à partir desquelles nous aurons accès à la majorité des fonctionnalités dont nous disposons avec Photoshop. Parmi elles, je peux vous citer l'historique, les calques, les couleurs, le navigateur et... la boite à outils ! Oui, oui, la boite aussi est une palette flottante dans la mesure où l'on peut la déplacer à notre guise dans l'espace de travail.

5. Palettes flottantes masquées (raccourcis) : cette zone accueille et recense les raccourcis des palettes flottantes. Le principe est simple : vous déposez toutes les palettes flottantes que vous désirez à l'intérieur de cette petite zone puis elles se transforment en de petites vignettes que vous n'aurez alors plus qu'à "déplier" pour leur faire reprendre une apparence "normale" (comme celles de la partie orange de l'espace de travail ci-dessus, c'est-à-dire que le contenu de la palette devient visible).
Ces raccourcis sont très utiles car ils permettent de gagner en lisibilité mais aussi en accessibilité : imaginez s'il fallait afficher en intégralité toutes les palettes flottantes dont nous aurons besoin pour travailler, on n'aurait plus de place et on ne s'en sortirait pas !
Pour afficher le contenu d'une palette miniaturisée, il suffit de cliquer sur la petite vignette qui lui correspond.

Il n'est pas nécessaire de s'en souvenir pour l'instant. Le moment venu, vous pourrez vous reporter à ces quelques explications en guise de piqûre de rappel, si certaines d'entre-elles vous échappent. Enfin, si ça peut vous rassurer, nous n'allons pas tout voir dans ce cours. Il y a effectivement trop de choses pour que l'on puisse toutes les passer en revue.

Dans la boite à outils, les fonctionnalités sont classées par catégorie afin de nous faciliter la tâche. C'est d'ailleurs sur cette lignée que j'ai construit le plan de ce cours : dans un premier temps, nous étudierons les outils de base liées aux premières manipulations fondamentales sur Photoshop : la sélection, le recadrage ou encore le détourage. Ensuite, nous utiliserons les outils permettant de retoucher des photos et enfin, nous nous essayerons aux outils de création. Je vous ai confectionné un petit schéma, qui vous éclairera sur la nature de chaque outil.

La boite à outils a plus d'un tour dans son sac : si elle est formée par 4 catégories, certains outils sont eux-mêmes classés par famille et n'apparaissent qu'à condition de faire un clic droit sur l'outil visible.

(Ar)ranger son espace de travail

Il est important de prêter attention à la disposition des éléments dans l'espace de travail. Il s'agit tout simplement de travailler dans de bonnes conditions pour s'assurer un travail aussi optimal que possible. Nous allons donc faire un peu de rangement et ne garder que ce dont on aura vraiment besoin.
Outre le côté pratique, soigner la présentation de son espace de travail permet une bonne visibilité. Comme dans beaucoup d'autres domaines, travailler dans de bonnes conditions est un point essentiel en infographie et je ferai le maximum pour vous en convaincre, comptez sur moi. ;)

L'espace de travail que vous trouverez par défaut à l'ouverture du logiciel ne me parait pas suffisamment adapté pour nous qui sommes ici pour débuter, si bien que l'on va y apporter quelques modifications mineures afin de le rendre un peu plus intuitif, clair et donc accessible.

Si je n'étais pas l'auteur de ce cours, je vous dirais d'organiser votre espace de travail comme bon vous semble, tant que vous vous sentez à votre aise pour bosser. Après tout, c'est votre problème si vous êtes bordélique. :-°
Mais je vais tout de même vous conseiller d'adopter un nouvel espace de travail. Au programme : nouvelle disposition des éléments et ajout des palettes flottantes que nous utiliserons tout au long de ce cours. Cela vous permettra à la fois de vous y retrouver plus facilement avec mes exemples et mes explications dans la suite du cours, à la fois d'obtenir un espace de travail fonctionnel et présentable.

Avant de commencer notre petit nettoyage, notez que Photoshop nous suggère une série de quelques espaces de travail pré-disposés, tous conçus en fonction de disciplines et techniques de travail nécessitant une panoplie outils appropriée. Vous trouverez la liste de ces quelques espaces de travail en haut à droite de votre logiciel :

Actuellement, vous êtes sur l'espace de travail par défaut, intitulé "Les indispensables" (référence aux outils et fonctionnalités les plus couramment utilisés). Vous pouvez basculer vers l'espace de travail nommé "Conception" en cliquant sur ce même bouton. Il s'agira d'un espace de travail dédié aux techniques de conception, comme son nom l'indique. Mais la liste est plus longue qu'elle n'y parait. En effet, en cliquant sur la double-flèche de droite, vous ferez apparaitre d'autres espaces de travail que vous êtes alors libre de choisir en cliquant dessus.

Mais pas trop vite ! Rappelez-vous que j'avais pour idée de vous faire créer un espace de travail personnalisé, c'est-à-dire spécialement étudié pour vous et ce cours ;) .

Il est donc temps de nous atteler à la dure tâche qu'est la disposition des palettes flottantes. Tout d'abord, il va nous falloir sélectionner celles que nous souhaitons voir apparaitre dans notre espace de travail, le placement de chacune viendra après. Direction la barre des menus, où je vous invite à cliquer sur le bouton Fenêtre afin que le menu apparaisse. Veuillez ensuite cocher les éléments suivants en cliquant simplement dessus avec le curseur de votre souris :

Veillez à bien sélectionner toutes les palettes indiquées sur l'image ci-dessus. Attention : inutile de vous alarmer si vous n'apercevez pas la petite encoche

à côté du nom de toutes les palettes où vous viendrez de cliquer (par exemple : Historique). En cliquant dessus, vous avez simplement réussi à créer son raccourci qui se trouve maintenant à l'intérieur de la fameuse zone prévue pour accueillir les petites vignettes correspondantes. Ainsi, votre espace de travail doit ressembler à cela une fois que vous avez cliqué sur toutes les fenêtres indiquées ci-dessus dans le menu Fenêtre :

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La moitié du travail a déjà été abattue, c'est bientôt fini :D . La prochaine étape consiste à disposer nos palettes flottantes comme j'avais prévu de vous le faire faire tout à l'heure. Nous avons plusieurs objectifs :

• Retirer la palette flottante Réglages actuellement située à droite puis créer son raccourci.

• "Déplier" les palettes flottantes Historique et Navigation puis les disposer à droite du logiciel, avec les palettes flottantes Couleur et Calques.

Allons-y étape par étape et commençons par retirer la palette Réglage. La procédure est plutôt simple (un peu comme tout ce qui va suivre d'ailleurs !), je vais vous demander de cliquer sur la partie supérieure grise foncée de la fenêtre, à côté de l'onglet "Masques".

Maintenez le clique sur cette barre grise tout en déplaçant votre curseur vers la gauche : la fenêtre se détache alors, devient légèrement transparente et "suit" vos mouvements de souris. Placez la palette à l'intérieur de la zone à raccourcis, en prenant soin de rester proche des vignettes déjà existantes afin de laisser apparaitre un petit trait bleu, signe que votre palette est prête à être déposée et transformée en vignette. Vous n'avez plus qu'à relâcher le clic et le tour est joué ;) :

Bon, la palette Réglage, c'est fait ! On va maintenant procéder à l'envers : on va déplacer les petites vignettes correspondant aux palettes Historique et Navigation pour les "déplier" et les insérer à droite, en compagnie des palettes Couleur et Calques. Pfiou, c'est pas de tout repos ! :p

Maintenant que vous savez comment déplacer une palette flottante, je n'ai qu'une indication à vous fournir pour les vignettes. Il va vous falloir maintenir le clic au niveau des deux traits formés de pointillés situés, ici aussi, dans la partie supérieure de la vignette :

Si vous ne les voyez pas même après ça, je ne sais pas ce qu'il vous faut :lol: !

Dernière de chez dernière étape : déplacer une bonne fois pour toute les deux vignettes. L'idéal à mon sens serait que vous mettiez la palette Navigation tout en haut (n'oubliez pas d'attendre l'apparition du trait bleu sans quoi cela ne fonctionnera pas) et la palette Historique entre Couleur et Calques. Ainsi, vous devriez obtenir un espace de travail tout beau, tout propre ! :D

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Vous pouvez enregistrer cet espace de travail en cliquant sur la double-flèche >> qui affiche la série d'espaces de travail pré-disposés offerte par Photoshop, puis en cliquant sur le bouton Nouvel espace de travail....

Vous ferez alors apparaitre la fenêtre suivante...

Choisissez un titre (Nom :) et cochez Menus. Enfin, cliquez sur Enregistrer pour finaliser la sauvegarde de votre espace de travail.

Nous y sommes enfin ? Vous êtes donc équipés pour travailler sur le topissime, que dis-je, l'énormissime PHOTOSHOP :D ! (J'imagine que j'en fais peut-être un p'tit peu trop...)

Le premier chapitre de ce cours est maintenant terminé. Les notions que vous venez d'acquérir vous permettront d'assimiler plus facilement les informations qui suivent dans la mesure où vous allez comprendre ce que vous faites. :) (Ne rigolez pas, le cas contraire n'est pas rare !).

Le prochain chapitre suit logiquement ce que nous venons de découvrir. Au programme : création et édition d'un nouveau document ! Et un petit bonus pour finir, avec l'apparition de notre première « minute théorique ».

Vous l'avez compris, je veux bien entendu parler de la feuille blanche sur laquelle nous allons pouvoir laisser parler notre créativité la plus sincère (en fait, je n'ose même pas imaginer ce que cela pourrait donner !).
Sur Photoshop, cette feuille s'appelle "la zone de travail". Je vous le remets une deuxième fois histoire que ça s'imprègne bien parce que vous devez absolument connaitre ce mot :

ZONE DE TRAVAIL

Le problème avec la zone de travail, c'est qu'on la confond trop souvent avec l'espace de travail. D'ailleurs, vous vous êtes certainement demandé si je ne m'étais pas trompé en employant ce nouveau terme ? Ils se ressemblent car leurs noms sont quasi-identiques, mais c'est pourtant leur seul vrai point commun, et j'espère que vous avez bien fait la part des choses vous aussi :

• J'aime comparer l'espace de travail avec un bureau de travail réel. Il s'agit en effet de l'espace dans lequel sont disposés par exemple nos crayons et nos pinceaux (dans Photoshop, il s'agit des palettes flottantes comme la boite à outils et encore la palette Calques).

• La zone de travail, c'est la feuille sur laquelle l'infographiste dessine. Il s'agit d'un élément à part entière qui compose l'espace de travail, au même titre que la boîte à outil. D'ailleurs, la zone de travail aussi est une palette flottante ! ;)

Créer une zone de travail et la paramétrer

Il est enfin temps de poser une nouvelle feuille blanche sur la table de travail, autrement dit créer une nouvelle zone de travail. Pour cela, je vais vous demander de cliquer sur le bouton Fichier qui se situe dans la barre des menus puis sur Nouveau. Vous pouvez passer par les raccourcis clavier : CTRL + N pour Windows, Command (ou Pomme) + N pour Mac.

Une nouvelle fenêtre fait son apparition, elle est intitulée "Nouveau".

On remarque au premier abord que cette fenêtre est majoritairement constituée de champs blancs déjà remplis (les champs, ce sont les petits rectangles blancs, à l'image de celui dans lequel il est écrit "Sans titre-1"). Il s'agit des valeurs liées aux différents paramètres de la zone de travail que nous sommes en train de créer (ex : "Nom :"). Nous allons être amenés à modifier ces valeurs afin de paramétrer une zone de travail propre à nos besoins. Nous allons alors, par exemple, lui définir un nom, une taille, etc.

Nous rencontrerons ce type de fenêtre plusieurs fois dans ce cours. Alors, pour que mes explications soient un tant soit peu structurées et afin de vous assurer une bonne lisibilité, je procèderai toujours point par point (ici, paramètre par paramètre), de haut en bas et de gauche à droite tout au long du cours, le tout présenté sous forme de tableau. C'est ce qui me semble être la présentation la plus convenable ;) .

En-tête	Définition
Nom	Titre de la zone de travail, celui que portera le fichier final une fois enregistré dans un dossier de votre ordinateur. Ici, il s'agit de "Sans titre-1".
Paramètre prédéfini	Liste dans laquelle figurent différents formats prédéfinis. On parle généralement de format pour désigner les dimensions d'une zone de travail ou bien même d'une image (c'est-à-dire sa largeur et sa hauteur, on y vient juste après). Pour la plupart, ce sont des formats "populaires", comme par exemple les formats A3 et A4 ou bien le format type d'une enveloppe traditionnelle. Le principe est simple, vous n'avez qu'à choisir un type de format parmi ceux qui vous sont proposés dans la liste puis cliquer sur "OK" et Photoshop s'occupe du reste ! :)
Largeur	Comme son nom l'indique, ce paramètre définit la largeur de la zone de travail. Pour la définir, il faut indiquer deux paramètres : une valeur et une unité. La valeur, c'est le chiffre ou le nombre que prend la mesure (on l'indique dans le champs blanc, là où il est écrit 500 dans l'image ci-dessus). L'unité, c'est la grandeur de référence pour mesurer. Par exemple, on dira que la largeur de ma zone de travail fait 500 (valeur) centimètres (unité). D'ailleurs, les unités les plus courantes en infographie sont certainement le pixel et le centimètre (ce dernier est d'ailleurs également très utilisé dans le milieu du bâtiment).
Hauteur	On retrouve quasiment le même paramètre ici, à l'exception que celui-ci définit la hauteur de la zone de travail. Pareil, on indique une valeur et une unité.
Résolution	Tout comme votre écran d'ordinateur, les images que l'on peut consulter à l'aide d'un outil informatique (ordinateur, téléphone portable, iPad...) sont toutes composées de petits carrés de couleur que l'on appelle pixels. Un pixel n'a pas de taille bien définie. Pour déterminer la taille d'un pixel, il faut définir une résolution pour le représenter graphiquement. Il s'agit plus ou moins d'une échelle comme celles que l'on trouve dans une carte de géographie. Plus la résolution est élevée, moins les pixels sont gros (on s'éloigne). A l'inverse, plus la résolution est basse, plus les pixels sont gros car on se rapproche d'eux à l'échelle. Wikipédia nous le démontre avec cet exemple : De gauche à droite, la résolution diminue. La prochaine partie de ce chapitre traite justement des pixels et de la résolution, je vous invite donc à patienter quelques minutes.
Mode colorimétrique	Le mode colorimétrique définit le type d'organisation des couleurs pour une image. Par exemple, si je choisis le mode noir et blanc, je ne pourrai travailler qu'avec ces deux couleurs dans ma zone de travail (ainsi que leurs nuances, c'est-à-dire du gris); pas question d'y voir du jaune ou du rouge. Il existe un mode dédié à l'impression (le CMJN), d'autres auront davantage leur place pour le web, etc. Pour info, un chapitre est consacré aux modes RVB et CMJN dans la deuxième partie de ce cours, préparez-vous à "en voir de toutes les couleurs" ;) .
Contenu de l'arrière-plan	Sur Photoshop, on parle d'arrière-plan pour désigner le fond de la zone de travail. On peut paramétrer l'arrière-plan de trois manières différentes : on crée la zone de travail soit avec un fond blanc, soit avec un fond de couleur (Couleur d'arrière-plan), soit avec un fond sans couleur apparente (Transparent). Blanc : l'arrière-plan sera naturellement... blanc (c'est celui que j'utilise le plus souvent). Couleur d'arrière-plan : l'arrière-plan prend ici la "couleur d'arrière-plan" définie dans ce que l'on appelle la palette de couleurs. Nous reviendrons sur celle-ci un peu plus tard, inutile de s'étaler sur le sujet pour le moment. Transparent : le fond de zone de travail est ici tout simplement transparent (comme du papier calque). Cela permet de travailler sans fond et vous verrez que c'est aussi l'un des fonds que l'on sera susceptibles d'utiliser dans le cours.

Au même titre que le centimètre qui s'abrège cm, veuillez prendre note que l'abréviation du pixel s'écrit px.

Par ailleurs, pour annoncer la taille d'une zone de travail, il existe un jargon qui facilite la tâche à bon nombre de graphistes. En effet, plutôt que de dire "la largeur de ma zone de travail est de 500 pixels et sa hauteur est de 600 pixels", on préfèrera dire "La taille de ma zone de travail est de 500*600px". On annonce en premier la largeur puis la hauteur du document, en prenant soin de séparer les deux par le signe de la multiplication et de finir par noter l'unité des deux valeurs, à savoir le pixel dans mon exemple.

Nous avons fait le tour, il est enfin temps de créer cette maudite zone de travail :D .

Les fonctions avancées ne nous intéresseront pas dans ce cours ;) .

Une fois les paramètres définis, vous n'avez plus qu'à cliquer sur le bouton OK. Félicitations, Vous avez créé votre première zone de travail :) !

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J'ajoute par la même occasion que vous pouvez créer plusieurs zones de travail en même temps. Si vous créez trois zones de travail par exemple, vous engendrerez l'apparition de petits onglets correspondant chacun à une zone de travail juste au-dessus de la zone de travail ouverte :

Enregistrer un document sous Photoshop peut se révéler plus complexe qu'il n'y parait. Et ça se constate au premier abord car, si vous n'avez pas touché à la zone de travail que vous venez de créer, il n'est à priori pas possible de l'enregistrer. Je peux vous le prouver, hein ! Essayez d'enregistrer votre projet, vous verrez. Il faut cliquer sur Fichier puis Enregistrer dans la barre des menus, ou bien taper la combinaison CTRL + S (Command (ou Pomme) + S si vous êtes sur Mac). Aucun doute possible, le boutonEnregistrer n'est pas opérationnel !

Et c'est normal. En fait, dans le principe, vous conviendrez qu'il est absolument inutile d'enregistrer un document totalement vide. En tout cas, il ne semble pas vraiment y avoir d'intérêt à le faire.

Par conséquent, ce bouton ne devient opérationnel si et seulement si vous avez apporté des modifications dans la zone de travail, ce qui n'est pas le cas actuellement.

Enregistrer une copie

Il existe tout de même une solution pour le faire si nécessaire, il s'agit du bouton Enregistrer sous... que vous trouverez juste en-dessous du bouton Enregistrer.

Ce bouton va nous permettre d'enregistrer une copie de la zone de travail, qu'elle ait subi ou non des modifications au préalable.

Pour résumer, le bouton Enregistrer permet de sauvegarder la source de notre travail uniquement si des modifications ont déjà été apportées au document tandis que l'autre bouton, Enregistrer sous... sauvegarde une copie de cette source. Ne vous embêtez pas trop avec ça, contentez-vous de savoir comment enregistrer votre travail pour l'instant, c'est le plus important :D .

Désormais, je vous invite à cliquer sur le fameux bouton Enregistrer sous... (CTRL + MAJ + S ou Command (ou Pomme) + MAJ + S) afin de sauvegarder la zone de travail que vous venez tout juste de créer. Évidemment, si nous avions pu cliquer sur le bouton Enregistrer, nous l'aurions fait. Mais que nous passions par l'un ou l'autre, cela ne change rien, la procédure d'enregistrement est de toute façon la même dans les deux cas.

Je suis conscient que pour la plupart d'entre-vous, enregistrer un document sur son ordinateur n'a rien de sorcier. C'est vrai, après tout, la plupart des logiciels demande à ce que l'on passe par la case enregistrement.
Mais Photoshop n'est pas un logiciel comme les autres :D . Sa fenêtre d'enregistrement est bien plus spécifique et demande à être étudiée plus sérieusement.

Je le répète, je procèderai de haut en bas et de gauche à droite comme je l'ai fait lors de la création d'une nouvelle zone de travail.

1. Vous pouvez dans un premier temps choisir la destination de votre enregistrement (Enregistrer dans :). Autrement dit "dans quel répertoire de mon ordinateur vais-je enregistrer mon fichier ?".

2. Ensuite, vous avez le contenu du répertoire dans lequel vous vous apprêtez à enregistrer votre fichier. Sur l'image, nous sommes dans le Bureau. Donc, le contenu du bureau s'affiche, à vous ensuite de choisir le dossier dans lequel figurera votre document.

3. Vous pouvez ensuite définir le nom que portera votre fichier. Si vous avez choisi "Ma première zone de travail" comme je vous l'avais demandé tout à l'heure, au moment de créer la zone de travail, c'est ce qui devrait alors s'afficher dans le champs blanc. Si vous n'avez rien écrit, le nom du fichier proposé par Photoshop est "Sans titre-1". De toute façon, c'est à vous de choisir le titre de votre document.

4. Vous devez ensuite choisir le format de votre fichier... et c'est là que j'interviens.
   Observez le contenu de la liste déroulante. Certains des formats ne vous seront sans doute pas inconnus. Il devrait y en avoir une quinzaine (selon les versions, je suppose que ce chiffre peut changer).

Je ne vous parlerai que de ces 7 formats seulement :

Ces sept formats sont ceux que vous êtes susceptibles d'utiliser le plus fréquemment, en tout cas vous aurez forcément besoin de l'un ou de l'autre un jour, selon vos besoins. Les autres ne sont pas facultatifs mais sont spécifiques à certains domaines que nous n'aborderons pas dans ce cours.

Le format Photoshop

Le format Photoshop (dont l'extension la plus connue est .PSD) est le format type de Photoshop. Il s'agit du format "source" de votre travail, celui dans lequel on retrouve tous les éléments qui le composent, toutes les modifications qui y ont été apportées, l'historique, etc. Ce n'est pas véritablement une image : c'est un fichier dédié à la modification et qu'on ne peut ouvrir qu'avec des logiciels de traitement d'image, comme Photoshop évidemment ou éventuellement The GIMP par exemple.

Lorsqu'on crée un nouveau document, celui-ci prend donc en premier lieu l'extension .PSD. Par exemple, le premier document que vous avez créé et que vous vous apprêtez à enregistrer se nommera "Ma première zone de travail.PSD". Il s'agira, je répète, du document source de votre travail, celui par lequel vous devrez obligatoirement passer pour effectuer des modifications sur votre travail.

Le plus souvent, on a un objectif en créant une nouvelle zone de travail : l'enregistrer et obtenir une image fixe, c'est-à-dire un fichier non destiné à la modification mais plutôt à la visualisation. N'est-ce pas ?
Alors, vous conviendrez qu'il faille en fait transformer le fichier source (.PSD) en un fichier image ?
Ça tombe bien, on a justement un bouton qui permet de créer une copie du fichier source... Vous voyez où je veux en venir ?

Je parle en effet du bouton Enregistrer sous... ! On va enregistrer une copie du fichier Photoshop et lui définir un format permettant de le transformer en un fichier de visualisation, c'est-à-dire de transformer notre travail sous forme d'image.

1. Je sauvegarde mon travail au format .PSD (fichier source).

2. J'enregistre une copie de cette source.

3. Je lui attribue un format qui engendrera la transformation de cette copie en une image, c'est-à-dire un fichier qui permet de visualiser le contenu du fichier source sans passer obligatoirement par Photoshop.

Hum, disons tous ceux que je n'ai pas encore cités. Commençons par les plus courants, le JPEG et le PNG.

Les formats PNG et JPEG

Bon, on l'a compris, ils présentent tous les deux une même fonctionnalité, c'est d'ailleurs celle que je me tue à essayer de vous expliquer : ils transforment tous les deux le fichier source en un fichier image (jusque là, pas de surprise). En revanche, on peut noter que leurs caractéristiques sont différentes, c'est-à-dire qu'ils ne vont pas transformer de la même manière. Et c'est pour cela qu'il ne faut pas les confondre et que l'on utilise généralement soit l'un ou soit l'autre, selon nos besoins et nos envies aussi.

• Le JPEG est un format très léger qui utilise la « compression ». Cela signifie que votre machine va effectuer un calque pour que l'image sauvegardée n'occupe que très peu de place sur le disque dur de votre ordinateur. Mais on n'a rien sans rien : malheureusement, la qualité de l'image s'en trouvera déteriorée. En effet, plus le fichier est léger, plus la qualité de l'image diminue. On peut toutefois noter que ce format est paramétrable, c'est-à-dire que l'on va pouvoir choisir la degré de compression de l'image, ce qui rend ce format d'enregistrement plus maniable aussi. Mais on ne va pas rentrer dans les détails, cela nous importe peu pour l'instant. ;)

• Les caractéristiques du PNG sont à peu près l'inverse de celles du JPG. En effet, bien que la technique de compression soit également utilisée ici, le PNG permet d'enregistrer une image avec une qualité nettement plus optimale. Or, plus la qualité de l'image est bonne, plus le fichier est lourd et de ce fait, il occupera plus de place sur le disque dur de votre ordinateur. L'autre atout du PNG est qu'il gère la transparence contrairement au JPEG.

En résumé, nous savons que :

• Enregistrer une zone de travail au format Photoshop (.psd) revient à créer un fichier source. On peut donc modifier le contenu de ce fichier et ne le visualiser qu'avec un logiciel de traitement d'images comme Photoshop.

• Enregistrer une copie de cette zone de travail .PSD au format .JPEG permet de transformer ce document en une image (un fichier prévu à la visualisation). La qualité de l'image ne sera pas optimale, mais le fichier ne prendra pas beaucoup de place sur votre disque dur. Attention, il ne supporte pas la transparence.

• Enregistrer au format PNG permet également de transformer un document Photoshop en une image. Mais à l'inverse, la qualité de celle-ci restera excellente, à l'inverse de son poids qui sera cette fois plus élevé. Ce format supporte la transparence.

• Pour enregistrer un fichier source (.PSD), il faut passer par le bouton Enregistrer. Pour enregistrer une copie de ce fichier source, il faut cliquer sur Enregistrer sous....

Les formats TIFF, EPS et GIF

Les autres formats présentent eux aussi des caractéristiques d'enregistrement différentes, chacun ayant ses propres fonctions. Voici une brève description des formats TIFF, EPS et GIF, nous finirons avec le PDF pour lequel j'ai prévu de passer un petit plus de temps :

• TIFF : ce format d'enregistrement est particulièrement adapté pour les travaux à haute résolution. Il a l'avantage de conserver la qualité initiale de l'image. Aucune compression donc, la qualité sera des plus optimales. Et comme vous le savez, plus la qualité de l'image est conservée, plus le fichier est lourd.

• EPS : il s'agit d'un format d'enregistrement connu pour être utilisé pour les réalisations de type « vectoriel ». Cette technique de création fait l'objet de notre troisième partie dans ce tutoriel, elle consiste en la construction de tracés et technique de détourages. Avec l'EPS, nous allons conserver tous les tracés vectoriels et serons en mesure de les utiliser d'un logiciel à un autre.

• 

  GIF : Globalement, le GIF est proche du PNG à l'exception près qu'il est plus lourd, mais aussi moins efficace. Par exemple, il ne supporte que 256 couleurs différentes et qu'un seul niveau de transparence, tandis que le PNG est plus souple et, par exemple, par extension, plus fiable. C'est d'ailleurs pourquoi il est considéré comme l'antécédent du PNG. Le format GIF présente toutefois un atout : il a été étudié afin qu'il puisse stocker plusieurs images dans un même fichier. C'est ainsi que le "GIF animé" a vu le jour, il s'agit d'un diaporama affichant différentes images de manière successives. Par exemple :

Après avoir créé votre première zone de travail, vous savez maintenant comment l'enregistrer, vous pouvez encore vous féliciter :) !

Enregistrer au format PDF

Présentation

Ce dernier format est un peu plus particulier que ceux que nous venons d'étudier. Le PDF, tiré de l'anglais Portable Document Format (format de document multiplateforme en français), est un format créé et développé par Adobe, le créateur de Photoshop lui-même.

Le pouvoir du PDF réside essentiellement dans sa capacité à conserver certaines propriétés du document enregistré. Je m'explique.

Pour comprendre, il va falloir sortir du contexte "Photoshop", et entrer dans un autre univers : celui du traitement de texte. Quand on crée un nouveau document avec Microsoft Word ou OpenOffice Writer par exemple, et qu'on l'agrémente de textes et images toutes positionnées selon nos souhaits, on crée ce que l'on appelle une mise en forme.

En enregistrant ce fichier source au format PDF, on l'enregistre en un format de visualisation (au même titre que l'image), mais avec la particularité que celui-ci conservera les propriétés de mise en forme. Par exemple, les textes, s'il font "x taille" dans le fichier source, feront "x taille" également dans le fichier PDF.

Absolument pas, non. En l'occurrence, pour reprendre l'exemple des textes sous Photoshop enregistrés en fichier image, il faut comprendre qu'ils sont finalement eux-mêmes transformés, d'une certain façon, en format image. Avec le PDF, les textes restent des textes. D'où le terme de "portabilité" : on transfert tout plein d'informations conservées dans le format source, dans un nouveau type de fichier dont le format est PDF. De même, les images restent des images. Elles ne sont pas toutes transformées en un seul et même fichier image : chacune garde son format d'origine (.PNG par exemple) et se retrouvent dans le fichier PDF qui joue le rôle de support de ces images, à la place qu'on leur a donnée initialement dans le fichier source du traitement de texte. :)

Le cas Photoshop

Sur Photoshop, c'est un petit peu différent. Vous le savez, lorsque l'on enregistre notre travail (.PSD) en un fichier de visualisation au format PNG par exemple, on le transforme en image. Jusque là, rien de nouveau. :)

En revanche, un fichier PDF enregistré à la base via Photoshop va contenir des données bien spéciales que l'on appelle des pixels (nous reviendrons dessus dans la partie suivante). Pour faire simple, on peut dire que le fichier PDF contient un fichier image.

Avant tout, il faut savoir que le PDF ne peut se lire qu'avec un logiciel ayant la capacité de l'ouvrir. Le plus connu et le plus utilisé est Adobe Reader.

Ainsi, si vous réalisez une image sous Photoshop, il vous faudra un visualiseur d'image pour l'ouvrir. Si vous créez un PDF, Adobe Reader se chargera de le lire. Mais dans le principe, votre PDF sera une image, c'est pour cela que l'on peut dire que "l'image se trouve dans le fichier PDF". Finalement, ce dernier ne fera qu'office d'intermédiaire.

D'une manière générale, on crée relativement rarement des fichiers PDF sous Photoshop. Si on le fait, c'est aussi parce que le PDF est devenu un format très courant et très demandé. C'est d'ailleurs aussi pour ça que je voulais vous en parler. Vous-même, vous avez déjà ouvert un PDF au moins une fois dans votre vie, j'en suis convaincu.

Dans la majorité des cas, on utilise le PDF pour, par exemple, mettre en ligne et en consultation des plaquettes de présentation. Il est aussi le format le plus apprécié/demandé pour la consultation de CV (curriculum vitae). Ainsi, vous serez à la fin de ce cours en mesure de créer un CV sophistiqué de toute pièce, et de l'enregistrer au format PDF pour qu'il soit grandement consultable (et consulté peut-être ? ;))

Enregistrer pour le web...

Cette fonctionnalité n'apparait pas dans la liste des différents formats d'enregistrement. Et pour cause, il ne s'agit pas d'un format, mais d'un type d'enregistrement. C'est pourquoi vous trouverez cette fonctionnalité dans le menu Fichier > Enregistrer pour le web et les périphériques...

Ce bouton n'est actif que si une zone de travail est ouverte, vierge ou non. En ce qui me concerne, je vous présenterai ce module à l'aide de cette image :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

Je vous invite à cliquer sur le bouton afin d'ouvrir la fenêtre correspondante.

Globalement, c'est à partir de cette fenêtre que vos documents destinés à paraitre sur la toile doivent être enregistrés. Or, vous le savez sûrement, il y a un tas de raisons qui peuvent pousser telle ou telle personne à enregistrer son travail pour le Web. En fait, tout dépend des besoins de chacun. C'est pourquoi je vais passer en revue chaque partie de la fenêtre dans le but de vous familiariser avec elle.

Le cas de l'image seule

S'il est question d'enregistrer une photo par exemple, les paramètres situés à droite de la fenêtre sont susceptibles de vous intéresser. On aperçoit en premier lieu le paramètre au nom plutôt évocateur : "Paramètre prédéfini". Vous l'aurez compris, la liste déroulante présente une succession de paramètres aux réglages déjà effectués. Une présentation de chaque réglage revient continuellement sous la forme suivante :

• NOM : GIF, JPEG ou PNG. Il s'agit des formats d'enregistrement, les mêmes que nous venons de voir ensemble.

• CHIFFRE : 128, 32, 24. Ces chiffres représentent le nombre de couleurs supportées par le format. Plus le chiffre est important, plus le format prend en considération de couleurs. A ce titre, plus le chiffre est important, plus le poids de l'image le sera.

• TRAMAGE : Le tramage correspond plus ou moins au type de transition qu'il peut y avoir d'un pixel à un autre. Si le format est non-tramé, le passage d'un pixel à un autre sera brut. Au contraire, s'il est tramé, un "fondu" apparaitra et sera paramétrable selon certaines propriétés telles que le pourcentage de tramage (moins de pourcents équivaut à un fondu moins important), le type de tramage (diffusion, motif, bruit), la transparence, etc.

Ces chiffres-là, précédés d'un tiret, désignent les propriétés du PNG. Si le PNG-8 a l'avantage d'être souple car on peut lui définir bon nombre de paramètres, il reste assez limité. Par exemple, on ne peut lui définir plus de 256 couleurs. Le PNG-24, en revanche, est ce qui se fait de plus optimal en termes de qualité d'image. Aucune limite sur le nombre de couleurs, par exemple.

En ce qui concerne le JPEG, trois solutions : soit JPEG Inférieur (qualité minimale), soit JPEG Moyen (qualité intermédiaire), soit JPEG Supérieur (meilleure qualité, mais pas aussi optimale que le PNG ou le TIFF par exemple).

En-dessous de tous ces paramètres se situe le cadre "Table des couleurs". Il n'est effectif que si vous décidez de travailler avec un certain nombre de couleurs. Si vous choisissez, par exemple, le format "PNG-8 256 Tramé", eh bien la table présentera précisément les 256 couleurs de l'image en cours de modification et disponible en aperçu à gauche de la fenêtre.

Ici, vous pouvez vous en rendre compte à l’œil nu, on retrouve bien la gamme de couleurs de la photo dans la table de droite. Vous pouvez compter, il y en a bel et bien 128. Alors évidemment, la photo de base est constituée de plusieurs millions de couleurs différentes. Avec ce nouveau paramètre (PNG-8 128 Tramé), on a demandé au logiciel de ne retenir que les 128 couleurs principales. Et, vous le voyez dans l'aperçu de gauche, la différence n'est pas si évidente que ça. Pour comparer l'image de base avec l'image paramétrée, il vous suffit de cliquer sur l'onglet "2 vignettes" au-dessus de l'aperçu.

Si vous choisissez le format PNG-8 128 Tramé par exemple, alors il y aura bel et bien 10 couleurs présentées dans la table. ;)

Pour finir, le cadre "Taille de l'image" vous permet de définir de nouvelles dimensions à l'image en cours d'enregistrement.

Le cas du site web

Cette fonctionnalité de Photoshop est à double-fonction. La première, nous venons de la découvrir, est le réglage d'une image selon différents paramètres.

La deuxième, quant à elle, est directement liée à un outil de Photoshop répondant au nom de Tranche

. On utilise cet outil pour « découper » une image en plusieurs morceaux : on crée alors des tranches. Cette fonctionnalité est particulièrement utile lorsqu'on crée une charte graphique de site web, c'est-à-dire l'aspect visuel d'un site. On commence par créer une image (plus communément appelée une « maquette ») mettant en scène l'aspect visuel dudit site, puis on découpe chaque élément pour finalement les rassembler et les adapter au web.

Ici, on voit les deux premières phases : la première consiste à créer la maquette du site, qui donne un aperçu du site tel qu'il sera présenté sur la toile. Il ne s'agit ici que d'une image. La deuxième phase montre le site « découpé ». On a donc une série d'images que l'on réutilisera avec les langages HTML et CSS pour reformer le site à l'image de la maquette préalablement créée. Les textes ou encore le menu sont techniquement réalisable avec les langages HTML et CSS seuls, on n'a donc pas besoin de les extraire de notre maquette.

Une fois la découpe de l'image avec l'outil Tranche

terminée, on passe à l'enregistrement pour web. Cette fenêtre est utile pour deux choses : tout d'abord, avoir un aperçu de notre travail directement sur notre navigateur Web (ex. : Internet Explorer, Mozilla Firefox, ...), mais aussi et de toute évidence, enregistrer simultanément toutes les images découpées, ainsi que le code HTML qui va permettre de les « maintenir » entre-elles et de les adapter au Web comme je viens de vous l'expliquer.

• 

  Aperçu : pour obtenir un aperçu, il suffit de cliquer sur le bouton du même nom en bas de la fenêtre. Vous avez la possibilité de sélectionner le navigateur de choix en cliquant sur la petite flèche suivante.

• Enregistrer : en cliquant sur le bouton Enregistrer, vous tomberez sur une fenêtre d'enregistrement semblable à celles auxquelles nous avons déjà eu affaire. Une nouveau toutefois, je veux parler de format. Étant donné qu'il est question d'enregistrer une série d'images et leur code HTML, vous aurez la possibilité de les enregistrer ensembles ou séparément. Si vous les enregistrez ensemble, vous obtiendrez finalement un fichier de type HTML, accompagné d'un dossier dans lequel figurent toutes les images découpées avec la Tranche.

Je vous explique très rapidement comment ouvrir un document, c'est un vrai jeu d'enfant !

La première étape, c'est de cliquer sur Fichier dans la barre des menus puis sur Ouvrir. (CTRL + O ou Command (ou Pomme) + O)

La fenêtre ci-dessous apparait soudainement.

Allez dans le dossier dans lequel vous avez enregistré votre projet "Ma première zone de travail.PSD" et, une fois trouvé, double-cliquez dessus, ou bien cliquez une fois dessus puis sur le bouton Ouvrir.

C'est pas plus compliqué que ça, vous venez d'ouvrir votre document ;) .

J'ai une petite question à vous poser avant de clôturer ce deuxième chapitre :) . Cela ne concerne pas seulement Photoshop, il encadre en fait le domaine de l'infographie. Pour ceux qui ne s'en souviendraient pas (les étourdis quoi !), l'infographie est une discipline qui consiste à faire du graphisme par informatique. D'ailleurs, je vous l'annonce au passage, vous aurez plusieurs fois affaire à ce genre de chapitre qui sont liés à Photoshop mais qui ne concernent pas que lui.

Enfin bref, où en était-je ? Ah oui, je voulais vous poser une question. Savez-vous comment fonctionne votre écran d'ordinateur ?

Oui, mais ça tout le monde le sait, même si je souligne la logique de votre raisonnement :D ! Maintenant, allons plus loin : sauriez-vous me donner plus de précisions sur comment l'écran affiche ce que vous voulez justement voir ? Par exemple, avez-vous une idée de pourquoi votre écran émet de la lumière ?

Si vous n'avez pas réponses à mes questions (j'espère bien que c'est le cas sinon je vais me retrouver tout seul...), je vais m'empresser de vous expliquer tout cela. Et pour ce faire, je vais avoir besoin d'un écran d'ordinateur !

Woooah ! Un écran d'ordinateur !

Nous nous concentrerons sur la partie principale de l'écran, celle qui est la source de l'affichage et sur laquelle vous êtes justement en train de lire ces textes. L'écran ci-dessus est actuellement éteint.

Allumons-le pour voir ce qu'il laisse apparaitre.

Le Site du Zéro sur Windows 7 et un écran Apple, comme ça pas de jaloux. :-°

Lorsque l'écran de mon ordinateur était éteint, il était noir, inanimé. En l'allumant, deux éléments nouveaux sont apparus : de la lumière et de la couleur.

Ces deux éléments ne sont pas arrivés par la bonté du St-Esprit. En fait, en allumant l'écran, j'ai mis en route tous les pixels de cet écran.

Et comment que vous en avez entendu parler ! Ce mot est devenu super courant et on l'emploie constamment pour parler notamment d'écrans, qu'il s'agisse d'une télévision ou d'un ordinateur. Mais savez-vous quel est le rôle du pixel, comment il fonctionne ?

Je vais vous expliquer, mais permettez-moi avant de récapituler brièvement ce que l'on vient de dire pour m'assurer que vous avez bien saisi :

• L'écran, quand il est éteint, est tout noir : ni lumière, ni couleur ne s'en échappe.

• Quand il est allumé, en revanche, il laisse apparaitre de la couleur et de la lumière.

• On peut apercevoir ces deux éléments grâce aux pixels de l'écran.

Un écran peut être (de nos jours du moins) composé de plusieurs milliers voire millions de pixels.

Chaque pixel d'un écran est rempli d'une couleur unique (le bleu par exemple) et émet de la lumière. Ainsi, en allumant votre écran d'ordinateur, vous demandez à tous les pixels de cet écran de s'éveiller et d'afficher chacun une couleur permettant de composer, à eux tous, ce qu'affiche l'écran. Par exemple, quand vous consultez le Site du Zéro, vous êtes en face de millions de petits pixels formant tous le graphisme du site, celui que vous avez actuellement sous les yeux. Si vous changez de page ou que vous vous déplacez à différents endroits d'une même page, vous allez alors demander à ce que le graphisme du site soit différent : vous engendrerez donc une modification des couleurs de chaque pixel. Vous me suivez ?

Une image numérique

Si notre écran d'ordinateur est composé de pixels, il en est de même pour les images que l'on consulte à l'aide d'un outil informatique (téléphone portable, ordinateur, appareils photo, ...). Cela rejoint justement ce que je vous disais : quand l'écran affiche quelque chose (une image, un site internet, un jeu vidéo, peu importe), ce sont les pixels qui s'éveillent et qui se colorisent et forment ce quelque chose. On appelle les images formées de pixels des images numériques.

On se sert des pixels d'une image numérique comme unité de mesure ce qui nous permet ainsi de lui définir une taille, plus communément appelée les dimensions de l'image.

Un pixel est de forme rectangulaire (le plus souvent, il ressemble à un carré). Pour s'en rendre compte et voir de plus près à quoi il ressemble véritablement, il va falloir regarder de plus près notre écran d'ordinateur. Observez attentivement la boîte à messages privés située en haut à droite de votre écran et du site.

Est-ce que vous voyez tous les petits carrés de couleur qui forment l'image de la boîte à messages privés ?

Non ?

Vraiment ?

Et en zoomant sur l'image, vous ne les voyez toujours pas ? :D

Vous n'avez pas fini de voir de telles horreurs, je vous le dis :p . Enfin bon, voilà donc à quoi ressemble un pixel ! Et si vous avez encore un peu de mal à apercevoir les pixels dont je vous parle, jetez donc un œil sur cette image :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

Grâce à cet aperçu, on peut voir absolument chaque pixel de l'image. Si nous n'avions pas zoomé, nous n'aurions pas pu reconnaitre un pixel d'un autre tellement ils sont méconnaissables, ou alors très difficilement, excepté peut-être ceux dont les couleurs sont suffisamment différentes. D'ailleurs, c'est pas bien compliqué de s'en rendre compte, il suffit d'observer votre écran et de le constater par vous-même : impossible d'apercevoir concrètement l'existence des pixels tellement ils sont minuscules. A moins d'avoir un appareil photo super performant :p :

© vhf/victor

On aura tous reconnu le logo du Site du Zéro, véritable identité graphique du site sur lequel vous êtes en train de surfer. Ce qui est génial sur cette photo, c'est que l'on distingue sans problème tous les pixels qui composent le logo. Vous commencez à comprendre maintenant la notion de pixel ?

A propos, quand je vous disais qu'une image pouvait être composée de milliers ou de millions de pixels, je ne vous mentais pas. Il m'a suffi de zoomer sur l'icône de la boîte à messages privés (juste au-dessus de la photo du logo du SdZ) pour avoir réussi à compter plus de mille pixels (oui, j'ai compté, il y en a très exactement 1734). Comprenez que je n'ai pas cherché à compter le nombre de pixels du reste de l'écran, je n'en serais jamais sorti indemne... :lol:

Ne vous méprenez pas, je n'ai pas véritablement compter tous ces pixels un par un. En fait, c'est très facile ! Si vous définissez par exemple la taille de 400*250px à une zone de travail, vous aurez alors très précisément 100.000 pixels vides à remplir. Comment je le sais ? Il m'a juste suffit de multiplier le nombre de pixels de la largeur par le nombre de pixels de la hauteur, soit 400 par 250. Ainsi, j'obtiens le nombre exact de pixels de l'ensemble de ma zone de travail.

Question anodine mais pourtant très subtile. S'il peut être carré ou rectangulaire et qu'il est une unité de mesure, les dimensions d'un pixel sont modulables.

Pour donner une taille au pixel, il faut en fait utiliser une autre unité de mesure. Prenons par exemple le centimètre. On peut ainsi dire que 5 pixels vaut 1 centimètre (ce n'est pas exact hein, c'est juste pour l'exemple), comme on pourrait dire d'ailleurs que 1 centimètre vaut 10 millimètres (ça c'est vrai par contre ;) ). Et pour définir le nombre de pixels pour telle unité de mesure, on va utiliser ce que l'on appelle la résolution.

La résolution

La résolution signifie dans notre cas "combien de pixels équivaut à un centimètre, trois centimètres, deux millimètres, ...".

En informatique, même s'il n'est pas interdit d'utiliser notre bon vieux centimètre, on a plutôt tendance à utiliser l'unité de mesure américaine par excellence, le pouce (un pouce équivaut par ailleurs à 2,54 centimètres).

Quel est l'intérêt pour nous de dire "un pixel équivaut à trois pixels", sachant qu'on ne sait même pas combien vaut un pixel ? D'où l'intérêt d'utiliser une autre unité de mesure comme référence pour définir la taille d'un pixel. Et encore une fois, cela consiste à utiliser la résolution :

Ces valeurs sont approximatives, je ne les ai pas vérifiées.

Sur cette image, on a déterminé le nombre de pixels pour un pouce, tel qu'on le ferait pour définir une échelle géographique (par exemple, 1 centimètre sur une carte de l'Europe équivaudrait à 25 kilomètres).

On dira donc que la résolution de cette image est 30 ppp (pixels-par-pouce).

Dans ce cours, nous travaillerons quasiment tout le temps avec le pixel comme unité de mesure. Autrement dit, nous créerons des images numériques en utilisant les pixels, ce que l'on appelle plus communément des images matricielles (ou images pixelisées, ou image BITMAP en anglais).

Nous verrons plus tard qu'il existe une toute autre technique pour créer des images, mais il n'est pas nécessaire que je vous en parle tout de suite car elle ne nous sera vraiment utile qu'à partir de la troisième partie de ce cours. Pour le moment, retenez l'essentiel, à savoir que nous créerons pour un temps des images numériques grâce aux pixels et qu'on appelle ces images des images matricielles.

Ce deuxième chapitre est terminé. Nous avons étudié un aspect très important en infographie, celui de l'enregistrement. Vous serez continuellement amené à chercher des solutions d'enregistrement pour conserver une qualité de travail des plus optimales.

Cette dernière sous-partie a été pour l'occasion de vous expliquer certaines notions fondamentales, comme le fonctionnement du pixel ou encore de la résolution.

Dans le chapitre suivant, nous entrons dans le vif du sujet avec la création de vos premiers effets spéciaux.

Ahhh, les calques :D ! On y est enfin !

Je vous l'annonçais, il s'agit selon moi de la fonctionnalité la plus importante de Photoshop ou de tout autre logiciel similaire. Les calques font partie intégrante du logiciel et, qui plus est, ils sont clairement essentiels pour travailler, vous allez vite comprendre pourquoi.

Pour découvrir les calques, nous allons passer le plus clair de notre temps dans la fenêtre de calques qui se situe en bas à droite de votre logiciel (pour les gens biens qui ont pris mon espace de travail comme modèle :-° ) :

Ne vous laissez pas perdre par son interface un peu repoussante je dois dire car en fait elle n'est pas si complexe qu'elle n'y parait, je dirais même que les créateurs du logiciel en ont fait un élément intuitif et relativement facile d'utilisation.

En premier lieu, j'aimerais que vous créiez une nouvelle zone de travail. Pour la taille, je vous laisse décider, ça n'a aucune importance pour le moment :) .

Définition

La question que tout débutant se pose en premier, c'est : "mais c'est quoi ça, un calque ?".

C'est une question à laquelle j'ai moi-même un peu de mal à répondre dans la mesure où la définition type d'un calque peut s'avérer relativement complexe à comprendre (alors pour l'expliquer...). On pourrait définir un calque comme étant un élément graphique qui est géré par Photoshop. On sous-entend qu'un calque représente une partie de notre projet, autrement dit l'un des éléments qui compose la zone de travail.

C'est assez délicat à expliquer comme je viens de vous l'annoncer et c'est peut-être encore plus complexe pour vous à comprendre avec de simples mots, c'est la raison pour laquelle je vais illustrer tous mes propos par un exemple pour ceux qui en auraient besoin.

Petite parenthèse : afin que vous puissiez travailler en même temps que moi tout au long de votre lecture, je vous fournirai régulièrement le fichier Photoshop (.PSD) de mes exemples. Vous disposerez alors de la source de mon travail et serez en mesure d'effectuer vos propres essais.

Veuillez télécharger le premier fichier de ce tutoriel. Il s'agit du fichier que j'ai moi-même utilisé pour illustrer l'exemple qui suit.
Télécharger le fichier source
France.psd

Petite parenthèse faite, on peut continuer ce que l'on avait commencé, j'étais parti pour vous faire un exemple :) .

Exemple

Je découpe la France en quatre parties telles qu'on les connait : l'Est, l'Ouest, le Nord et enfin, le Sud. Chacun de ces quatre points cardinaux compose évidemment la France, comme en témoigne cette image :

L'idéal serait même de séparer encore plus distinctement chaque point cardinal pour faire éclater le schéma en 4 parties (comme c'est le cas dans le fichier source que vous venez de télécharger) pour ensuite jeter un œil sur la fenêtre de calques. On remarque alors que chaque partie du schéma est justement représentée par ce que l'on appelle un calque, qu'il s'agisse des quatre coins de la France ou bien même de l'arrière-plan (le fond blanc) : tous sont des calques que l'on retrouve dans la zone de travail.

Qu'est-ce qu'on peut tirer de cet exemple ? Et bien que chaque élément dans une zone de travail possède son propre calque que l'on retrouve dans la fenêtre de calques. Bien sûr, notez que si l'on n'avait séparé la France qu'en deux (en non en quatre comme on vient de le faire), nous n'aurions alors obtenu que 3 calques : le Nord, le Sud et l'Arrière-plan. Ou bien l'Est, l'Ouest et l'Arrière-plan si la séparation était faite à la verticale ;) .

Un autre exemple ? Admettons que je copie Zozor, la mascotte du Site du Zéro, et que je le colle dans cette même zone de travail. Alors, un nouveau calque sera automatiquement créé car, si vous m'avez suivi, il s'agit d'un nouvel élément composant la zone de travail, et donc d'un nouveau calque qui apparaitra dans la fenêtre de calques. La preuve en image ;) :

Souhaitez-vous télécharger le même fichier mais avec le nouveau calque (Zozor) ?
Télécharger le fichier source
France_Zozor.psd

Comment ça marche ?

Vous savez ce qu'est un calque et à quoi cela ressemble, mais savez-vous comment on les utilise, ces calques ? Car il y a une certaine manière de les utiliser que vous vous devez de maitriser !

Si vous voulez tout savoir, on pourrait comparer les calques sur Photoshop avec les vraies feuilles de calque que l'on utilise notamment pour dessiner et décalquer en arts plastiques (ou autre). Comme ils sont transparents par défaut (à part l'Arrière-plan si on lui donne un fond blanc ou un fond de "couleur d'arrière-plan" au moment de créer une nouvelle zone de travail), on va s'amuser à superposer tous les calques, comme le montre le schéma ci-dessous.

Ainsi, ce qui est transparent n'est pas visible dans la zone de travail et laisse transparaitre ce qui se trouve juste derrière :

Le trou de forme circulaire que l'on peut apercevoir dans le Calque 2 laisse apparaitre ce qui se trouve derrière lui, à savoir le bleu du Calque 1.

La transparence sur Photoshop est caractérisée par une suite de carrés blancs et gris, à l'exemple de cette image :

Ces petits carrés ne sont apparents que si et seulement si aucun calque n'est visible, c'est-à-dire que c'est le vide, il n'y a rien, néant. C'est transparent quoi :D .

L'ordre des calques

Pour déterminer quel calque apparaitra au premier plan, lequel sera au second plan, et ainsi de suite, il faut passer par la fameuse fenêtre de calques. Ainsi, si le calque se situe tout en haut de la liste, il sera celui qui apparaitra en premier-plan dans la zone de travail. De cette manière, tous les calques qui se situent derrière lui se retrouveront en arrière-plan. Le calque qui se trouve tout en bas de la liste est d'ailleurs le plus souvent le calque nommé lui-même Arrière-plan, celui qui est automatiquement créé à l'ouverture d'une nouvelle zone de travail ;) .

Plus rapide, oui, je confirme :lol: . Mais penser que c'est moins prise de tête relève sincèrement de la naïveté du débutant :-° !

C'est vrai que cela parait tout de suite plus simple faire tout dans un seul et même calque, à vrai dire je l'avais envisagé moi aussi quand j'ai commencé. Mais au-delà de la simplicité, il faut dire que travailler dans de telles conditions s'avère très loooiinn d'être pratique à court terme. Et croyez-moi, c'est quand on s'en rend compte que ça devient le plus problématique.

Si vous ne travaillez que sur un seul calque pour tout votre projet, vous n'aurez alors plus aucun contrôle sur l'avancée de vos travaux. La zone de travail ne sera composée que d'un seul élément et donc d'un seul calque. Or, si je n'ai qu'un seul calque, cela devient tout de suite très compliqué d'effectuer une modification précise et simple sur une infime partie de l'élément en question !

J'ai justement un petit exemple pour illustrer ce que je viens de dire, je suis sûr que cela vous parlera plus. Exceptionnellement, je ne vous propose pas de télécharger le fichier source de mon travail car vous n'êtes pas censé avoir les connaissances nécessaires pour réaliser un tel exercice (mais ça viendra, rassurez-vous, surtout que ça n'a rien de bien sorcier finalement). Mais cela ne vous empêchera pas de le comprendre, à condition d'avoir toute votre attention ;) .

Nous avons ici cinq billes colorées positionnées les unes derrières les autres. On devine facilement que la bille orange figure tout en haut de la liste dans la fenêtre de calque (elle apparait en effet au premier plan) tandis que la bille grise, qui se situe en arrière-plan, est tout en bas de la liste dans la fenêtre de calques.

Le but de cet exercice est simple, on va chercher à supprimer la bille orange des deux manières que nous avons suggérées.

Si je n'avais utilisé qu'un seul calque pour réaliser ces cinq petite billes, il m'aurait fallu passer directement par la zone de travail et utiliser les outils adéquats afin de supprimer la bille orange tel que me le demande l'exercice. Ainsi, j'en serais forcément arrivé à ce résultat-ci :

Comme vous pouvez le voir, cette technique de travail ne présente que des défauts :

• On remarque aisément la marque de suppression de la bille caractérisée par ce rond blanc immonde.

• On a du même coup supprimé une partie de la bille verte

• L'ombre de la bille orange est encore visible et donc inappropriée.

Rééditons maintenant l'exercice mais cette fois-ci en profitant de la fenêtre de calques. Ainsi, chaque bille possèderait son propre calque : on retrouverait donc le calque lié à la bille grise, un autre calque lié à la bille violette, celui de la bille bleue, etc. Pour supprimer la bille orange tel que nous le demande l'exercice, je vais opter pour la solution qui me semble la plus logique qui soit : je vais supprimer le calque qui lui est lié dans la fenêtre de calques de sorte que la bille disparaisse de la zone de travail. De cette manière, la technique s'avère on ne peut plus efficace :

Alors, qu'en dites-vous ? Ne trouvez-vous pas le résultat plus juste ?

Et comme on n'en a jamais assez d'un, je vous propose un dernier petit exemple parti cette fois-ci d'un véritable projet et qui va illustrer l'ensemble de mes explications sur les calques. J'espère que ce sera suffisamment clair si vous êtes encore un peu perdu, d'autant plus que c'est un exemple très amusant, ça risque de vous plaire :) .

Pour cet exemple, n'hésitez pas à travailler en même temps que moi !
Télécharger le fichier source
SP_1.psd

Cette image constitue le fond d'un dessin que je m'apprête à compléter progressivement. Elle est composée de deux calques : le rectangle vert foncé du bas et le rectangle d'un vert un peu plus clair, en partie haute de l'image. Je vais débuter mon dessin en créant deux yeux, c'est-à-dire deux nouveaux calques qui se situeront au-dessus de ceux des deux rectangles dans la fenêtre de calques (en tête de liste si vous préférez).

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

A ce moment précis, nous avons quatre calques différents : le rectangle vert foncé, le rectangle vert clair, l'œil gauche et l'œil droit. J'ai logiquement placé les deux yeux au-dessus des deux calques de fond (les rectangles) pour les laisser paraitre dans la zone de travail, sans quoi les rectangles seraient apparus en premier-plan et auraient masqué les yeux.

J'ajoute un visage à ma réalisation.

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Le calque de ce visage se situe en-dessous des calques des yeux et au-dessus des calques de fond. De cette manière, les deux yeux restent visibles à l'écran et apparaissent en premier-plan car, si le calque du visage avait été positionné au-dessus de celui des yeux, ces derniers auraient été logiquement cachés (le visage n'est pas transparent !).

Je continue et ajoute léger sourire sournois au personnage que je suis en train de créer.

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Je lui donne un corps. Quand même.

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Un bras... :-°

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Un deuxième bras, il parait que ça rend mieux.

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Des pattes, puisqu'il s'agit d'un animal. Enfin, je crois !

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Et enfin, des griffes. Oui, vous l'aurez compris, il s'agit d'un ours.

Cet exemple est maintenant terminé. Je dois vous annoncer une bonne nouvelle : d'ici la fin de ce cours, vous serez en parfaite mesure de réaliser un tel dessin ! Vous ferez même beaucoup mieux, je vous le garantis !

Je sais que je vais me répéter, mais j'espère sincèrement que vous avez tout compris de mon discours sur les calques car si ce n'est pas le cas, vous risqueriez réellement d'être perdu et on ne peut pas prétendre travailler sur Photoshop sans les connaitre. N'hésitez pas à relire la sous-partie ci-dessus, ça ne vous coûte rien et il s'agit d'une notion importante qu'il est impératif de maitriser avant de continuer :) .

Nous allons à présent apprendre une opération de base sur Photoshop : comment créer un nouveau calque. Vous allez le voir, c'est tellement duuur ! :p

Créer un calque

Je vous le disais, il vaut mieux s'atteler à la création d'un nouveau calque à chaque nouvelle manipulation sur votre zone de travail plutôt que de ne passer que par un seul et même calque car cela vous permet d'avoir un contrôle permanent sur l'ensemble de votre avancée. Si vous ne créez pas régulièrement des calques à chaque fois que vous en avez besoin, vous vous retrouverez seulement avec l'Arrière-plan en guise de calque et je vous ai déjà donné ma position sur cette méthode de travail un peu barbare.

Du coup, il va falloir créer notre premier calque avant de commencer quoi que ce soit, et ce sera toujours le cas à partir du moment où vous débuterez un nouveau projet. Si vous oubliez, tout ce que vous ferez sera enregistré et représenté par le calque d'Arrière-plan, méfiez-vous ! Et évidemment, on ne peut créer un calque si et seulement si une zone de travail est ouverte ;) .

Le moins que l'on puisse dire, c'est qu'il existe pas mal de façons pour créer un calque ! La preuve :

• 

  On a la possibilité dans un premier temps de cliquer sur l'icône Nouveau calque

  qui se situe en bas de la fenêtre des calques. C'est la façon la plus rapide de créer un calque.

• 

  Vous pouvez également cliquer sur la petite flèche

  que vous trouverez en haut à droite de la fenêtre de calques, puis sélectionner Nouveau calque... dans la liste apparue.

• Un autre moyen est de passer par le menu Calque (dans la barre des menus) pour ensuite cliquer sur Nouveau Nouveau puis sur Calque.

• Et pour finir, on n'oublie pas nos bons vieux raccourcis clavier : SHIFT + CTRL + N ou Shift + Command (ou Pomme) + N

Quelle que soit la méthode utilisée, l'apparition du calque est instantanée :

N'hésitez pas à renommer les calques que vous créez, cela vous permettra de vous y retrouver plus facilement.Vous pouvez le faire au moment de leur création (quand la fenêtre "Nouveau calque" apparait) ou bien après, en faisant un clic droit dessus, puis en cliquant sur Propriétés du calque. Je ne sais pas vous, mais Calque 1, ça ne parle pas, moi... :-°

Verrouiller un calque

Dans la partie supérieure de la fenêtre de calque se trouve une série de boutons qui vont nous permettre de verrouiller nos calques.

Lorsqu'un calque est cadenassé (c'est-à-dire que le petit cadenas

apparaît comme c'est tout le temps le cas sur le calque Arrière-plan), on dit qu'il est verrouillé.

Au sens strict du terme, cela signifie que vous pouvez protéger entièrement ou partiellement le contenu d'un calque.

• Protéger entièrement le contenu d'un calque : le calque ne peut plus subir de quelconques modifications. Très utile quand on a terminé de travailler sur un calque et qu'on veut le mettre de côté pour ne plus y toucher.

• Verrouiller partiellement le contenu d'un calque : ici, seuls quelques paramètres restent ouverts à la modification. Le reste est protégé. Si vous voulez un exemple pour que ce soit plus clair, on va éventuellement pouvoir choisir une option de verrouillage partiel qui nous permettra seulement de modifier la transparence du calque (la transparence est une notion que nous aborderons dans le prochain chapitre) tandis qu'il ne sera plus possible de le déplacer dans la zone de travail.

Bien entendu, on retrouve toutes les possibilités de verrouillage via le même panel que je viens de vous présenter plus haut. En voici une présentation listée.

• Tout verrouiller : comme son nom l'indique, ce bouton permet de verrouiller toutes les propriétés d'un calque ou d'un groupe de calques.Tout verrouiller : comme son nom l'indique, ce bouton permet de verrouiller toutes les propriétés d'un calque ou d'un groupe de calques.

• 

  Verrouiller les pixels transparents : cela permet de protéger toutes les zones transparentes d'un calque.Verrouiller les pixels transparents : cela permet de protéger toutes les zones transparentes d'un calque.

  Ainsi, sur cette image, seul le papillon est susceptible de subir des modifications car tout le reste étant transparent, il est verrouillé et donc protégé.
  Cette option équivaut à l’option Conserver les zones transparentes des versions antérieures de Photoshop.

• Verrouiller les pixels de l’image : ce verrouillage interdit tout type de modification sur le calque avec des outils de peinture tels que le pinceau ou le crayon. Nous commencerons à utiliser ces outils dans la troisième partie de ce tutoriel, on a donc encore le temps d'ici là ;) .Verrouiller les pixels de l’image : ce verrouillage interdit tout type de modification sur le calque avec des outils de peinture tels que le pinceau ou le crayon. Nous commencerons à utiliser ces outils dans la troisième partie de ce tutoriel, on a donc encore le temps d'ici là ;) .

• Verrouiller la position : en activant ce bouton, vous n'aurez alors plus la possibilité de déplacer le calque verrouillé dans votre zone de travail.Verrouiller la position : en activant ce bouton, vous n'aurez alors plus la possibilité de déplacer le calque verrouillé dans votre zone de travail.

Faites-en bon usage !

C'est pareil pour les groupes ;) .

Supprimer un calque

Supprimer un calque, c'est encore plus facile que d'en créer un nouveau :) .
Voici le moyen le plus rapide : vous sélectionnez le calque que vous désirez supprimer, et vous cliquez sur l'icône Supprimer le calque

en bas de la fenêtre de calques.

Il vous est possible également de faire un clic droit sur le calque en question et de cliquer sur Supprimer ce calque.

Fastoche, n'est-ce pas ? :-°

Je vais vous en apprendre une bien bonne, j'ai volontairement oublié de vous dire qu'il existait en réalité plusieurs types de calque et que celui dont nous avons parlé tout à l'heure et que l'on a appris à créer est en fait le plus basique mais aussi le plus utilisé de tous :D .

Au contraire ! Qui dit différents types de calque dit de nouvelles possibilités et je trouve que c'est plutôt une bonne nouvelle finalement. En effet, si on les nomme tous des "calques" (car ils permettent tous d'afficher un élément graphique dans la zone de travail comme on l'a déjà vu), le fonctionnement de chacun s'avère vraiment différent tout autant que leur utilité, vous allez le voir.

D'une manière générale, je ne suis moi-même pas certain de connaitre absolument tous les types de calque gérés par Photoshop. Mais de toute façon, même si c'était le cas, nous ne les passerions certainement pas tous en revue car, vous le savez, je dois rédiger ce cours de sorte à ce que nous découvrions progressivement, tous ensemble, les bases de Photoshop. Il est donc de mon rôle de m'adapter et d'éviter d'aborder ce qui me semble soit inutile, soit trop complexe. Nous passerons donc en revue les calques qui me semblent être ceux qui correspondent le mieux à ce cours :) .

Calque Image

Le calque Image, c'est celui que nous avons justement créé tout à l'heure. Il prend cette apparence dans la fenêtre de calques :

Ce calque, c'est celui que l'on pourrait appeler le "calque standard" sur Photoshop. Son fonctionnement, vous le connaissez déjà puisque nous l'avons étudié dans la première partie de ce chapitre, vous ne m'en voudrez donc pas si on ne revient pas dessus :) .

Pour créer un calque Image...

• A partir du menu : Calque > Nouveau > Calque... > OK

• 

  A partir de la fenêtre de calques : Bouton en haut à droite

  > Nouveau calque... > OK

• 

  A partir de la fenêtre de calques : Bouton « créer un calque »

  > OK

Calque d'Arrière-plan

Il s'agit du premier calque que vous trouvez et que vous pouvez paramétrer en ouvrant une nouvelle zone de travail.

Lorsque vous ouvrez une image sur Photoshop, le calque représentant cette image est automatiquement un calque d'arrière-plan. La couleur de l'arrière-plan, vous le savez, est déterminée dans le champs prévu à cet effet au moment de créer une nouvelle zone de travail.

Ce type de calque est caractérisé par un cadenas signifiant que le calque est verrouillé. Il est donc protégé (nous revenons là-dessus un peu plus tard). Je peux simplement vous dire que pour le déverrouiller, il vous faudra faire un double clic sur la vignette du calque puis cliquer sur "Ok". Le calque deviendra de cette manière un calque standard.

En résumé, le calque Arrière-plan, c'est le fond de la zone de travail.

Calque Forme

On parle de "calque de forme" à partir du moment on l'on crée une forme quelconque à l'aide des outils adéquats de la panoplie Photoshop, référence entre autres aux outils appelés Formes et à l'outil Plume, véritables machines à créer que nous aborderons dans la troisième partie de ce cours :D .

Le calque ressemble à cela dans la fenêtre de calques :

A gauche, le carré noir indique la couleur dont est remplie la forme créée. S'il est noir, c'est que la forme est remplie de la couleur noir.
Au milieu, il s'agit d'un aperçu de la forme créée à l'intérieur de la zone de travail. La forme est blanche et le reste est gris.
Enfin, à droite, c'est le titre de la forme (ici, Forme 1).

Nous aurons le temps de revenir dessus plus tard, c'est le moins que l'on puisse dire. :D

Calque Texte

Le calque de texte prend l'apparence suivante dans Photoshop :

Ce calque apparait à partir du moment où vous tapez du texte dans votre zone de travail. Pour écrire du texte, il faut utiliser l'outil Texte présent dans votre boite à outils. Notez que j'ai consacré un chapitre entier pour les textes tant ils sont importants.

Calque de réglage

Le calque de réglage est un peu différent des autres. Celui-ci permet en effet d'appliquer un effet sur le contenu d'un autre calque.

Le principe est assez simple. En cliquant sur la petite icône

, située en bas de la fenêtre de calques, nous faisons apparaitre une liste constituée de réglages. En choisissant l'un de ces réglages, on crée un nouveau calque (appelé justement "calque de réglage") qui prendra effet sur le calque qui est situé juste en-dessous de celui-ci. On le place toujours au-dessus pour des raisons évoquées plus tôt dans ce chapitre et illustrées via l'exemple des boules colorées.

Bien entendu, la modification engendrée par le calque de réglage au calque situé en-dessous n'est pas définitive. Si l'on supprime le calque de réglage, l'autre calque reprend ses propriétés d'origine.

On peut trouver un réglage permettant de modifier la teinte du calque (on engendre alors une transformation de la couleur d'origine du calque), ou encore de corriger son « exposition », terme que l'on définira dans la deuxième partie de ce cours, celle qui porte sur la retouche photographique. Je ne traiterai pas ici de tous les réglages proposés dans cette fenêtre puisque nous en découvrirons une bonne partie au fur et à mesure que nous avancerons dans ce tutoriel.

A titre d'exemple, voici une série de réglages effectués sur un calque. Vous remarquerez alors qu'il y a un calque vierge (nommé "Calque") à la fin de la liste. Il s'agit du calque sur lequel j'ai effectué tous les réglages que l'on retrouve juste au-dessus (s'ils étaient en-dessous du calque dans la liste, les réglages ne seraient pas visibles, je n'ai pas besoin de vous répéter pourquoi).

Calque de remplissage

En plus d'afficher les réglages possibles pour un calque, le bouton

sur lequel nous venons de cliquer peut également servir à créer un calque de remplissage. Le nom de ce bouton parle d'ailleurs de lui-même, il est intitulé "créer un calque de remplissage ou de réglage".

Les calques de remplissage, ce sont les trois premiers de la liste :

Dans la fenêtre de calques, ces calques peuvent prendre cette apparence :

Les calques de remplissage permettent de remplir un calque d'une couleur, d'un motif ou bien d'un dégradé de couleurs et de paramétrer ce remplissage :) .

Au risque de me répéter, je signale qu'il est vraiment essentiel pour tout infographiste qui se respecte de travailler dans de bonnes conditions (le vieux radoteur :p ). J'ai bien peur que de mauvaises conditions de travail puissent avoir des conséquences directes sur le résultat final de vos projets, ce qui serait franchement stupide et même intolérable vous en conviendrez.

Non, ça, j'en suis convaincu, c'est rentré ! :D En fait, nous allons rester dans le domaine des calques et toujours dans la même fenêtre d'ailleurs. Il s'agit pourtant cette fois-ci de s'organiser dans la gestion des calques.

J'entends par "gestion des calques" qu'une zone de travail peut être composée de plusieurs milliers de calques (même si, évidemment, à notre niveau, dépasser la centaine serait déjà un exploit du fait du peu de connaissance que l'on a pu acquérir pour le moment) et qu'il fait bon d'apprendre à gérer cette tonne de calque au plus vite dans un souci de lisibilité. Je vais donc préférer jouer la prudence et vous apprendre à correctement gérer tous vos calques tant qu'on est encore en plein dedans. D'ailleurs, vous allez voir que cela peut s'avérer parfois très utile même avec très peu de calques !

Groupe de calques

Dans les cas où l'on se retrouve avec une trop grosse quantité de calques dans un même projet, l'idéal est de les regrouper en plusieurs catégories.

D'une part, la visibilité est meilleure, et d'autre part, c'est plus pratique d'un point de vue ergonomique : on sait parfaitement où se trouve tel calque selon le nom que porte le groupe dans lequel on l'a placé. Par exemple, si je cherche le calque "chien", je le trouverai dans le groupe "animaux". Si je cherche le calque "guitare" (toujours dans la même zone de travail, bien entendu), je le chercherai et le trouverai dans le groupe intitulé "instruments de musique". Vous saisissez ?

Voyons voir cela de plus près. Je vous invite à créer une nouvelle zone de travail si ce n'est pas déjà fait, et je vous laisse le soin de la paramétrer. Ensuite, veuillez créer deux nouveaux calques vides (ne me demandez pas comment on fait sinon je vous étripe !).

Votre fenêtre de calques devrait alors maintenant ressembler à ceci :

Nous allons faire en sorte de rassembler les deux calques standards dans un seul et même groupe. Il va donc tout d'abord falloir créer un nouveau groupe de calques (inutile de vous dire que ce groupe est vide pour le moment). La procédure pour créer un nouveau groupe est quasiment la même que celle pour la création d'un nouveau calque, vous avez plusieurs possibilités :

• 

  Cliquez sur l'icône Nouveau groupe

  qui se situe en bas de la fenêtre de calques.

• 

  Cliquez sur la petite flèche

  en haut à droite de la fenêtre de calques pour faire apparaitre une liste dans laquelle vous devrez cliquer sur Nouveau groupe....

• Vous pouvez également cliquer sur le bouton Calque dans la barre des menus, puis sur Nouveau et enfin sur Groupe....

• Enfin, vous avez la possibilité d'utiliser les raccourcis clavier : CTRL + G ou Command (ou Pomme) + G

Si vous souhaitez renommer un groupe, il vous faudra suivre les mêmes procédures que pour les calques.

Voici l'icône qui représente les dossiers sur Photoshop :

Maintenant, il ne nous reste plus qu'à placer les deux calques dedans et le tour sera joué.

En gros, la procédure sera la suivante : on va d'abord "attraper" les calques pour ensuite les déplacer manuellement afin de les déposer dans le groupe que nous avons créé.

On clique donc d'abord sur l'un des deux calques (peu importe lequel, c'est pareil) pour le sélectionner. On maintient ensuite le clic pour enfin déplacer le curseur de sa souris vers le groupe ciblé (je vous rappelle qu'il s'agit ici du Groupe 1).

C'est quand le groupe apparait sur fond bleu que le calque est fin prêt à être déposé dedans : vous pouvez lâcher le clic.

Le calque est maintenant dans le groupe. Ce dépôt est caractérisé par le nouvel espacement visible à gauche du calque (le Calque 2 ici).

Pour le deuxième calque (Calque 1), la procédure est la même. On fait ça ainsi de suite selon le nombre de calques que l'on cherche à déplacer dans un groupe...

Il existe une solution, rassurez-vous. De toute façon, il existe toujours des solutions. ^^

Plutôt que de déplacer tous les calques un par un, il s'agirait en fait de tous les sélectionner en même temps (du moins tous ceux que l'on veut déplacer) puis les "attraper" et les déposer dans le groupe désiré comme on vient de le faire.

On commence par créer une nouvelle zone de travail puis quatre ou cinq calques, et bien entendu un nouveau groupe. On sélectionne ensuite l'un des calques en effectuant un simple clic gauche dessus. Ensuite, on maintient la touche Ctrl (Command/Pomme sur MAC) puis on clic de la même manière sur tous les autres calques que l'on souhaite sélectionner. Cette combinaison permet de conserver les premières sélections :

Ici, les deux calques sont simultanément sélectionnés.

Pour finir, on maintient le clic gauche sur l'un des deux calques en prenant soin de ne plus appuyer sur la touche Ctrl , puis on déplace les deux calques dans le groupe. Parce que les calques étaient tous deux sélectionnés, les deux ont été déplacés dans le groupe.

Si vous disposez d'une très grande quantité de calques et que même cette technique s'avère trop lente et pas assez adaptée à votre goût pour sélectionner tous vos calques rapidement, vous pouvez utiliser la touche Shift de votre clavier d'ordinateur. Cette touche vous permettra de sélectionner une série de calques en quelques clics. Pour ce faire, il suffit de cliquer sur un calque, puis maintenir la touche et enfin, cliquer sur un autre calque. Tous les calques compris entre l'un et l'autre calque sélectionnés le seront alors également.

Tout d'abord, je clique sur le calque portant le nom Calque 1 pour le sélectionner.

Ensuite, j'appuie sur la touche Shift de mon clavier d'ordinateur et clique simultanément sur le calque portant le nom Calque 7.
Tous les calques compris entre Calque 1 et Calque 7 ont été sélectionnés par la même occasion.

Lier les calques

Les avantages que présente la création d'un groupe de calques ne se limitent pas qu'à cela. En effet, lorsqu'on crée un groupe et que l'on y dépose des calques, et bien figurez-vous qu'absolument tous ces calques sont liés à ce groupe. Cela signifie que si vous sélectionnez le groupe dans la fenêtre de calques, vous serez à même de pouvoir le déplacer lui (et donc tout ce qui se trouve à l'intérieur) dans la zone de travail (on va parler du déplacement des calques dans une zone de travail plus loin dans ce cours).

Mais alors voilà, je ne sais pas pour vous, mais personnellement, je trouve cela très contraignant de devoir tout le temps créer un groupe de calques pour déplacer plusieurs calques ensemble. Moi, je profite des groupes pour m'organiser et travailler dans de bonnes conditions et non pas pour pouvoir déplacer tous les calques d'un groupe en même temps. Par exemple, il m'arrive d'avoir besoin de déplacer deux calques ayant chacun leur groupe spécifique. Comment on fait dans ce cas ?

Cette technique s'avère effectivement rapide et efficace par moment et c'est d'ailleurs la raison pour laquelle que je vous en ai touché un mot dans ce cours. Le problème, c'est que lorsqu'on sélectionne deux calques de cette manière, cette sélection n'est que provisoire. Ils ne sont pas véritablement « liés » l'un avec l'autre : si je clique sur un autre calque, la sélection des deux calques s'annule.

Ce qu'il faudrait donc, c'est trouver un moyen de véritablement lier deux calques, les "attacher" ensemble et ceci qu'ils soient sélectionnés ensemble ou non.

Et bien sûr, si je vous dis tout ça, c'est qu'une fonctionnalité a été conçue et qu'on va évidemment s'en servir ! :D Il s'agit de la petite illustration en bas de la fenêtre de calques intitulée Lier les calques

.

Avant tout, il va falloir déterminer quels calques nous allons chercher à lier ensemble. Et pour cela, nous allons utiliser une technique que l'on maitrise maintenant sur le bout des doigts, à savoir sélectionner ces calques ensemble à l'aide des touches Ctrl (Pomme) ou Shift du clavier.

Une fois les calques sélectionnés tous en même temps, la petite icône

s'active. Il ne nous reste plus qu'à cliquer dessus !

Les petites chaines font leur apparition : les calques sont liés !

Notez qu'une fois les calques désélectionnés, les petites chaines disparaissent (voir ci-dessous). Cela ne signifie pas que vos calques ne sont plus liés.

Masquer un calque

Aviez-vous remarqué le petit œil situé à côté de chaque calque ou groupe de calques dans la fenêtre de calques ? Sauriez-vous me dire de quoi il s'agit :-° ?

Je veux parler de cet œil :

L'œil sur Photoshop permet de masquer ou d'afficher un calque ou groupe de calques dans la zone de travail. C'est-à-dire que si l'œil est visible, le contenu du calque apparait dans la zone de travail. A l'inverse, si l'œil est absent, son calque n'apparait pas dans la zone de travail.

L'œil est apparent pour chaque rond. Ainsi, tous les ronds sont visibles aussi dans la zone de travail.

L'œil à côté du gros rond est absent : ce dernier n'est plus visible dans la zone de travail.
Attention : il n'est pas supprimé, il est masqué.

Dupliquer un calque

Il arrive très souvent que l'on ait besoin d'utiliser plusieurs fois un même élément présent dans la zone de travail, autrement dit plusieurs fois un même calque.

Imaginez par exemple que vous soyez en train de créer... mettons, je ne sais pas, un ordinateur portable de toute pièce sur Photoshop (vous n'en êtes pas encore là, mais cela va venir, vous verrez ! :p ) et que vous cherchiez à créer plusieurs dizaines de touches de la même forme et de la même couleur afin de réaliser le clavier de cet ordinateur. Afin d'éviter de les réaliser toutes ces touches unes par unes et surtout histoire de vous simplifier la vie, vous n'en créerez qu'une seule et la dupliquerez autant de fois que nécessaire, c'est-à-dire que vous allez effectuer des copies de cette touche "universelle" !

Théoriquement, nous avons tout d'abord une fenêtre de calque composée de deux calques : l'Arrière-plan et le Calque 1.

La duplication se fera sur le Calque 1. Nous espérons donc créer une copie de ce calque. Et, à vrai dire, ce n'est vraiment pas compliqué... il suffit juste de faire un clic droit dessus et cliquer sur le lien Dupliquer le calque... ou bien de cliquer une fois dessus pour le sélectionner (faire apparaitre un fond bleu) puis cliquer sur la petite flèche

en haut à droite de la fenêtre de calques pour faire apparaitre une liste dans laquelle vous aurez la possibilité de cliquer sur Dupliquer le calque....

Quand le calque est dupliqué, sa copie prend le même nom que l'originale mais suivi de la mention copie.

Le raccourci clavier associé à la duplication de calque est : CTRL + J pour Windows, et Command (ou Pomme) + J pour Mac.

Je crois franchement que c'est l'un des chapitres les plus théoriques de ce cours. Je ne dis pas que vous n'en mangerez plus (et puis quoi encore ? :p ), mais sachez en tout cas que je suis ravi de savoir que vous avez tenu jusqu'au bout.

Il faut absolument que vous compreniez que la notion de calques sur Photoshop est primordiale. Si c'est encore flou et que vous n'êtes pas certain de savoir comment ils fonctionnent, je dois alors vous demander de relire ce chapitre jusqu'à que vous soyez sûrs de pouvoir continuer la lecture de ce tutoriel. Car oui, la lecture deviendra bien plus complexe si vous n'êtes pas au point avec les calques.

Bonne nouvelle ! Dans le chapitre suivant, vous allez enfin pratiquer. Et croyez-moi sur parole, vous allez réussir à vous surprendre :D !

Allez, on rentre maintenant dans le vif du sujet et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'on commence fort avec les célèbres modes de fusion !

Il s'agit d'une énième fonctionnalité que nous met à disposition Photoshop et qui a pour vertu de créer des effets spéciaux franchement terribles :D . Techniquement parlant, cela consiste à jouer avec la transparence des calques pour y transformer leurs couleurs selon la spécificité de chaque mode. Un programme très intéressant nous attend...

Seule la partie supérieure de la fenêtre de calques nous intéressera pour le moment :

Nous pouvons décomposer cette image en trois groupes de fonctionnalités :

1. En haut à gauche se situe la liste déroulante avec tous les modes de fusions. On s'y intéresse incessamment sous peu ;) .

2. Juste en dessous, ce sont les différents moyens mis à notre disposition pour verrouiller un calque. Je reviens dessus juste après les modes de fusion.

3. Enfin, à droite, il y a ce que l'on appelle l'opacité et le fond. Cela me permettra de conclure cette sous-partie pour passer à la suite du chapitre.

Tout est OK ? Alors continuons :) .

Les modes de fusion

Comme convenu, nous allons commencer ce chapitre avec les modes de fusions. Avant tout, veuillez ouvrir une nouvelle zone de travail avec les paramètres de votre choix. J'aimerais que vous preniez l'habitude d'ouvrir à chaque fois une nouvelle zone de travail et que vous y créiez un nouveau calque standard vide car il se peut que certaines fonctionnalités du logiciel ne soient opérationnelles que si une zone de travail est existante, accompagnée d'au moins un calque Image. En prenant cette habitude, vous m'éviterez de me répéter tout le temps et on gagnera un peu de temps et d'énergie. :p

Maintenant que l'on peut vraiment commencer, je vous invite à cliquer sur la petite flèche (ou sur "Normal") afin de dérouler et afficher la liste dans laquelle se trouvent les fameux modes de fusion.

Sans même comprendre tout ce charabia, on peut facilement constater du choix très large qui nous est offert. Mais alors, la vraie question, c'est "qu'est-ce que c'est, un mode de fusion ?" C'est vrai, c'est tout de même curieux comme termes, vous ne trouvez pas ?

Fonctionnement

Un mode de fusion est une des nombreuses fonctionnalités du logiciel Photoshop; celle-ci est directement liée aux calques, c'est d'ailleurs pour cela qu'on la retrouve dans la fenêtre de calques.

Les modes de fusion ont été conçus afin d’améliorer la créativité de vos images et votre productivité. Ils sont automatiquement générés par Photoshop qui se charge alors de créer un jeu de transparence entre au moins deux calques.
En d'autres mots, cela signifie que l'on va appliquer l'un des modes (de fusion) à l'un des calques de la zone de travail pour qu'il fusionne avec celui qui se trouve derrière lui. En reformulant, cela consiste à faire fusionner deux calques en appliquant à l'un d'eux ce que l'on appelle un mode de fusion.

Par exemple, si j'applique le mode de fusion appelé Incrustation (vous le trouverez dans la liste des modes de fusion) à un premier calque que j'appelle Calque 1, celui-ci fusionnera alors avec le second calque (appelons-le Calque 2), c'est-à-dire qu'un jeu de transparence va se créer en fonction des propriétés du mode de fusion sélectionné. En l'occurrence, la propriété du mode Incrustation permet de "remplacer" les pixels sombres d'une image par des pixels encore plus sombres et les pixels clairs par des pixels plus clairs. On peut donc dire que ce mode renforce le contraste de couleurs de l'image.

Pour tout vous dire, je n'ai pas prévu de traiter tous les modes de fusion. A mon sens, il ne serait pas raisonnable d'énumérer chaque mode de fusion en les accompagnant tous d'un exemple car cela serait trop lourd et pas forcément très ludique. En effet, il y a tellement d'exemples pour lesquels on peut avoir recours aux modes de fusion que j'arriverais à vous pondre une page de plusieurs kilomètres de long et évidemment, je ne m'y risquerai pas.

J'ai donc préféré opter pour la simplicité, c'est-à-dire que l'on va simplement passer en revue un ou deux modes de fusion parmi ceux qui sont les plus parlants à mon goût pour que vous puissiez voir ce qu'ils ont dans le ventre mais aussi et surtout pour que vous compreniez "comment ceux-là fonctionnent" et comment les modes de fusion d'une manière générale fonctionnent via des exemples précis et relativement concis.

Exemples

Pour ce premier exemple, je vous propose d'utiliser le mode de fusion que l'on vient de définir, à savoir l'Incrustation. Comme je vous le disais, il nous faut forcément travailler avec deux images pour que l'une fusionne avec l'autre. Ainsi, on peut travailler avec :

• Deux images totalement différentes. Par exemple, un coucher de soleil et un portrait de Jimmy Hendrix.

• Deux images identiques : l'originale et sa copie (dupliquée).

• Un calque vide et une image.C'est un cas un peu particulier qui nécessite l'utilisation d'outils que nous aborderons plus loin dans ce cours. Nous reviendrons alors dessus le moment opportun.

Nous allons commencer par travailler avec une seule image que nous allons alors dupliquer. Cette image, c'est celle-ci :

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N'hésitez pas à travailler avec moi !
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Fleuve.png
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Pour l'ouvrir sur Photoshop :

• Soit vous copiez l'image, puis vous suivez la procédure de création d'une nouvelle zone de travail (Fichier > Nouveau...). Si vous avez bien copié l'image, la taille de la zone de travail sera déjà paramétrée. Si non, essayez de copier à nouveau l'image, puis vérifiez. Une fois la zone de travail créée, faites Édition > Coller. L'image viendra se placer au centre de la ZDT, en tant que nouveau calque.

• Soit vous ouvrez directement l'image en tant que nouveau document en cliquant sur Fichier > Ouvrir. De cette manière, l'image ouverte fera office de calque d'Arrière-plan. (Vous pouvez vérifier la fenêtre de calques) Il vous faudra alors le déverrouiller. Un double-clic sur la vignette du calque fera l'affaire.

Quel que soit votre choix, vous êtes censé avoir au moins un calque représentant la photo ci-dessus, et éventuellement un deuxième calque de type Arrière-plan vide (ce qui est mon cas). Je vous demanderais de bien vouloir dupliquer le calque de l'image dans un premier temps afin que l'on se retrouve au final avec deux images : l'originale et sa copie.

Veillez à ce que la copie soit située au-dessus de l'originale, cela me facilitera grandement la tâche pour les explications.

Le tout maintenant, c'est d'appliquer le mode de fusion Incrustation au calque Copie pour le faire fusionner avec le calque Originale et générer un nouveau jeu de transparence, et par extension un jeu de couleur grâce au mode. Ainsi, il va falloir sélectionner le calque Copie puis faire dérouler la liste des modes de fusion pour finalement cliquer sur Incrustation.

Une fois que le mode est défini, on peut apercevoir un changement instantané au sein de notre zone de travail...

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Nous le disions, ce mode de fusion tel qu'il est défini obscurcit les couleurs sombres et éclaircit les couleurs vives. Ainsi, l'image subit des changements chromatiques (cf. : relatifs à la couleur) lui donnant un nouvel aspect.

La différence est encore plus parlante si l'on compare l'image avant et après mode (le fameux avant/après ^^ ) :

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Afin d’étoffer un peu cette partie sur les modes de fusion, je vais vous proposer une petite démonstration. Pour cela, j'utiliserai une image en guise d'exemple sur laquelle je vais appliquer quelques modes de fusion afin que vous puissiez constater des effets que produisent chacun d'entre-eux.

L'image en question, la voici :

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J'appliquerai une couche de peinture rouge sur l'ensemble du paysage afin de constater de l'effet que le monde de fusion produira.

Et quand bien même ce serait possible, je ne souhaite pas m'y risquer. Je vous propose donc une série d'exemples avec la définition Adobe à côté pour ceux que ça intéressaient éventuellement. Cliquez sur les images pour les agrandir.

Obscurcir
Analyse les informations chromatiques de chaque couche et sélectionne la couleur de base ou de fusion (la plus foncée) comme couleur finale. Les pixels plus clairs que la couleur de fusion sont remplacés, et les pixels plus foncés demeurent intacts.

Teinte
Crée une couleur finale ayant la luminance et la saturation de la couleur de base et la teinte de la couleur de fusion.

Soustraction
Analyse les informations chromatiques de chaque couche et soustrait la couleur de fusion de la couleur de base. Dans les images 8 et 16 bits, les valeurs négatives obtenues sont écrêtées à zéro.

Saturation
Crée une couleur finale ayant la luminance et la teinte de la couleur de base et la saturation de la couleur de fusion. Ce mode ne produit aucun effet sur une zone non saturée (avec une valeur de gris égale à 0).

Lumière tamisée
Assombrit ou éclaircit les couleurs, selon la couleur de fusion. Cet effet équivaut à projeter une lumière de projecteur diffuse sur l’image. Si la couleur de fusion (source lumineuse) contient moins de 50 % de gris, l’image est éclaircie comme si elle était moins dense. Si la couleur de fusion contient plus de 50 % de gris, l’image est obscurcie, comme si elle était plus dense. Lorsque vous dessinez avec un noir ou un blanc pur, vous obtenez une zone nettement plus foncée ou plus claire, mais vous n’obtenez ni un noir ni un blanc pur.

Incrustation
Multiplie ou superpose les couleurs, selon la couleur de base. Les motifs ou les couleurs recouvrent les pixels existants, tout en préservant les tons clairs et les tons foncés de la couleur de base. La couleur de base n’est pas remplacée, mais mélangée à la couleur de fusion pour reproduire les tons clairs ou foncés de la couleur d’origine.

Éclaircir
Analyse les informations chromatiques de chaque couche et sélectionne la couleur de base ou de fusion (la plus claire) comme couleur finale. Les pixels plus foncés que la couleur de fusion sont remplacés, et les pixels plus clairs demeurent intacts.

Différence
Analyse les informations chromatiques de chaque couche et soustrait la couleur de base de la couleur de fusion, ou inversement, en fonction de la couleur la plus lumineuse. La fusion avec du blanc inverse les valeurs de la couleur de base ; la fusion avec du noir ne produit aucun effet.

Densité couleur -
Analyse les informations chromatiques de chaque couche et éclaircit la couleur de base pour reproduire la couleur de fusion par réduction du contraste entre les deux. La fusion avec du noir ne produit aucun effet.

Couleur plus foncée
Compare la somme des valeurs des couches des couleurs de fusion et de base et affiche la couleur présentant la valeur la plus faible. Le mode Couleur plus foncée ne génère pas une troisième couleur, issue de la fusion Obscurcir, mais choisit les valeurs de couche les plus faibles entre la couleur de base et la couleur de fusion afin de créer la couleur finale.

Couleur plus claire
Compare la somme des valeurs des couches des couleurs de fusion et de base et affiche la couleur présentant la valeur la plus élevée. Le mode Couleur plus claire ne génère pas une troisième couleur, issue de la fusion Éclaircir, mais choisit les valeurs de couche les plus élevées entre la couleur de base et la couleur de fusion afin de créer la couleur finale.

Couleur
Crée une couleur finale ayant la luminance de la couleur de base et la teinte et la saturation de la couleur de fusion. Ce mode préserve les niveaux de gris de l’image et est pratique pour colorer des images monochromes ou pour teinter des images en couleurs.

Allez, pour le plaisir des yeux, j'aimerais vous montrer l'un de mes effets préférés. Je ne vais pas chercher midi à quatorze heures : je vous épargne mes longs monologues longues et fatigantes explications :

Pour cet exemple, je ne vais utiliser qu'un seul calque que je vais dupliquer. Ce sera cette image-ci :

Je vais dans un premier temps dupliquer cette image puis, grâce aux pouvoirs magiques qui me sont conférés, je vais rendre cette duplication totalement floue.

Je sais, ça pique un peu les yeux :D .

Je place la copie floue en-dessous de l'originale dans la fenêtre de calques puis j'applique l'excellent mode de fusion appelé Incrustation à cette dernière afin de "l'insérer" dans l'image floue.

Le résultat ?

Merveilleux ! :D N'hésitez pas à comparer l'originale avec celle-ci...

J'ai failli vous dire qu'on en avait terminé avec les modes de fusion. Que nenni :p ! On n'a fait ici qu'introduire les modes de fusion pour que vous puissiez comprendre leur fonctionnement avec quelques cas intéressants. Dans la suite du cours, nous allons les utiliser de manière concrète, sur des exemples qui en valent véritablement la peine. Nous apprendrons par ailleurs à exploiter les modes de fusion de manière précise grâce au pinceau. Mais je vous en ai déjà trop dit, alors on passe vite à la suite avant que je ne gaffe encore !

Opacité et Fond

On continue notre découverte des fonctionnalités de la partie supérieure de la fenêtre des calques et, comme convenu, nous allons nous intéresser à la partie droite de la fenêtre.

Il s'agit de deux fonctionnalités très pratiques que vous serez continuellement amenés à utiliser au cours de vos projets.

L'opacité et le fond sur Photoshop sont deux réglages liés à la transparence des calques. Au premier sens du terme, on dit qu'un objet est transparent quand il se laisse traverser par la lumière. En d'autres mots, un objet est transparent lorsque l'on peut voir à travers lui.

Sur Photoshop, modifier la valeur de l'opacité (qui se lit en %) revient à modifier la transparence de l'intégralité du calque. Plus la valeur est basse, moins le calque est visible et plus on peut voir à travers lui, comme en témoigne l'exemple ci-dessous.

Ce qu'il faut bien retenir, c'est que l'opacité engendre une modification de la transparence sur tout le calque. Pourquoi j'insiste là-dessus ? Parce qu'à l'inverse, la fonctionnalité "fond" engendre une modification de la transparence sur le fond du calque, sans toucher à ce que l'on appelle les styles de calque que nous lui aurons appliqués.

Ce que je peux vous dire pour l'instant, c'est qu'il s'agit à nouveau d'effets spéciaux et, encore une fois, qui sont automatiquement gérés par Photoshop. Mais je ne souhaite pas m'étaler sur le sujet car on va voir ce que c'est d'ici quelques minutes, ce sont les deux sous-parties suivantes :) .

Pour l'heure, notez simplement que l'opacité engendre une modification de la transparence sur l'intégralité du calque, tandis que le fond modifie la transparence du calque sans affecter la transparence des effets spéciaux que nous lui aurons ajoutés grâce aux styles de calque (on dit alors qu'on a modifié la transparence du fond du calque).

En résumé :

• Modifier le % de l'opacité, c'est modifier la transparence de l'intégralité du calque.

• Modifier le % du fond, c'est modifier la transparence du calque sans affecter les styles de calque que nous lui avons appliqués (les styles de calque, c'est ce que nous nous apprêtons à étudier).

Exemple

Dans cet exemple, nous allons modifier l'opacité de l'un des calques pour le faire disparaitre de l'image. Voici le contenu de la zone de travail :

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Le Calque 1 n'est autre que ce qui se trouve en haut à droite de l'image, c'est-à-dire le panneau lumineux "Hôtel" et ses quelques décorations. Le Calque 2 représente tout le reste, à savoir la cathédrale et le ciel de nuit.

Pour faire disparaître l'enseigne "Hôtel", on va tout bonnement modifier l'opacité de son calque (Calque 1).

Modification de l'opacité : 30%

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Modification de l'opacité : 0%

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Vous le voyez, le Calque 1 a complètement disparu sur ce dernier exemple. On peut toutefois dire qu'il est toujours «là» car le calque n'a pas été supprimé. Il est juste totalement transparent, rendant visible le ciel qui se trouve derrière.

En introduction, je vous avais promis vos premiers effets spéciaux. Si les modes de fusions sont de bons instruments pour en réaliser, vous n'avez rien vu et n'êtes pas au bout de vos surprises avec les styles de calque.
Derrière ce drôle de nom se cachent de puissantes fonctionnalités que vous serez très, très souvent amenés à utiliser pour vos prochains projets. Qui plus est, ces effets sont totalement paramétrables, cela les rend faciles et agréables à utiliser.

Style de calque, kézako ?

Un style de calque est une option que l'on ajoute aux calques de notre zone de travail pour que Photoshop génère des effets. Ces effets ne sont pas particulièrement extraordinaires (au sens propre et figuré du terme), il est question par exemple d'ombrage, de contour ou entre autres de dégradés de couleur. On peut dire que l'on va donner du "style" au calque.

Avant de créer une nouvelle zone de travail, veuillez télécharger le fichier Photoshop ci-dessous. Il s'agit du premier document sur lequel nous allons travailler en attendant de télécharger d'autres travaux tout au long de cette partie et de celles qui suivent.
Télécharger le fichier source
Ex_OmbreP.psd

Une fois le fichier téléchargé, veuillez l'ouvrir sur Photoshop.

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Puis, veuillez cliquer une fois sur le Calque 1 afin de le sélectionner et ensuite cliquer sur l'icône des options de fusion

que vous trouverez en bas de la fenêtre des calques.

Une nouvelle liste apparait, il s'agit sans surprise des fameux styles de calque dont je vous parle depuis tout à l'heure. Nous allons ouvrir et découvrir la fenêtre principale à partir de laquelle nous allons paramétrer les différents styles de calque en cliquant sur "Options de fusion..." tout en haut de la liste.

C'est donc par le biais de cette fenêtre que nous définirons quelles options ajouter aux calques et que nous les configurerons pour leur donner du style (à prononcer avec l'accent anglais :lol: ).

Les styles, justement, se situent dans la partie gauche de la fenêtre, c'est-à-dire la zone recouverte de vert sur l'image ci-dessous. La zone rouge, quant à elle, recouvre tous les paramètres relatifs au style sélectionné qui vont nous servir à le configurer.

En ouvrant cette nouvelle fenêtre, vous tombez directement sur la partie permettant de paramétrer "les options de fusion"...

Et BIM ! Dans le panneau :p . Il ne faut pas confondre les modes de fusion et les options de fusion.

• Un mode de fusion, c'est ce que nous venons tout juste de voir ensemble, il s'agit de la fameuse liste déroulante et des modes que nous avons appliqués aux images telles que le Big Ben et le panneau de signalisation, vous savez.

• Les options de fusion sont des paramètres liés à tous les styles de calque de la liste de gauche. Il s'agit de l'interface présentée ci-dessus. Celle-ci permet d'adapter la façon dont les styles de calque (que nous allons étudier en profondeur dans quelques secondes) et les modes de fusion interagissent avec les calques. En d'autres termes, on utilise cette première interface pour paramétrer l'ensemble des styles de calque avant de les paramétrer individuellement.

Par exemple, on va pouvoir se servir de cette première interface pour définir un mode de fusion qui prendra effet sur tous les styles de calque présentés dans la cadre vert, à gauche de la fenêtre ci-dessus. Pour le bon déroulement de ce chapitre, nous ne toucherons pas aux paramètres des options afin de se concentrer sur les styles de calque.

Ombre portée

Pour inaugurer cette longue et périlleuse partie, nous allons aborder le premier style de calque de la liste, il est appelé Ombre portée. Alors, de quoi s'agit-il ?

Comme son nom l'indique, il est question d'ajouter une ombre au calque sélectionné. Il ne fait aucun doute que vous savez ce qu'est une ombre (tout du moins j'ose l'espérer - pensez à Lucky Luke si ce n'est pas le cas), je vous épargne la définition type d'une ombre.

Veuillez cliquer sur l'option "Ombre portée". Attention, il ne faut pas cliquer sur la petite case blanche qui se situe à côté du nom de l'option mais bel et bien sur le texte "Ombre portée". Cliquer sur la case blanche, c'est sélectionner l'option et la rendre opérationnelle avec ses paramètres par défaut. Or, cliquer sur le texte "Ombre portée", c'est afficher et nous laisser la possibilité de modifier ses paramètres, ce que nous nous apprêtons justement à faire.

Comme vous pouvez le voir, il y a un certain nombre de paramètres disponibles et j'ai longtemps hésité pour déterminer comment j'allais vous les présenter. L'idée, ce serait donc de les étudier un par un, de haut en bas et de gauche à droite, et sous forme de tableau, comme je l'ai fait avec la fenêtre de création d'une nouvelle zone de travail :) .

Paramètre	Valeur
Mode de fusion	Il est de retour ! Le mode de fusion peut aussi fonctionner pour faire fusionner un style de calque avec un calque de la zone de travail. Vous pouvez donc définir un mode de fusion à l'ombre et ainsi, un jeu de transparence s'effectuera entre elle et le calque de second plan (celui qui se trouve derrière le calque sélectionné et auquel on a ajouté l'ombre portée justement).
Couleur de l'ombre	Comme son nom l'indique, ce paramètre permet de donner une couleur à l'ombre. Un peu hors du commun, je dois l'admettre, mais en même temps on travaille sur Photoshop :-° . Pour choisir une couleur, il suffit de cliquer sur le petit rectangle noir qui se situe juste à côté de la liste déroulante des modes de fusion et ainsi vous ouvrirez le sélecteur de couleurs. On revient là-dessus un peu plus loin dans le cours.
Opacité	L'opacité permet de définir la transparence de l'ombre. Moins il y aura d'opacité, moins l'ombre sera visible. C'est une notion déjà abordée, j'espère que c'est rentré :) .
Angle	Ce paramètre permet de modifier l'angle de l'ombre portée, c'est-à-dire de lui définir une position dans la zone de travail en fonction du calque. Deux possibilités : soit je tape directement la valeur de l'angle de l'ombre dans la case blanche (ici : -45), soit je déplace manuellement le rayon dans le cercle, à l'aide de ma souris. Ce rayon qui indique très précisément où se situe l'ombre par rapport au calque. Vous le savez, pour créer une ombre, il faut forcément une source de lumière. Dans cet exemple, le rayon est placé en bas à droite (approximativement) ; on imagine alors que c'est ici d'où provient la source de lumière, et qu'elle se dirige dans la direction que prend le rayon. L'ombre se situera donc en haut à gauche du calque. En effet, comme on peut le constater, l'ombre se retrouve en haut à gauche, à l'opposé du rayon dans les paramètres de l'ombre portée (et donc de notre position et de la direction que prend notre regard).
Utiliser l'éclairage global	En cochant cette option, les paramètres des ombres portées de tous les calques prendront le même angle. En d'autres termes, si vous définissez un angle à l'ombre portée d'un calque (appelé Calque 1) puis que vous modifiez l'angle de l'ombre portée d'un autre calque (appelé Calque 2) tout en laissant l'option d'éclairage global cochée, alors l'angle du Calque 1 prendra la même valeur que celui du Calque 2.
Distance	Ce paramètre permet de choisir la distance qui sépare l'ombre du calque. Plus la valeur est importante, plus la distance le sera. Pour déplacer l'ombre manuellement (sans passer par des valeurs écrites), il vous faut déplacer la fenêtre des styles de calque sur le côté pour avoir la zone de travail en champs de vision puis cliquer sur cette dernière et déplacer votre curseur pour que l'ombre le suive.
Grossi	Avec ce paramètre, il est possible de donner plus d'épaisseur à l'ombre. Plus la valeur définie est importante, plus l'ombre s'épaissit.
Taille	Avec celui-ci, vous définissez une taille à l'ombre. A l'inverse du paramètre "Grossi", plus la valeur de la taille est importante, plus l'ombre s'étend et perd un peu de son opacité sur les bords

Nous nous contenterons des paramètres de la catégorie "Structure" pour ce style de calque, comme convenu. On laisse donc le reste de côté ;) .

L'essai

Il est temps de mettre en pratique ce que l'on vient de voir avec notre premier essai. Il y en aura un pour chacune des options ;) .

Avant de paramétrer l'ombre portée, veuillez sélectionner le calque nommé Calque 1 dans votre fenêtre de calques. Nous le sélectionnons afin de travailler dessus. Je rappelle aux étourdis que nous allons effectuer des modifications sur ce document-ci :

Voici ensuite les instructions, je vais vous demander de reprendre chacun de ces paramètres et de les insérer dans votre fenêtre pour l'option Ombre Portée :) .

• Mode de fusion : Produit

• Couleur : Par défaut (noir)

• Opacité : 50 %

• Utiliser l'éclairage global : non (à décocher avant d'indiquer des valeurs aux paramètres suivants)

• Angle : 105 °

• Distance : 3 px

• Grossi : 0 %

• Taille : 8 px

Veuillez valider les paramètres donnés dans les instructions ci-dessus. Voici le résultat que nous obtenons :

Nous sommes donc parvenus à créer une ombre correcte entre la première et la deuxième feuille, si bien que l'on a l'impression que la feuille ombrée survole un peu les autres. Pour garder une certaine uniformité, l'idée à présent serait de rajouter une ombre à chacune des feuilles et donc, à tous les calques visibles dans la fenêtre de calques (hormis l'arrière-plan évidemment).

Il faudrait donc logiquement retaper chacune des valeurs de chacun des paramètres pour chacun des calques. Autant de manœuvres lourdes que Photoshop va nous éviter, il existe en effet un moyen bien plus efficace et beaucoup moins fatiguant pour ce genre d'opérations répétitives : nous allons copier les paramètres du Calque 1 et les coller dans tous les autres calques de la fenêtre. Ainsi, nous transférerons toutes les propriétés du Calque 1 vers ces autres calques. C'est à la fois un gain de temps et d'énergie et vous n'imaginez pas à quel point je suis ravi que cela existe ! :D

Pour copier les paramètres du style de calque "Ombre portée" précédemment ajoutés au Calque 1, il faut faire un clic droit sur ce dernier puis cliquer sur le bouton Copier le style de calque. Enfin, pour les coller, il faut effectuer un clic droit sur chacun des autres calques et cliquer sur le lien Coller le style de calque. Vous remarquerez alors que l'ombre portée sera automatiquement paramétrée sur le calque sélectionné. Et si vous avez bien suivi, vous devriez obtenir l'image suivante :

Elles sont pas belles, nos feuilles de papier ? Grâce aux ombres portées, nous avons réalisé un effet de profondeur et avons donné du relief au paquet de feuilles, ce qui a également permis de styliser chaque feuille et de lui donner un côté "design". C'est plutôt basique mais franchement, je trouve ça très efficace. J'adore ! :D

Ombre interne

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le nouveau document correspondant à ce style de calque.
Télécharger le fichier source
Ex_OmbreI.psd

Après l'ombre portée, je vous présente l'ombre interne. Contrairement à l'ombre portée qui permettait de créer une ombre externe au calque sélectionné, l'ombre interne crée une ombre non pas à l'extérieur mais à l'intérieur du calque.

Cela peut paraitre bizarre peut-être, mais croyez-moi, c'est une option très intéressante et même surprenante dans la mesure où, si l'ombre portée donne cet effet de profondeur que l'on a connu avec le paquet de feuilles, l'ombre interne, quant à elle, va permettre l'apparition d'un contraste sur les bords du calque et ainsi va nous permettre donner du relief au calque.

Comment ça vous n'avez rien compris ? :-° Allons, voyons voir cela de plus près.
Veuillez sélectionner l'option "Ombre interne" dans la liste (en prenant soin, une nouvelle fois, de bien cliquer sur "ombre interne" et pas sur la petite case blanche ^^ ).

Première impression : les paramètres ressemblent étrangement à ceux de l'ombre portée. Quoi que, je dis étrangement, mais je vous avais plus ou moins prévenus que la catégorie "Structure" recensait quasiment les mêmes paramètres à chaque fois. J'ai donc pris la décision de ne pas vous refaire un tableau comme je l'ai fait pour l'ombre portée car cela alourdirait le tutoriel pour pas grand chose de nouveau au final.

On peut noter une seule différence remarquable qui vient du paramètre "Maigri". Pour l'ombre portée, le nom de ce paramètre était "Grossi" : il fallait en effet grossir l'ombre. Pour l'ombre interne, il s'agit de la faire grossir "à l'intérieur du calque", donc à l'inverse de la faire maigrir (c'est tordu, je l'admets...). Du coup, on va devoir indiquer une valeur en % : si la valeur est égale à 100%, alors l'ombre interne occupera 100% du calque. Vous me suivez ?

L'essai

L'image sur laquelle nous travaillerons est la suivante. Je vous rappelle que l'on va régulièrement effectuer des essais chaque fois qu'une nouvelle notion sera abordée :) .

Nous effectuerons cet essai sur le calque nommé Calque 4 dans la zone de travail. Pareil, je vous donne les valeurs à indiquer dans les champs prévus à cet effet :

• Mode de fusion : Produit

• Couleur : Par défaut (noir)

• Opacité : 27 %

• Angle : 120 °

• Utiliser l'éclairage global : oui (à cocher)

• Distance : 0 px

• Maigri : 20 %

• Taille : 90 px

En paramétrant le style de calque avec ces valeurs, le résultat sera le suivant :

Je vous le disais, l'ombre interne peut servir à donner du relief au calque. Il s'agit d'un effet plutôt courant et grâce auquel on peut rendre une création plus sophistiquée qu'elle ne l'était déjà. La preuve, s'il on applique une ombre interne à tous les ronds du document Photoshop que je vous ai fourni, on obtient une image tout de même plus élaborée :

Vous savez, on pourrait même accentuer ce relief en modifiant par exemple l'angle, la distance ainsi que l'opacité de l'ombre interne. Voyez plutôt :-° :

Pas mal, n'est-ce pas ? Je vous laisse deviner tout seuls quelles valeurs j'ai pu indiquer pour paramétrer l'ombre interne, je suis sûr que vous y arriverez. Au pire, n'hésitez pas à demander de l'aide sur le forum Graphisme du Site du Zéro. :)

Lueur externe

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le document correspondant à ce style de calque.
Télécharger le fichier source
Ex_LueurE.psd

On en a terminé avec les ombres, il est temps de s'intéresser aux lueurs en commençant par la lueur externe.

Comme son nom l'indique, ce style de calque permet de créer une lueur, c'est-à-dire des rayons lumineux que l'on dit "externes" car ils débutent à partir des contours du calque vers l'extérieur, à l'image de l'ombre portée quand sa distance est paramétrée à 0 px. Je tiens à ce que vous ne confondiez pas la lueur externe et l'ombre portée. Je répète que c'est une lueur, semblable à des rayons de lumière qui s'échappent des contours du calque.

Certains paramètres de styles de calque reviennent régulièrement, ne vous étonnez pas si je ne reviens pas dessus.

L'essai

C'est parti pour une nouvelle manipulation. Cette fois-ci, vous avez téléchargé cette image :

Je vous invite à rentrer les informations qui suivent sur le Calque 2.

• Mode de fusion : Normal

• Opacité : 64 %

• Bruit : 3 %

• 

  Couleur : #FF0000

  Ce code de couleur est à insérer au niveau de l'encadrement rouge sur cette image (sans le #) :

• Grossi : 2 %

• Taille : 13 px

Veuillez laisser les autres paramètres tels que vous les avez trouvés (par défaut). Vous devriez obtenir ceci :

Lueur interne

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le document correspondant à ce style de calque.
Télécharger le fichier source
Ex_LueurI.psd

La lueur interne fonctionne de la même manière que l'ombre interne : c'est une lueur qui prend forme à l'intérieur du calque.

Vous connaissez, là aussi, la plupart des paramètres de cette option. La nouveauté en revanche, c'est qu'il est possible de choisir la source de départ de la lueur, chose qui n'était pas permise avec l'ombre interne (en même temps, une ombre reste une ombre, il s'agit d'une silhouette ni plus ni moins) :

.

Choisir la source de départ de la lueur, c'est définir à quel endroit elle va débuter.

• Soit votre lueur part du contour de votre calque (comme la lueur externe et les deux types d'ombres).

• Soit votre lueur part du centre de votre calque (et c'est la nouveauté).

Un exemple ne vous ferait pas de mal, je crois :-° ...

L'essai

Nous effectuerons deux essais, chacun présentant le résultat selon les deux sources paramétrables. L'image sur laquelle nous travaillerons est la suivante :

Nous travaillerons sur le calque nommé Calque 2.

Dans le premier exemple, la source de la lueur interne sera le contour du calque, comme l'indiquent les instructions suivantes :

• Mode de fusion : Normal

• Opacité : 75 %

• Bruit : 0 %

• Couleur : #FFFF78

• Technique : Plus tamisée

• Source : Contour

• Maigri : 10 %

• Taille : 98 px

Observons le résultat si l'on changeait la source de la lueur, ainsi que quelques autres paramètres :

• Mode de fusion : Normal

• Opacité : 100 %

• Bruit : 0 %

• Couleur : #FCFE7D

• Technique : Plus tamisée

• Source : Centre

• Maigri : 0 %

• Taille : 62 px

Dans le premier exemple, la lueur a pris forme à partir des bords de l'ampoule (autrement dit de son contour). A l'inverse, dans cet exemple, la lueur a débuté au centre de l'ampoule.

Utilisez plusieurs styles de calque en même temps !

N'hésitez pas à combiner plusieurs styles de calques si vous pensez qu'ils peuvent aller ensemble. C'est le cas pour notre ampoule, regardez. De base, l'ampoule ressemble à ça :

En lui ajoutant les options de fusion que nous avons vues (voir liste ci-dessous), voyez comment j'ai pu l'améliorer :

• Ombre portée

• Ombre interne

• Lueur externe

• Lueur interne

Biseautage et Estampage

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le document correspondant à ce style de calque
Télécharger le fichier source
Ex_Biseautage.psd

Veuillez ouvrir la page des options de fusion (c'est-à-dire la fenêtre des styles de calque) puis cliquer sur l'option "Biseautage et estampage".

C'est un style de calque vraiment très, très intéressant, compte tenu de son puissant pouvoir. Il permet de donner du relief au calque !

Ah. En effet, l'ombre portée permettait de donner du relief, tout comme l'ombre interne d'ailleurs. Mais voilà, ce n'était pas un relief concret, disons que c'est par le biais de l'ombre que nous arrivions à percevoir un effet de profondeur. Or, avec l'option biseautage, nous allons concrètement modifier le calque pour créer un relief, un vrai. Vous me suivez ?

Décortiquons chaque paramètre de l'option et plus précisément celle de la catégorie « Structure », avant de procéder à notre essai coutumier :

Je ne souhaite pas m'éterniser sur les autres paramètres, mais je ne vous empêche pas de les essayer par vous-même. Nous en avons assez vu, on a du pain sur la planche ! Mais avant de passer au style de calque suivant...

L'essai

Une nouvelle fois, je vous propose deux essais afin de constater de deux résultats en fonction des paramètres proposés. Nous travaillerons sur le calque nommé Calque 1 (en même temps, c'est le seul sans compter l'arrière-plan).

Tout d'abord, comme à l'accoutumée, un aperçu de l'image que vous avez téléchargée sur laquelle nous allons travailler, suivi des instructions habituelles :) .

• Style : Biseau Interne

• Technique : Ciselage marqué

• Profondeur : 281 %

• Direction : Haut

• Taille : 4 px

• Flou : 0 px

• Utiliser l'éclairage global : non (à décocher)

• Angle : 120°

• Élévation : 30°

Continuons avec le deuxième essai.

• Style : Estampage oreiller

• Technique : Lisser

• Profondeur : 461 %

• Direction : Haut

• Taille : 8 px

• Flou : 5 px

• Utiliser l'éclairage global : non (à décocher)

• Angle : 120°

• Élévation : 30°

Dans les deux exemples, on peut constater que le tableau a pris du relief. Dans le premier, il a gagné en profondeur. Dans le deuxième exemple, on a incrusté le tableau dans le mur, laissant à nouveau apparaitre un effet de profondeur.

Satin

Cette option de fusion remplit l'intérieur du calque d'une texture. Il crée ainsi un effet satiné auquel on peut avoir recours pour, par exemple, créer un effet de lumière et d'ombre interne. Ce paramètre est toutefois assez particulier et il convient de l'utiliser avec précaution pour obtenir un effet propre et efficace.

Pour comprendre, il faut faire travailler son imagination et penser à un textile bien connu de tous : la soie. A moins qu'elle ne soit tendue, vous conviendrez que la soie, lorsqu'on la manipule, forme des plis à l'image de cet exemple :

Ce sont ces mêmes plis que satin permet de réaliser. Ces mêmes plis auxquels je faisais référence lorsque j'évoquais la texture créée par le style de calque. Je vais vous proposer un ou deux exemples sous peu. Je voudrais avant vous présenter rapidement la fenêtre de paramètre du style.

Pour régler Satin, on retrouve la plupart des paramètres déjà évoqués plus tôt dans ce chapitre. Une nouveauté, le contour, va nous permettre de moduler l'aspect du satin à l'aide d'une courbe accompagnée de paramètres prédéfinis, comme vous pouvez le voir ci-dessous. En modifiant l'aspect du satin, on ajoute de la texture au calque.

Voici deux exemples, dans lesquels je vous propose les effets que peut générer ce style de calque, selon comment et pourquoi on l'utilise. Je triche un peu pour le deuxième exemple : j'ai passé le satin en mode « lumière vive ».

Vous le voyez, les formes géométriques initialement remplies d'une unique couleur chacune, ont pris un nouvel aspect, un aspect satiné pour être plus précis, grâce à notre nouveau style de calque. Pour l'heure, je vous invite à faire des essais pour découvrir plus en profondeur ce style de calque.

Incrustation couleur

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le document correspondant à ce style de calque.
Télécharger le fichier source
Ex_Incrustation_Couleur.psd

Je crois que cette option parle d'elle-même (à se demander parfois à quoi je sers :-° ). Elle sert à incruster de la couleur dans nos calques, autrement dit à les remplir d'une couleur unique.

Ainsi, si je coche ce style de calque, je vois mon calque (qui est en l'occurrence le Calque 2 dans le document que je vous ai fourni) rempli de la couleur rouge.

Le rouge est la couleur donnée par défaut. Il est bien entendu possible de la modifier, pour cela il faut cliquer sur le petit rectangle à droite de la fenêtre. Ce rectangle est rouge, c'est la couleur actuellement sélectionnée. Une nouvelle fenêtre apparait dès lors que vous avez cliqué sur le rectangle rouge.

Il s'agit du sélecteur de couleurs. Cette fenêtre ne nous est pas vraiment inconnue, nous avions eu l'occasion de nous en servir tout à l'heure, lorsqu'il était question de changer la couleur de la lueur externe. Je vous avais simplement donné un code de couleur qui ressemblait à ça : #000000 (non, ce n'est pas un code binaire :D ), sans vous donner de plus amples explications.

Un code de type #000000 est appelé code hexadécimal de couleur. Un code hexadécimal de couleur est composé de six chiffres et/ou lettres précédé(e)s par le signe #. Ces chiffres sont le fruit de calculs mathématiques générés par Photoshop.

Chaque couleur possède son propre code hexadécimal. Par exemple, le code de la couleur rouge (lorsque vous ouvrez la fenêtre d'incrustation de couleur, c'est la couleur par défaut) est #FF0000 .

Vous pouvez vous amuser à modifier les deux derniers chiffres de ce code par le 4 et le 5 (par exemple). Vous obtiendrez une sorte de rouge rosé ^^ .

Pour être plus précis, nous avons très exactement trois façons de définir une couleur. La première, vous la connaissez désormais, il s'agit de taper un code hexadécimal. Quant à la deuxi...

Il y en a des millions :D . Bah quoi, le travail d'infographiste, c'est pas de tout repos hein :-° ...
Mais évidemment que non, parce que si c'est ça être infographiste, je vous invite à cliquer sur la petite croix rouge en haut à droite de votre écran :D .

Il existe une deuxième solution bien moins complexe (et même une troisième, vous allez voir !), encore heureux. En fait, ce qui va le plus nous intéresser, c'est la zone de gauche, avec toutes les couleurs sous forme de dégradé.

Dans cette zone, veuillez observer le petit cercle aux contours blancs. Ce cercle, il cible la couleur que vous souhaiterez incruster dans le calque :

1. Avec ma souris, je déplace le cercle dans la zone de sélection de couleur.

2. L'idée, c'est de cibler une couleur qui m'intéresse avec ce cercle. Quand c'est fait, je clique une fois. La couleur ciblée dans le cercle a été automatiquement enregistrée, on peut d'ailleurs voir un aperçu de cette couleur à gauche du bouton OK de la fenêtre : le petit rectangle a changé de couleur.

3. Enfin, je clique sur le bouton OK si je suis satisfait.

Il faudrait alors modifier la dominante de rouge présente dans le zone de gauche pour que l'on puisse cibler une couleur différente. Et je suis sûr que cela ne vous est pas passé inaperçu, il y a une sorte de frise verticale avec plein de couleurs au milieu de la fenêtre.

C'est par le biais de cette frise que nous allons définir une nouvelle couleur dans la zone de gauche.

Aux extrémités gauches et droites de cette frise, vous devriez apercevoir deux flèches symétriques, l'une pointant vers l'autre. Ces flèches ciblent l'intérieur de la frise, à savoir les couleurs. Il faudrait donc les déplacer et leur choisir une cible.

Pour ce faire, veuillez maintenir le clic sur l'une des deux flèches et la faire glisser de haut en bas. Quand la couleur ciblée vous convient, lâchez le clic : la couleur dominante dans la zone de gauche a changé. C'est ensuite à vous de cibler la couleur recherchée.

J'ai failli l'oublier. Lorsque le sélecteur de couleurs est ouvert, vous avez la possibilité de cliquer n'importe où sur la zone de travail pour "aspirer" le code hexadécimal du pixel que vous aurez ciblé avec votre curseur. Je ne m'étalerai pas trop sur le sujet car, dans le chapitre suivant, une sous-partie sera justement dédiée à la pipette, l'outil qui permet d'effectuer ce genre d'opération.

L'essai

Après la théorie, place à la pratique, même si j'ai prévu de ne pas y passer des heures.

Nous travaillerons sur le document de l'exemple du début de cette partie.

J'ouvre la palette des options de fusion pour le Calque 2 et clique sur l'option "Incrustation de couleur". Nous choisirons les paramètres suivants :

• Mode de fusion : Normal

• Opacité : 100%

• Code hexadécimal : #678457

Le cœur change alors de couleur et prend la couleur donnée par le code hexadécimal :

J'applique maintenant une couleur aux autres calques de ma zone de travail, excepté le Calque 1 (il s'agit du t-shirt) et l'arrière-plan. Voici le résultat que j'obtiens :

Incrustation de dégradé

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le document correspondant à cette option de fusion.
Télécharger le fichier source
Ex_Incrustation_Dégradé.psd

Un dégradé de couleur, pour ceux qui en douteraient, est une transition progressive d'une couleur vers une autre.

Il en existe différents styles. Photoshop nous en propose cinq :

• Radial

• Linéaire

• Angle

• Réfléchi

• Forme éclatée

Rentrons dans le vif du sujet, il est temps d'ouvrir la fenêtre du style de calque "Incrustation de dégradé" (à partir du calque nommé Calque 1).

D'une manière générale, vous connaissez la moitié des paramètres de l'option. Nous avons un mode de fusion à définir, un angle ainsi que l'opacité du dégradé. Rien de bien sorcier jusqu'ici ;) .

C'est après que ça se corse. Nous rencontrons pour la première fois les paramètres nommés Inverser, Aligner sur le calque et l'échelle (ceci sans compter le menu du paramètre Style, que nous avons déjà rencontré pour le style de calque Biseautage). Mais ce qui devrait vous intriguer tout particulièrement, c'est que nous retrouvons le fameux rectangle horizontal rempli d'un dégradé allant du noir vers le blanc, nous l'avions rencontré dans les réglages du style de calque "Lueur externe".
Eh bien figurez-vous qu'il s'agit du cœur de l'option de fusion "Dégradé". C'est en cliquant dessus que l'on s'aperçoit à quel point cette option est complète puisqu'une nouvelle fenêtre dans laquelle se trouvent de nouveaux paramètres apparait. Prenez soin de bien cliquer dans le rectangle (en plein dans le dégradé) et non sur la petite flèche noire située à sa droite.

Cette fenêtre, c'est l'éditeur de dégradé. Nous décomposerons cette fenêtre en deux parties :

Commençons par la première partie de la fenêtre, c'est-à-dire celle encadrée en rouge.

Il s'agit des réglages appartenant à la catégorie "Paramètres prédéfinis". Vous remarquez une succession de carrés remplis de couleurs qui forment toutes des dégradés. Comme son nom l'indique, il s'agit de paramètres déjà prêts à l'utilisation. C'est-à-dire que les dégradés sont déjà créés, paramétrés et prêts à l'emploi. Le seul travail de l'infographiste dans ce cas serait de cliquer sur le dégradé de son choix (histoire de ne pas trop s'fouler :-° ).

Les paramètres que vous avez sous les yeux sont censés être ceux proposés par défaut sur Photoshop, c'est-à-dire à la première ouverture du logiciel. Il existe en fait un tas d'autres dégradés dont les paramètres sont prédéfinis, et ce n'est pas pour nous déplaire d'ailleurs. Pour accéder aux autres dégradés de couleurs, il faut cliquer sur la petite flèche en haut à droite de la fenêtre.

Une nouvelle liste apparait alors. Dans la première partie de cette liste, vous pouvez déterminer le type d'affichage des petits carrés remplis de dégradé, tandis que la deuxième partie de la liste consiste à réinitialiser les dégradés (encore faut-il les avoir modifiés) ou les remplacer. Pour remplacer un dégradé, il faut ouvrir un fichier dont l'extension est .GRD. Il est possible de télécharger des dégradés dont les paramètres sont prédéfinis sur internet, vous pouvez même créer vos propres dégradés ! Mais chaque chose en son temps, cette étape est la suivante ;) . Pour l'heure, nous nous arrêterons sur la dernière partie de la liste :

• Bruits

• Effets spéciaux

• Harmonies des couleurs 1

• ...

Ce sont tout bonnement les autres paramètres prédéfinis fournis par Photoshop. Cliquez sur l'un d'eux pour les faire apparaitre dans les "paramètres prédéfinis" de l'éditeur de dégradé.

Chaque paramètre représente un thème pour donner une idée générale des types de dégradés auxquels nous aurons droit en les choisissant. En cliquant sur "Pastel"...

... les vignettes affichent désormais des dégradés aux couleurs pastelles.

Cette petite vignette représente l'incrustation d'un dégradé d'une seule couleur.

Sur la vignette figurent des petites carrés gris et blanc. Ces petits carrés représentent la transparence sur Photoshop. C'est d'ailleurs le cas aussi pour l'arrière-plan d'une zone de travail : s'il n'y a pas de couleur d'arrière-plan, le fond prendra alors cette même apparence :

Après avoir masqué l'arrière-plan (le petit œil à gauche du calque est absent), on constate que le fond de la zone de travail prend l'apparence de petits carrés blancs et gris.

Ainsi, ici, on crée un dégradé entre le noir et la transparence.

Créer un dégradé personnalisé

Pour l'instant, tout ce que l'on a su faire, c'est choisir des dégradés préparés et prêts à l'emploi. Autant dire que l'on ne s'est pas trop foulé. On va donc faire semblant de travailler un peu et nous allons définir nos propres paramètres, des paramètres que nous personnaliserons selon nos goûts et nos besoins.

Nous allons devoir passer à la deuxième partie de la fenêtre.

Voici la liste des nouveaux paramètres que nous avons sous les yeux, accompagnés d'une petite explication :

Nous allons désormais nous intéresser à la barre de dégradé qui suit. Nous constatons que le dégradé part du noir vers le blanc : ce sont les paramètres initiaux du dégradé. Notre objectif sera de modifier ces couleurs et d'en ajouter d'autres.

Les arrêts

Il faut tout d'abord modifier le noir qui se situe à gauche de la barre.

A ce même endroit, il y a deux petits carrés : l'un est au-dessus de la barre, l'autre juste en-dessous. Nous ne nous intéresserons d'abord qu'à celui du dessous.

Il faut cliquer une fois dessus et ainsi, vous activerez ce que l'on appelle l'Arrêt "couleur" que vous trouverez en bas de l'éditeur de dégradé.

Une fois activé, l'arrêt "couleur" n'est plus grisé, il devient opérationnel.

Pour remplacer le noir, il vous suffit simplement de cliquer sur le rectangle de cette même couleur pour laisser apparaitre le sélecteur de couleurs. Après, vous savez faire ;) . Ne faite pas attention à la petite flèche de droite.

Concernant le blanc, la procédure est la même :) . Vous cliquez une fois sur le petit carré situé à droite et en dessous de la barre (il est blanc cette fois-ci), puis vous choisissez la couleur que vous souhaitez dans le sélecteur de couleurs.

A côté de l'arrêt "couleur", il y a l'arrêt "position".

Cet arrêt permet de définir quelle position occupe une couleur dans la barre de dégradé. Cette valeur est définie en pourcentage. Pour comprendre comment cela fonctionne, il faut considérer que la barre de dégradé vaut 100%. Par défaut, la couleur noire est à 0% de la barre de dégradé (car tout à gauche) et la couleur blanche à 100% car elle est tout à droite de la barre. Si l'on inscrit par exemple 50% pour la couleur noir, alors le petit carré en-dessous de la barre de dégradé se déplacera jusqu'à atteindre la moitié de la barre (50% était la moitié de 100%). Cela fonctionne donc dans les deux sens.

Ajouter une couleur au dégradé

Notre objectif ici est d'ajouter de nouvelles couleurs au dégradé de base, doté normalement de deux couleurs. Bizarrement, il n'y a pas de bouton prévu à cet effet. Nous avons cependant deux solutions que vous êtes libres de choisir :

• Vous choisissez un dégradé aux paramètres prédéfinis et ayant déjà trois ou quatre couleurs (vous avez un aperçu dans la vignette, souvenez-vous). Vous pourrez alors changer les couleurs de chaque carré et les déplacer à votre guise.

• Vous préférerez peut-être créer vous-même chaque nouveau petit carré. Et pour faire ça, il faut cliquer entre les deux petits carrés en-dessous de la barre de dégradé, c'est-à-dire dans la zone rose dessinée ci-dessous.

Cliquez n'importe où dans cette zone, et un nouveau carré sera créé. Vous pouvez ensuite modifier sa position et sa couleur comme nous venons de le voir :) . Par exemple...

Pour finir avec les dégradés...

Veuillez quitter l'éditeur de dégradé pour revenir à la fenêtre du style "Incrustation de dégradé". Vous allez apercevoir une liste déroulante précédée de la mention "Style :". Le premier paramètre sélectionné est le dégradé linéaire. C'est le dégradé par défaut, celui que l'on étudie depuis tout à l'heure. Il en existe en réalité plusieurs, dont voici un aperçu pour chacun :

Le dégradé linéaire

Le dégradé radial

Le dégradé réfléchi

Le dégradé d'angle

Le dégradé de forme éclatée

En-dessous des styles de dégradé, nous retrouvons notre fameux cercle qui permet de définir un angle. Il fonctionne de la même manière que pour les autres styles de calque que nous avons déjà étudiés, vous ne m'en voudrez pas si nous revenons pas dessus.

On va terminer cette partie sur les dégradés avec le dernier (et nouveau) paramètre, l'échelle ! J'entends déjà des "ouf" ^^ .
Bon, ce n'est pas très compliqué. Plus la valeur que vous lui attribuez est élevée, plus vous "zoomerez" sur le centre du dégradé. Vous vous concentrerez donc sur le centre du dégradé. Essayer vous semblera sans doute plus explicite que ma piteuse mon explication :-° .

L'essai

Pour ce nouvel essai, nous reprendrons notre tout premier exemple. Pour rappel, je fais référence à toutes les feuilles empilées les unes sur les autres :

Vous le voyez ici, un dégradé est déjà formé à l'intérieur des feuilles. Pourtant, en téléchargeant le fichier source, vous remarquez qu'il n'y pas de trace d'une quelconque « incrustation de dégradé » dans les styles de calque. Ainsi, notre objectif pour cet essai sera de remplacer l'actuel dégradé par celui de votre choix, et ceci bien entendu pour chacune des quatre feuilles. Vous pouvez choisir une couleur différente pour chacune ! De même, n'hésitez pas à conserver l'ombre portée que je vous ai invités à réaliser au début du chapitre, avec ce même exemple.

J'ai réutilisé les mêmes paramètres pour chaque feuille. La seule différence proviendra des couleurs utilisées pour les dégradés. Ainsi, pour chaque calque, voici les réglages effectués sur le style "Incrustation dégradé" :

• Mode de fusion : Normal

• Opacité : 100%

• Dégradé : voir ci-dessous

• Style : Linéaire

• Aligner sur le calque : Oui (à cocher)

• Angle : 104°

• Échelle : 100%

Concernant le paramètre "Dégradé", voici un aperçu de celui que j'ai personnellement créé. Si vous ne savez pas comment reproduire le même dégradé, remontez quelques lignes plus hauts, je vous l'explique dans la partie "Créer un dégradé personnalisé".

Au risque de me répéter, la position des arrêts sera la même pour tous les calques. Seules les couleurs changent, dont voici les codes que je vous présente de gauche à droite.

Calque 1

• Codes hexadécimaux (de gauche à droite, pour les trois couleurs) : #890000 > #d22626 > #af0b0b

• Type de dégradé : Uniforme

• Lissage : 0%

Calque 2

• Codes hexadécimaux (de gauche à droite, pour les trois couleurs) : #004489 > #268bd2 > #0b58af

• Type de dégradé : Uniforme

• Lissage : 0%

Calque 3

• Codes hexadécimaux (de gauche à droite, pour les trois couleurs) : #4a8900 > #83d226 > #6faf0b

• Type de dégradé : Uniforme

• Lissage : 0%

Calque 4

• Codes hexadécimaux (de gauche à droite, pour les trois couleurs) : #894000 > #d28326 > #af6f0b

• Type de dégradé : Uniforme

• Lissage : 0%

Voici le résultat obtenu :

Incrustation de motif

Comme son nom l'indique, ce style permet d'appliquer un motif sur le calque sélectionné.

Sans trop s'étendre sur le sujet, les motifs sont une bonne solution pour appliquer une sorte de texture au calque.

Comme le dégradé, c'est en cliquant sur la vignette de la texture apparente que vous atteindrez une petite interface vous permettant de sélectionner ceux de votre choix, mais aussi d'en ouvrir de nouveaux via le même menu déroulant dont l'ouverture se fait à partir de la petite flèche :

Pour ce style de calque aussi, je vous dispense d'un essai. Le précédent était déjà suffisamment éprouvant. ;)

Contour

Avant de commencer la lecture, assurez-vous d'avoir téléchargé le document correspondant à cette option de fusion.
Télécharger le fichier source
Ex_Contour.psd

Pour conclure cette longue partie sur les styles de calque, voyons de plus près le style de calque dont le nom est "Contour".

Cette option, comme son nom l'indique partiellement, permet de donner un contour au calque sélectionné (wahou, ça, c'est de l'info ! :D ). Reprenons nos bonnes vielles habitudes et déterminons le mode d'action de chacun des paramètres.

Une configuration est nécessaire pour chacun des types de contour. Si vous choisissez le type "couleur", vous aurez la possibilité de définir quelle couleur apparaitra. Il en est de même pour les dégradés et les motifs.

L'essai

Et maintenant, essayons de configurer un contour sur le projet que je vous ai demandé de télécharger :

• Taille : 7 px

• Position : Extérieur

• Mode de fusion : Normal

• Opacité : 100 %

• Type de remplissage : Couleur

• Couleur (0%) : #FFFFFF

Résultat :

Un contour blanc s'est alors formé tout autour du texte.

Pfiou ! C'est fini, FI-NI ! Faut dire que les styles de calque m'ont particulièrement fatigué !

J'espère que vos premiers effets vous ont plu ! Vous n'êtes qu'au troisième chapitre de ce tutoriel et vous avez déjà acquis une certaine base, ça c'est certain. Mais ce n'est pas terminé, nous avons encore du pain sur la planche et c'est le moins que l'on puisse dire !

Allez, on passe à la suite :pirate: !

Tentons de comprendre comment fonctionne l'incontournable Zoom, que l'on peut retrouver dans bon nombre de logiciels, graphisme ou non.

L'outil zoom, c'est celui avec la petite vignette dans laquelle se trouve une loupe :

.

L'outil zoom de Photoshop se veut pratique et performant et c'est l'une des raisons qui m'a poussé à lui consacrer cette sous-partie. Croyez-moi, on est très loin de l'outil zoom que l'on retrouve entre autres sur Paint et encore Microsoft Word et cela mérite d'être étudié un peu plus minutieusement. :)

La loupe sur la vignette de l'outil n'a pas été choisie de manière anodine, puisque le phénomène produits par l'un et par l'autre sont clairement comparables. L'intérêt, vous l'aurez compris, pour un infographiste d'utiliser le zoom est qu'il aura plus de facilité à contrôler l'ensemble de la partie de la zone de travail zoomée, lui permettant ainsi d'avoir accès aux détails les plus inaccessibles et de travailler de manière plus précise et minutieuse pour un travail optimal.

Utilisation

Zoomer sur Photoshop n'a rien de sorcier, c'est même très facile. Il existe différentes façons de procéder, voici celles que vous serez susceptibles d'utiliser le plus fréquemment.

Avec la souris

La première méthode consiste à utiliser l'outil à l'aide de la souris de votre ordinateur (cela sous-entend donc qu'il existe une méthode ne nécessitant pas l'utilisation de la souris).

Il faut cliquer sur l'icône

Zoom dans Photoshop ou taper sur la touche Z pour sélectionner l'outil.

Une fois l'outil en main, il faut tout d'abord cibler une partie de la zone de travail, celle bien entendu que nous souhaitons grossir. Une fois ciblée, on clique une fois et on fait donc grossir l'élément une première fois.

Ce premier zoom a fait grossir la zone de travail à 200%. Ce chiffre représente l'échelle à laquelle nous nous situons. Cela signifie que, par défaut, la zone de travail est affichée 100% de sa taille. Plus on clique, plus l'échelle augmente, qui peut atteindre les 3200%. Autant dire que le zoom est énorme et que vous pourrez rarement trouver aussi précis sur d'autres logiciels "basiques" pourvus d'un outil zoom.

N'oubliez pas qu'en ciblant un élément de votre zone de travail, c'est sur celui-ci que le zoom sera effectué.

Pour "dézoomer", c'est-à-dire rétrécir les pixels de la zone de travail, il suffit de se rendre dans la barre des options (en haut de votre logiciel, avec l'outil zoom sélectionné) puis de cliquer sur

.

Vous pouvez utiliser votre clavier et votre souris pour aller plus vite. Voici la manœuvre à effectuer :

Sur Windows : Z puis ALT(maintenir la touche Alt puis cliquer)
Sur Mac : Z + Option(maintenir la touche Option puis cliquer)

A savoir que vous pouvez également créer une sélection autour de la partie que vous souhaitez zoomer, c'est-à-dire que vous poserez des limites autour de votre cible pour que le zoom ne se fasse qu'à cet endroit. Il suffit pour cela de prendre l'outil, de maintenir le clic et de déplacer son curseur. Une fois la sélection faite, lâchez le clic et le zoom se fera automatiquement. Plus d'info dans le chapitre suivant.

Avec le clavier

La deuxième solution consiste à effectuer un zoom à l'aide des touches de votre clavier d'ordinateur. Et honnêtement, entre nous, cette manœuvre me semble être la plus rapide et c'est celle que j'ai adoptée. Cela évite en effet de passer par la souris, ce que j'estime comme étant un gain de temps considérable.

Avec l'expérience, vous me donnerez raison et vous regretterez de m'avoir collé une étiquette de flemmard puisque vous adopterez vous aussi mes "techniques de travail" tellement elles s'avèrent concrètes et efficaces. :-°

Bref, assez parlé, comment on fait pour zoomer sans la souris ? Et bien, on utilise le clavier, évidemment !

<image legende="Touche "Contrôle" CTRL">http://uploads.siteduzero.com/files/245001_246000/245454.png</image>

Ce n'est pas bien dur ici non plus car il suffit d'appuyer sur la touche Ctrl (ou Commande si vous êtes sur Apple) de votre clavier dans un premier temps puis d'appuyer simultanément sur la touche + de votre clavier (si vous souhaitez zoomer) ou la touche - (si vous cherchez à dézoomer).

Pour zoomer...

Windows : CTRL et +
Mac : Command (ou Pomme) et +

Pour dézoomer...

Windows : CTRL et -
Mac : Command (ou Pomme) et -

Vous comprenez, maintenant, pourquoi j'utilise le clavier plutôt que la souris ? N'y voyez pas d'incitation aucune, je veux juste me justifier et vous expliquer le pourquoi du comment et c'est incontestable, la méthode "clavier" s'avère franchement plus rapide.

Justement, pour contrecarrer ce petit "problème" qui n'en est pas vraiment un d'ailleurs, on va avoir recours à un outil que je vous présente dans ce même chapitre. On y arrive ;) .

Quand on zoome sur une partie d'une image, on agrandit la portion de l'image ciblée. Si le zoom est très important, seule la partie zoomée de l'image reste visible, le reste sort de son cadre de travail. Cela nous donne donc quelque chose comme ça :

Merci à Sh4rk de m'avoir autorisé à utiliser le meilleur des Zozor jamais conçu jusqu'ici ;) .

Le cadre rouge représente ici la partie visible de Zozor, la mascotte du Site du Zéro. Le reste sort du cadre de travail, il n'est pas visible, comme le montre le schéma ci-dessous.

On a vu qu'en utilisant le clavier pour zoomer, celui-ci ciblait le centre de la zone de travail et on n'avait donc pas la possibilité de choisir exactement où zoomer. On va procéder de la manière suivante :

1. On zoome d'abord (que ce soit avec le clavier ou avec la souris).

2. Puis on se déplace dans la zone de travail avec le zoom toujours effectif.

On peut se déplacer dans la zone de travail à partir du moment où celle-ci est plus grande que l'espace de travail, comme le montrait le schéma ci-dessus après avoir zoomé sur Zozor. Sur cet exemple, nous avions zoomé sur les yeux de la mascotte du SdZ. Se déplacer dans la zone de travail consisterait donc à changer de cible pour avoir une autre partie de la zone de travail en champ de vision.

Pour se déplacer dans la zone de travail, le premier réflexe du débutant est logiquement d'utiliser les petites flèches que l'on retrouve autour de la zone de travail et qui permettent de se déplacer de haut en bas et de gauche à droite (et ce pour n'importe quel logiciel), comme le montre l'image ci-dessous.

Cliquez sur l'image ci-dessus

Quand ces petites flèches apparaissent, c'est que l'espace de travail ne peut pas afficher tout le contenu de la zone de travail et donc, cela signifie que l'on va pouvoir se déplacer dans la zone de travail.

La raison pour laquelle je vous parle de ces flèches, c'est parce que nous n'allons pas les utiliser :D . On va utiliser un outil beaucoup plus pratique que vous retrouverez dans la boite à outils, la Main

, que vous pouvez sélectionner en appuyant sur la touche H de votre clavier.

Le principe est simple, il faut cliquer n'importe où sur la zone de travail en maintenant le clic et déplacer le curseur de la souris. Alors, l'outil main va jouer le même rôle que les flèches, il va nous permettre de nous déplacer dans la zone de travail. Si je clique et que je déplace mon curseur vers le haut, je déplace l'ensemble de ma zone de travail vers le haut et je vais alors avoir accès au contenu du bas de la zone de travail. A l'inverse, si je clique et déplace mon curseur vers le bas, je vais pouvoir accéder au contenu du haut de ma zone de travail. N'oubliez pas que cette cette manœuvre n'est possible que si ma zone de travail n'est pas totalement visible comme c'est très souvent le cas quand on effectue un zoom ;) .

Et avec le clavier, ça donne quoi ?

Plutôt que de passer, encore une fois, par la souris, vous avez la possibilité d'utiliser une touche de votre clavier d'ordinateur. Il s'agit de la touche Espace.

Par conséquent, il vous suffit d'appuyer sur la touche Espace de votre clavier pour activer l'outil main, puis de cliquer sur le bouton gauche de votre souris tout en déplaçant son curseur.

Facile, n'est-ce pas ? ;)

Quand nous réorganisions notre espace de travail au début du cours, je vous avais demandé d'ajouter la palette flottante nommée "Navigation". Elle se situe alors théoriquement en haut à droite de votre espace de travail et, quand vous ouvrez une nouvelle zone de travail, elle ressemble à ceci :

On peut dire que cette petite fenêtre est effectivement un condensé des deux outils que nous venons d'étudier car elle permet à la fois de zoomer dans la zone de travail et de se déplacer à l'intérieur.

Un zoom plus précis.

En bas de cette petite palette figure une petite jauge précédée d'un champ rempli par la valeur 100%. Si vous avez bien suivi, vous êtes censé avoir déjà compris de quoi il s'agit. Vous ne voyez pas ? C'est bien entendu l'échelle de notre zoom, pardi ! :)

Par le biais de cette palette Navigation, vous aurez la possibilité d'effectuer LE zoom parfait, c'est-à-dire le zoom qui correspond précisément à vos attentes en terme de précision.

Tout à l'heure, nous avons su effectuer 10 zooms, chaque zoom correspondant à un pourcentage, le tout allant de 100% (valeur par défaut) à 3200% (valeur maximale du zoom).
En utilisant cette petite jauge, ce n'est plus 10 zooms que l'on va pouvoir faire mais autant de zoom qu'il y a de pourcentage, tant que le nombre est entier. Je veux faire un zoom à 200% ? Pas de problème ! Je veux faire un zoom à 2148% ? Pas de problème non plus, tant que ce pourcentage est compris entre 100% et 3200% (pour zoomer, et non dézoomer) et que c'est un nombre entier, c'est-à-dire sans virgule.

• 

  La première méthode est la plus simple : vous modifiez le 100% dans le champ blanc par une nouvelle valeur. Ne dépassez pas 3200% au risque de faire rouspéter le logiciel.

  Le pourcentage minimal est déterminé en fonction de la taille de l'image. On s'en fiche un peu, on ne s'amusera jamais à dézoomer autant notre zone de travail ;) .

• La deuxième méthode consiste à déplacer le curseur de la jauge de gauche à droite. Plus vous irez à droite, plus le zoom sera important.

Se déplacer encore plus rapidement !

Intéressons-nous maintenant à la deuxième fonctionnalité que présente la palette Navigation. Il s'agit du cœur de la palette, ce fameux carré blanc au contour rouge :

En réalité, ce carré, c'est votre zone de travail :D .

Si je devais utiliser les termes exactes, je dirais qu'il s'agit en fait d'un aperçu de votre zone de travail. Si on a un carré tout blanc ici, c'est parce que j'ai ouvert une nouvelle zone de travail vide. Ainsi, si j'ouvre par exemple une image dans ma zone de travail (l'image de Zozor par exemple), ce n'est pas un carré blanc qui va apparaitre mais bien mon image.

Vous me direz, à quoi cela peut-il bien servir d'avoir un aperçu miniature de notre zone de travail sachant qu'on l'a en grandeur nature en face de nous, quand on travaille dessus ? La réponse est pourtant toute trouvée : elle va nous permettre de nous déplacer en quelques clics dans la zone de travail ! En effet, l'atout de cet aperçu, c'est qu'il ne change pas de taille. Quand on zoome dessus sur la zone de travail, l'image de l'aperçu n'est pas agrandie ! Non, à la place, c'est le contour rouge qui va se rétrécir et cibler la partie zoomée !

On obtient cet aperçu en zoomant de cette manière sur la zone de travail :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir.

Ce qui est visible à l'écran est entouré du cadre rouge. Cela revient en fait à reprendre mes illustrations des sous-parties ci-dessus, si vous voyez desquelles je parle :) .

Là où je veux en venir, c'est qu'une fois le zoom effectué, vous pouvez cliquer n'importe où dans l'aperçu pour déplacer automatiquement le contour rouge là où vous aurez cliqué et ainsi, vous déplacer dans la zone de travail ! Essayez de zoomer encore un peu puis de cliquer ici, par exemple :

Cela engendrera systématiquement une modification de position du cadre rouge...

...et cela vous permettra ainsi de vous déplacer !

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

C'est franchement simple et à la fois très efficace, notamment quand on travaille sur une très grande image (imaginez devoir se déplacer avec l'outil Main sur une image immense, on en aurait pour des heures, alors qu'en un clic, on passe d'un point A à un point B en un rien de temps !).

Nous passons désormais à la suite, et nous nous apprêtons à étudier l'outil déplacement

.

Cet outil fait partie de ceux que vous utiliserez le plus souvent dans la mesure où vous devrez sans cesse passer par lui pour déplacer des calques ou groupes de calques dans votre zone de travail.

Attention, il ne s'agit pas de se déplacer dans la zone de travail tel que le permet l'outil Main

. Ici, on va directement déplacer un élément de la zone de travail, c'est-à-dire l'un des calques qui la compose.

Sélectionner un calque

Lorsqu'un calque est sélectionné, il est caractérisé par un fond bleu comme le montre l'image ci-dessous.

Ici, c'est la Forme 1 qui est sélectionnée.

En premier lieu, il va falloir sélectionner le calque que nous souhaitons déplacer (on ne met pas la charrue avant les bœufs). D'ailleurs, il faut forcément que le calque soit préalablement sélectionné pour que l'on puisse le déplacer.

On pourrait alors passer par la fenêtre de calques pour sélectionner un calque, cela semble logique après tout. On se rendrait alors dans la fenêtre de calques, rechercherait celui que nous souhaitons déplacer puis le sélectionnerait.

Mais en fait, voilà, il existe un moyen beaucoup plus pratique. L'idée, ce serait de passer directement par la zone de travail, pas touche à la fenêtre de calques ^^ .
On rechercherait alors directement dans la zone de travail l'élément que nous souhaiterions voir sélectionné dans la fenêtre de calques, ce qui nous éviterait alors de nous embêter à rechercher le calque dans la fenêtre de calques (en sachant que s'il existe des centaines de calques, on va mettre énormément de temps à le retrouver). Vous me suivez ? :)

Pour sélectionner un calque directement dans la zone de travail, on va avoir recours à l'outil déplacement

. On l'utilisera également pour effectuer des déplacements.

Afin de prendre l'outil en main, veuillez cliquer sur l'icône correspondant à l'outil. Vous pouvez appuyer sur la touche V.

N'hésitez pas à travailler en même temps que moi !
Télécharger le fichier source
Selectionner_calque.psd

Vérifiez que la case "Sélection du calque" située dans la barre des options soit bien cochée. Ainsi, il suffit de cibler un élément de la zone de travail et de cliquer dessus pour sélectionner le calque de cet élément dans la fenêtre de calques (j'ai créé une flèche blanche sur le calque sélectionné pour améliorer la lisibilité de mon exemple et que vous compreniez que c'est le calque bleu qui est sélectionné).

Dans ma zone de travail à gauche, j'ai cliqué sur le carré bleu. Comme on peut l'apercevoir, c'est le calque "Carré bleu" qui est sélectionné. Si je clique sur le carré rouge, c'est le calque nommé "Carré rouge" qui sera sélectionné.

Pareil, j'ai créé une nouvelle flèche blanche au niveau du carré rouge pour que vous appuyer mon exemple. Dans le fichier que vous avez téléchargé, cette flèche est inexistante et c'est normal ;) .

En décochant l'option "Sélection du calque" dans la barre d'options des outils, vous serez en mesure de sélectionner le calque manuellement dans la zone de travail. Pour cela, il vous faudra taper simultanément sur la touche Ctrl ou Command (Pomme).

Déplacer le calque sélectionné

Bon, c'est bien beau de faire tout ça, mais faut bien que cela nous serve à quelque chose. L'outil possède deux fonctionnalités :

• Sélectionner un calque (déjà fait).

• Déplacer le calque sélectionné.

Déplacer un calque consiste à changer sa position dans la zone de travail, c'est-à-dire que l'on va le déplacer d'un point A vers un point B.

Votre outil déplacement

en main, il suffit que vous mainteniez le clic à l'intérieur de votre zone de travail (je vous conseille de cibler l'élément à déplacer même si vous n'êtes pas obligé) et que vous déplaciez le curseur de votre souris. Ainsi, l'élément sélectionné va suivre le curseur et de ce fait, changer de position.

Un exemple arrive, n'hésitez pas à travailler en même temps que moi !
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Deplacer_calque.psd

La zone de travail du document que vous venez de télécharger est la suivante :

1. Je sélectionne le calque nommé Objet et y maintiens le clic.

2. Je déplace ensuite mon curseur de sorte à déplacer en même temps le calque Objet.

3. Quand je suis satisfait de la nouvelle position donnée au calque, je relâche le clic.

>

Libre à vous ensuite de déplacer vos calques où vous le souhaitez. Vous pouvez même les déplacer hors de la zone de travail ! Ils ne seraient alors plus visibles :

C'est tout pour l'outil déplacement ! :)

A l'image de nos amis développeurs, il nous est possible d'écrire des petites notes à même la zone de travail sans pour autant qu'ils soient visibles au moment d'enregistrer le document.

Les développeurs, lorsqu'ils rédigent leurs codes, ont un moyen simple de laisser des commentaires cachés, que seuls eux peuvent apercevoir et modifier via le document source de leur travail. Pour les connaisseurs, il s'agit des balises suivantes en XHTML :

<!-- Commentaire -->

Le principe est le même sur Photoshop : vous ajoutez des petites annotations, sous forme de petites images que l'on peut facilement masquer et qui se situent dans la zone de travail.

De manière générale, ce code est fait pour vous, il est là pour vous servir de rappel. Il peut donc devenir nécessaire dans certaines circonstances. Par exemple, il suffit que votre image soit très grande ou encore que vous ne l'ayez pas travaillée depuis plusieurs semaines pour que les petites notes vous aident à vous souvenir de tout ce que vous seriez susceptible d'avoir oublié.

Pour écrire une note, il vous faut tout d'abord sélectionner l'outil Annotations

dans la boite à outils. Le raccourci clavier associé à cet outil est la touche N.

Puis, il ne vous reste plus qu'à cliquer une fois sur la cible de votre choix à l'intérieur de la zone de travail pour qu'une petite fenêtre apparaisse.

Une fois que vous avez fini d'écrire un commentaire, vous pouvez le cacher en cliquant sur le petit carré blanc qui se situe en haut à droite de la fenêtre.

Pour supprimer une annotation, cliquez droit sur la petite note (voir les images ci-dessous) puis sur "supprimer l'annotation".

Vous avez un micro ?

Si les notes écrites ne vous suffisent pas, Photoshop vous offre la possibilité de créer des notes audio. Le principe est exactement le même, à l'exception qu'il vous faut disposer d'un micro et que vos notes seront sonores.

Alors, vous enregistrerez votre voix et ferez le commentaire comme si vous le faisiez à l'écrit, puis vous serez libre de l'écouter directement en travaillant sur votre zone de travail.

Je suis prêt à parier ma bouteille d'eau que la majorité d'entre-vous a eu un petit sourire en lisant le titre de cette partie :D .

Savez-vous ce qu'est une pipette ? Il s'agit de ce petit outil qui permet d'absorber un liquide et que l'on utilise généralement dans les laboratoires de chimie.

Dans votre boite à outil, la pipette est représentée par cette icône :

. Je vous invite à cliquer dessus ou à appuyer sur la touche I de votre clavier.

Sur Photoshop, la pipette joue un rôle relativement proche de la pipette des laboratoires dans la mesure où elle sert à absorber n'importe quelle couleur de la zone de travail.
Le principe est simple, il faut sélectionner l'outil, cibler une partie de la zone de travail puis cliquer dessus. Alors, la pipette absorbera la couleur ciblée et transfèrera son code hexadécimal dans la palette de couleurs (souvenez-vous, vous avez déjà entendu parlé de ces termes dans la deuxième partie des options de fusion).

Il devient intéressant d'utiliser la pipette lorsque l'on souhaite, par exemple, reprendre une couleur d'une image ou bien, lorsque l'on a défini une couleur à l'un des éléments qui compose notre zone de travail et notamment si l'on n'a pas conservé son code hexadécimal.

Exemple

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Ex_Pipette.psd

Pour cet exemple, j'ai décidé de choisir un arc-en-ciel pour que vous distinguiez bien chaque couleur qui compose l'image.

Tout d'abord, je sélectionne l'outil Pipette <image legende="Outil Pipette>medias\uploads.siteduzero.com_files_259001_260000_259575.png</image>. Puis, jetons un œil sur la palette de couleurs et plus précisément sur la couleur de premier-plan.

Ici, la couleur de premier plan est le noir, la couleur d'arrière-plan est le blanc.

Je place mon curseur sur l'un des 7 arcs, disons le jaune pour commencer.

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

Une fois la partie de ma zone de travail ciblée, je clique dessus, puis, je jette à nouveau un œil sur ma palette de couleurs. Le résultat parle de lui-même, la couleur de premier-plan a changé, il s'agit désormais du jaune de mon arc-en-ciel ;) .

Je vous invite à essayer, vous pouvez d'ailleurs utiliser une autre image si vous le souhaitez !

Nous avons fait le tour des "outils pratiques". Il y en a d'autres, je ne vous le cache pas, mais je crois que nous avons passé en revue les principaux. C'est en tout cas ceux que j'utilise le plus régulièrement si ça peut vous rassurer :) .

Pour les parties suivantes, nous continuerons de nous intéresser au contenu de la boite à outils (c'est d'ailleurs le cas pour la plupart des prochaines parties de ce tutoriel) et le prochain outil va nous permettre d'effectuer des sélections simples.

Avant de commencer, je vous propose de répondre à la question « quel intérêt pourrait-on trouver à créer une sélection ? »

Nous allons être amenés à réaliser tout un tas de sélections avec pour chacune d'elle une forme différente, mais il faut bien qu'elles nous soient utiles à quelque chose. J'associerai un exemple d'utilisation à chaque nouvel outil étudié. En attendant, je dirais que la sélection peut servir, entre autres, à :

• Sauvegarder le contenu de la sélection.

• Fractionner un calque en plusieurs "petits" calques.

• Copier ou couper le contenu sélectionné.

• Effectuer une modification du contenu sélectionné et protéger tout le reste.

• Supprimer le contenu de la sélection.

• Déplacer le contenu sélectionné.

• Transformer le contenu sélectionné.

• ...

Autant de possibilités auxquelles un infographiste peut avoir très souvent recours. ;)

Propriété d'une sélection

Je vous le disais, nous nous apprêtons à créer des sélections. Lors des deux premières parties de ce chapitre, nous apprendrons à manipuler les deux outils de sélection existants et les illustrerons à l'aide d'exemples. Parce que savoir les manipuler, c'est bien, mais en faire quelque chose d'utile, c'est encore mieux !

A savoir qu'à force de travailler sur Photoshop, je me suis rendu compte que certains outils devenaient indispensables, quels que soient les projets sur lesquels je travaillais. Les outils de sélection font justement partie de ces ustensiles desquels je ne me sépare plus.

Une sélection se caractérise sous la forme de petits pointillés animés formant un contour fermé. On ne peut créer une sélection qu'à l'intérieur de la zone de travail.

Créer une sélection dans la zone de travail revient à "encadrer" une partie de cette zone pour travailler dessus et seulement dessus. Ainsi, tout le reste (ce qui n'a pas été sélectionné) est protégé, on ne peut plus y toucher.

Sur ce schéma, la zone colorée est la zone en sélection. Elle est donc prête à subir des modifications. Le reste (que j'ai volontairement noirci - la sélection ne produit aucunement cet effet en temps normal) est protégé : aucune modification n'est possible ici.

Outil rectangle de sélection

Fonctionnement

Voyons maintenant ce que ces outils ont dans le ventre. Concrètement, il existe quatre outils de sélection et nous n'allons en étudier que deux proposant chacun une forme géométrique différente :

• Rectangle de sélection

• Ellipse de sélection

Nous commencerons par l'outil rectangle de sélection

que je vous invite à sélectionner en cliquant sur sa petite vignette, ou bien en tapant sur la touche M de votre clavier d'ordinateur.

L'outil rectangle de sélection fait partie de la famille des outils de sélections géométriques. Avec cet outil, la sélection que nous allons créer va prendre la forme d'un rectangle quelconque, c'est-à-dire que la sélection se verra dotée de 4 angles droits.

Le moment est venu de vous expliquer comment l'utiliser ! :)

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paires_chaussures.png
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Voici l'image sur laquelle nous allons nous exercer, vous aurez reconnu trois paires de chaussures. Attention, grosse production et qualité oblige, j'ai disposé sur cette photo trois types de chaussure différents !

Mieux qu'un long discours, voici les 4 étapes (fort simples, je vous demande de me croire) de fonctionnement de cet outil :

1. Tout d'abord, il faut choisir un point dans la zone de travail à partir duquel la sélection va être créée et va prendre forme.

2. Ensuite, il va nous falloir cliquer sur ce "point de départ" et maintenir le clic.

3. Une fois que c'est cliqué, déplacez le curseur de votre souris. C'est ainsi que des pointillés apparaissent : ils caractérisent la sélection. Bon signe : celle-ci prend forme.

4. Relâcher le clic quand la sélection effectuée convient : les pointillés dansent, votre sélection est terminée.

Trouvez-vous cela compliqué ?

Exemple

Je vous invite à copier l'image sur laquelle nous travaillerons puis la coller dans une nouvelle zone de travail, à moins que vous l'ayez déjà fait. N'oubliez pas : si vous copiez une image, Photoshop prendra compte automatiquement de cette copie et retiendra les dimensions de l'image copiée. Vous n'avez donc pas à taper la taille de la zone de travail puisqu'elle est auto-paramétrée ;) . Autrement, vous pouvez aussi ouvrir l'image en passant directement par le menu Fichier > Ouvrir.

Pour faire cet exemple, je m'apprête à suivre à la lettre les quatre étapes indiquées ci-dessus. Je vais ainsi illustrer chacune d'elle par une image. Veuillez penser à cliquer sur chacune des images suivantes pour les agrandir, merci.

J'ai décidé de créer une sélection autour de la la paire de chaussures de droite (ça s'appelle des ballerines pour ceux que ça intéresserait). Je place alors mon curseur en haut à gauche de de celles-ci car c'est ici que je souhaite voir prendre forme mon rectangle de sélection (étape 1).

Je clique ensuite sur le point que j'ai ciblé avec mon curseur puis je maintiens le clic comme le demande l'étape 2.

Je déplace mon curseur et je laisse apparaitre les pointillés de la sélection (étape 3).

Enfin, quand je suis satisfait de ma sélection, je lâche le clic : ma sélection est terminée (étape 4).

Nous venons de réaliser notre première sélection !

Si vous n'êtes pas satisfait de votre sélection, vous n'avez pas de quoi la rattraper pour le moment malheureusement. Des solutions moins draconiennes existent, mais pour l'heure, je peux vous proposer de supprimer votre sélection ratée pour la recommencer ou bien, plus simple, de la déplacer si le cadre de sélection vous convient.

• La sélection n'est pas bonne, vous souhaitez la supprimer pour la recommencer : cliquez une fois et n'importe où dans la palette flottante de la zone de travail (que ce soit à l'intérieur de la zone de travail ou en dehors, si c'est dans cette fenêtre, cela fonctionnera). Ce clic effacera la sélection en activité, vous pouvez alors en recommencer une. Voici d'ailleurs les bons vieux raccourcis clavier :

  CTRL + D
  Command (ou Pomme) + D

• La forme donnée à votre sélection est correcte, mais vous souhaitez la déplacer de quelques pixels : à l'inverse, il faut cliquer à l'intérieur de la sélection en maintenant le clic puis déplacer le curseur de la souris.

Je vous en parlais au début du cours, il est possible d'utiliser une sélection pour diverses raisons. On peut, par exemple, s'en servir pour ne conserver que son contenu, c'est-à-dire supprimer tout ce qui se trouve en-dehors de la sélection. Voici un petit exemple.

Conserver le contenu d'une sélection

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En ce qui me concerne, je suis souvent amené à ne conserver que certains morceaux d'une image quand je travaille sur Photoshop. Par exemple, il est déjà arrivé que l'on me numérise une photo de famille et que l'on me demande de ne conserver que le portrait des enfants. J'ai donc utilisé l'un des outils de sélection (pour sélectionner la partie à conserver) et ai cherché à ne sauvegarder qu'elle. Voici les démarches que j'ai entreprises, sur une nouvelle photo. Nous n'allons conserver qu'une seule partie de cette image :

Il s'agira du chiffre trois. On suit donc les étapes suivantes :

1. J'ai effectué une sélection autour de ce qui est fait le sujet de la photo : le chiffre trois.

2. Il faut ensuite faire un "copier/coller". Pour copier, on clique sur Édition > Copier. J'aurais aussi pu faire un clic droit à l'intérieur de la sélection puis cliquer sur "Copier". Le raccourci clavier est CTRL + C (Command (ou Pomme) + C).

3. Suite à ça, j'ai créé une nouvelle zone de travail dont la taille a automatiquement été paramétrée en fonction des dimensions de l'image que j'ai copiée.

4. Pour finir, je colle le contenu de ma sélection dans la nouvelle zone de travail (Édition > Coller - le raccourci clavier est CTRL + V (Command (ou Pomme) + V)

Zone de travail

Le contenu de la sélection a bel et bien été conservé et il se trouve désormais dans une nouvelle zone de travail. Il ne nous reste plus qu'à la sauvegarder comme nous l'avons appris ;) .

Modifier le contenu de la sélection

Je ne souhaite pas rentrer dans les détails avec la modification de calque pour le moment. Pour tout vous dire, c'est ce que nous allons constamment faire dans la deuxième partie de ce cours, on commence d'ailleurs dans le dernier chapitre de cette première partie ! Il n'est donc pas question de s'y éterniser pour le moment, j'espère que vous comprenez.

En fait, j'aimerais simplement vous montrer un exemple de modification possible pour que vous compreniez ce que j'entends par "modification". Si l'on peut modifier un calque en lui donnant de nouvelles formes (nous ferons ce que l'on appelle alors une déformation), on peut aussi très bien modifier le contenu même du calque, par exemple ses couleurs.

Pour cet exemple, je vais utiliser un calque de remplissage pour réaliser un dégradé à l'intérieur de ma sélection. Voici l'image sur laquelle je travaille :

Je commence par créer une sélection autour de mon ballon à l'aide de l'ellipse.

Je crée ensuite un nouveau calque de remplissage. Pour cela, il faut cliquer sur l'icône

Créer un calque de remplissage ou de réglage, en bas de la fenêtre de calques, puis sur "Dégradé...". Je prends le temps de paramétrer mon dégradé (ce que vous êtes censés pouvoir faire tout seuls) puis je clique sur "Valider". On supprime la sélection, et on obtient une balle de tennis aux contours renforcés par le dégradé radial que j'ai appliqué à l'intérieur de la sélection.

La barre d'options

Au début du cours, lorsque vous découvriez l'espace de travail, j'ai eu l'occasion de présenter brièvement la barre d'options des outils, souvenez-vous.

Figurez-vous que nous allons enfin commencer à travailler avec ces options, l'objectif est d'améliorer la forme de nos sélections qui sont pour le moment, vous me l'accorderez, un peu trop rectangulaires. Nous nous concentrerons sur cette série de boutons :

Comme vous pouvez le voir, le premier bouton sélectionné est celui qui se situe tout à gauche de la barre. Il s'agit de l'option par défaut, l'option de base pour l'outil rectangle de sélection. Elle n'apporte rien de plus que ce que nous avons pu faire jusqu'ici, c'est-à-dire la créer une sélection rectangulaire. Par contre, les autres boutons vont davantage nous intéresser dans la mesure où ce sont des options que nous n'avons évidemment pas encore abordées.

Ajouter à la sélection

Testons en premier lieu l'option

Ajouter à la sélection. Je vous invite à cliquer dessus ou à utiliser la touche SHIFT(en maintenant la touche)

Jusqu'ici, nous avons su créer une sélection relativement simple, une sélection qui n'était pas plus élaborée que cela :

Grâce à l'option Ajouter à la sélection, nous allons être en mesure de :

• Effectuer de nouvelles sélections en plus de la première sélection créée.

• Additionner ces nouvelles sélections avec la première sélection créée pour l'agrandir et lui ajouté de nouveaux angles droits.

Effectuer de nouvelles sélections signifie que nous allons créer plusieurs sélections toutes en activité en même temps. Par exemple, nous avions sélectionné les ballerines tout à l'heure. Et bien, nous allons maintenant pouvoir sélectionner chaque paire de chaussures, simultanément.

Il est par ailleurs également possible de combiner deux sélections et ainsi créer des formes plutôt farfelues :-° .

Comme son nom le laisse penser, l'option permet d'ajouter une nouvelle sélection à celle initialement créée. Si la nouvelle sélection est créée à l'intérieur de la sélection mère, alors les deux sélections ne prendront qu'une seule et même forme (image ci-dessus), tout en gardant chacune leurs paramètres respectifs.

Sur l'image ci-dessous, j'ai créé une sélection banale à l'intérieur de la croix et en gardant l'option Nouvelle sélection sélectionnée.

Je clique ensuite sur le bouton représentant l'option Ajouter à la sélection. On remarque alors que le curseur de ma souris a changé, il est désormais accompagné d'un signe + (on comprend alors qu'il s'agit d'ajouter une sélection).

Je crée ensuite une nouvelle sélection autour de la branche supérieure de la croix, comme ceci :

Une fois l'opération terminée, il ne reste plus qu'à relâcher le clic.

Les deux sélections se sont alors additionnées pour ne former qu'une seule et même sélection. On refait la même chose sur la branche de gauche...

... Puis sur toutes les autres.

Et notre croix est entièrement sélectionnée. :)

Soustraire de la sélection

Maintenant que l'option Ajouter à la sélection n'a plus de secret pour vous, la maitrise des deux autres sera très vite acquise ;) .

L'option

Soustraire de la sélection ne sert non pas à ajouter une sélection (ça manquerait de sens d'ailleurs) mais à supprimer une partie de la sélection. En fait, l'idée est simple, on utilise cette option de la même manière que la précédente mais en sachant que l'effet sera inverse.

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On commence donc par créer une sélection globale dans laquelle la touche de la lettre G est comprise. Le but sera de la sélectionner.

On clique ensuite sur le bouton représentant l'option Soustraire de la sélection. On peut passer par la touche ALT(en la maintenant) (ou Option pour Mac).

Nouvelle remarque : le curseur de ma souris a encore changé, il s'agit désormais du signe - (on comprend alors qu'il s'agit de soustraire de la sélection :-° ).

On crée une nouvelle sélection de telle sorte que seule la partie de sélection en-dessous de la lettre soit supprimée :

On crée ensuite une nouvelle sélection, mais au-dessus de la lettre G cette fois-ci. On aura remarqué que la portion de sélection du bas a bel et bien été supprimée.

Enfin, on réitère l'opération sur les bords gauche et droite de la touche G et on obtient finalement une sélection dans laquelle la lettre G figure seule :

Finalement, les zones sélectionnées avec l'option ont été effacées et on laissé place à une seule sélection.

Sélectionner l'intersection

Travaillons à présent avec l'option Sélectionner l'intersection

. Je vous invite à la sélectionner, puis à créer un rectangle de sélection basique sur fond blanc, à l'image de l'exemple ci-dessous. Pour utiliser cette option, il existe également le raccourci clavier SHIFT + ALT(Maintenir les touches) (Shift + Option(Maintenir les touches) pour Mac).

Ensuite, pour bien comprendre comment cette option influence le résultat final de la sélection, il faut recréer un rectangle de sélection en le commençant à l'intérieur du premier pour le finir à l'extérieur (comme on l'a fait juste avant avec l'option "Ajouter à la sélection"), ou bien en le commençant à l'extérieur vers l'intérieur :

Alors, une nouvelle sélection apparait :

Je vous explique ce qui s'est passé ? En fait, avec l'option "Sélectionner l'intersection", nous avons gardé en sélection la zone qui se trouve être la rencontre entre les deux sélections mères. On a fait se croiser l'une et l'autre, ce qui a engendré la formation d'un troisième rectangle de sélection qui a été conservé...

Le style

Le style. Ce nom ne nous est pas inconnu, nous avons déjà rencontré un paramètre semblable avec l'un des styles de calque étudiés. Ici, le style va nous permettre de fixer la sélection sous deux formes différentes.

Le style par défaut est "normal". On ne va pas revenir dessus, c'est celui que nous utilisons depuis le début et je crois qu'on a compris :-° . En déroulant la liste, on aperçoit toutefois deux nouveaux styles.

• Proportions fixes

• Taille fixe

En sélectionnant le style "Proportions fixes", vous vous obligerez à créer des sélections carrées. Pas de rectangle donc, les quatre côtés de votre sélection seront de longueurs égales.

En sélectionnant le style "Taille fixe", vous activerez les paramètres situés à droite de l'option "Style".

En fait, ce qu'il faut savoir pour comprendre, c'est que vous pouvez donner une taille fixe à votre rectangle (donc, une largeur à gauche et une hauteur (synonyme de longueur) à droite), vous n'aurez donc plus besoin de recréer la sélection, il suffira simplement de cliquer sur la zone de travail pour qu'apparaisse automatiquement un nouveau rectangle de sélection aux tailles indiquées dans les paramètres.

Nous reviendrons sur l'option "Contour progressif" un peu plus loin dans le cours. Pour l'heure, on a fait le tour des options pour l'outil rectangle de sélection et il est temps de passer à la suite ;) .

Je dédie une nouvelle partie à l'outil ellipse de sélection car, même si son utilisation est identique à celle de l'outil rectangle de sélection, sa sélection est différente et il me semble plus judicieux de les séparer en deux parties bien distinctes.

Il s'agit là aussi d'un outil faisant partie de la famille des outils de sélection géométrique. A l'instar de son confrère, l'outil

Ellipse de sélection, que vous pouvez sélectionner en tapant à nouveau sur la touche M, permet de réaliser une sélection de forme ronde ou ovale.

Parce qu'ils font partie de la même famille, il faut faire un clic droit sur l'icône représentant l'outil rectangle de sélection pour laisser apparaitre celle de l'outil ellipse de sélection.

Les étapes permettant de réaliser une sélection sont exactement les mêmes, je vous les rappelle au cas où :

1. Choisir tout d'abord un point dans la zone de travail à partir duquel la sélection va être créé et prendre forme.

2. Cliquer sur ce point et maintenir le clic.

3. Déplacer le curseur de la souris. C'est ainsi que des pointillés apparaissent : ils caractérisent la sélection, cela signifie qu'elle prend forme.

4. Relâcher le clic quand la sélection effectuée convient.

L'avantage avec cet outil, c'est que sa sélection n'est formée d'aucun angle droit. Du coup, c'est pratique si on veut sélectionner un objet de forme ronde, comme un ballon de football par exemple, ou alors quand il est question de sélectionner un objet oval comme... un ballon de rugby tiens :-° . Mais cela devient encore plus intéressant quand on fait intervenir les options de l'outil présentes dans la barre d'options des outils, sûrement plus intrigant que pour l'outil rectangle de sélection ;) .

Exemples

Nous avons déjà pu manipuler l'outil rectangle de sélection avec chacune de ses options. Je crois donc qu'il n'est pas nécessaire de s'y atteler à nouveau.

Je vous ai concocté une série d'exemples avec chacune des options de l'outil ellipse de sélection.

Sélection ronde

Pour effectuer un cercle parfait, maintenir la touche Shift. On peut alors s'amuser à créer une sélection autour d'un ballon de basket, par exemple. :)

Sélection ovale

On aurait pu utiliser un ballon de rugby pour cet exemple, mais cela aurait été trop simple. :-°

Ajouter à la sélection

Cela fonctionnement de la même manière que le rectangle de sélection !

Et pour notre exemple :

Soustraire de la sélection

Même principe, mais cette fois-ci on retire une partie de la sélection préalablement créée.

On reprend le même exemple, en sélectionnant tout ce qui ne constitue pas l'un des trois disques. L'objectif est finalement de n'avoir en sélection que les CD : la fond beige n'est plus du tout sélectionné.

Sélectionner l'intersection

Une tomate n'est jamais vraiment ronde. :)

Contrairement à l'outil rectangle de sélection, dont l'option peut s'avérer être une véritable valeur ajoutée, elle est bien moins pertinente et plus compliquée à utiliser avec l'ellipse.

Pour finir avec ce chapitre, nous allons passer en revue le menu "Sélection que vous trouverez dans la barre des menus.

Une fois déroulé, vous apercevez le contenu du menu. Rassurez-vous, ces fonctionnalités sont relativement simples à utiliser, d'autant que nous n'allons pas toutes les étudier maintenant.

La première porte bien son nom : "Tout sélectionner". Elle permet de créer une sélection tout autour de la zone de travail. Je n'ai pas besoin de vous faire un dessin, hein. ;)

La deuxième et la troisième sont aussi très significatives. L'une permet de retirer la sélection, l'autre de la reformer. Enfin, il y a le bouton "intervertir" que nous traiterons en profondeur plus tard dans ce cours.

La fonctionnalité "Tous les calques" permet quant à elle de sélectionner tous les calques (hormis ceux qui sont entièrement verrouillés) dans la fenêtre de calque (il ne s'agit donc pas d'une sélection à pointillés hein), tandis que le bouton "Désélectionner les calques" sert à faire exactement ce qu'il dit.
Enfin, en cliquant sur "Calques similaires", vous demanderez à votre logiciel de ne sélectionner que les calques de même type que celui qui est déjà en sélection. Par exemple, si un calque standard est sélectionné, tous les autres calques standards seront sélectionnés. De même, si c'est un calque Forme qui est sélectionné, alors cliquer sur ce bouton vous permettra de sélectionner tous les calques Forme de votre fenêtre de calques.

Plage de couleurs...

Juste avant de commencer, voici l'image ouverte dans ma zone de travail. Il est inutile que vous la téléchargiez, votre attention seule suffira. :)

Ce paramètre, appelé la "plage de couleurs", est un peu plus complexe que les autres et c'est pourquoi j'aimerais y prêter une attention toute particulière. Je vous invite à cliquer dessus.

Une fenêtre encore inconnue apparait. C'est ici que tout se passe.

Vous le voyez, nous avons en plein milieu un aperçu de la zone de travail. C'est le cœur du paramètre. Voyons ça de plus près.

Vous avez tout d'abord la possibilité de choisir le mode de sélection. En faisant dérouler la liste, on aperçoit en tout premier le mode "Pipette". Il va de pair avec le fameux aperçu dont je viens de vous parler. En effet, en cliquant sur un élément quelconque de l'aperçu (par exemple, sur l’œil gauche), la pipette va se charger de ne conserver que les couleurs de l'élément ciblé par votre clic. Donc, si la pupille de l’œil est noire, tous les éléments noirs de la zone de travail apparaitront blanc sur noir dans l'aperçu. De même, si je clique sur le blanc de l'un des yeux de ce fabuleux bonhomme, le deuxième œil apparaitront blancs sur noir dans l'aperçu, ainsi que les sourcils qui, comme vous pouvez le voir, sont colorés d'une couleur à tendance grise/blanche. La preuve en image :

En cliquant sur le bouton OK à droite de la fenêtre, vous demandez à la plage de couleurs de ne créer des sélections qu'autour des éléments blancs sur noir dans l'aperçu, autrement dit autour des yeux, une bonne partie des sourcils mais aussi autour du fond, qui lui-même est aussi blanc que le blanc des yeux ! Faites-en l'expérience sur une image quelconque, ça fonctionnera !

Revenons-en à nos différents modes de sélection. En réalité, il y en a deux différents : le premier, c'est la pipette. Le deuxième consiste à sélectionner un ton de couleurs (le vert, le bleu, le rouge, ...) que la plage va se charger rechercher dans la zone de travail pour ne conserver que celui-ci. En mettant une sélection de rouge par exemple, alors seule la langue du bonhomme ressortira blanc sur noir dans l'aperçu, signe qu'elle sera en sélection si je valide sur OK.

La sélection se fait en fonction de l'intensité des couleurs ciblées par votre curseur, dans le cas de l'utilisation de la pipette. Si vous cliquez sur un rouge très clair, alors la pipette prendra en compte un certain nombre de rouges différents et proches du rouge clair, et créera en ce sens une plage de couleurs. Si toutefois vous décidez de ne sélectionner que les rouges, comme on vient de le faire avec la langue, alors Photoshop ne prendra en compte que les rouges se rapprochant véritablement de celui-ci. Et en l'occurrence, sur notre exemple, la sélection s'est arrêtée plus ou moins lorsque le rouge s'assombrissait.

Il existe toute de même deux paramètres permettant de guider notre sélection dans son choix des couleurs à sélectionner. Il s'agit des jauges de tolérance et d'étendue.

La première désigne l'aptitude de l'outil à définir la correspondance de couleur. Autrement dit, « jusqu'où l'outil doit-il aller dans la recherche de correspondance ? ». Après avoir pointé la pipette sur le rouge vif de la langue par exemple, on va pouvoir demander à notre logiciel de propager davantage sa suggestion de sélection, toujours en prenant compte des correspondances entre la couleur de base (le rouge vif) et les autres couleurs.

La deuxième, l'étendue, ne fonctionne que si la case "Clusters de couleurs localisées" est cochée. Cette case enclenche une nouvelle plage de sélection d'une toute autre forme, d'une forme circulaire pour être plus précis. L'étendue sert à indiquer à quelle distance une couleur doit se situer pour être incluse dans la plage circulaire de sélection.

« Modifier » une sélection

Ce paramètre permet de moduler une sélection déjà créée, l'objectif étant de lui donner un nouvel aspect. Par exemple, on peut partir d'une sélection rectangulaire, et modifier l'angle des coins pour les arrondir.

Pour accéder à ce menu, il vous faudra donc d'acord créer une sélection, puis cliquer sur Sélection > Modifier et laisser dérouler la liste suivante :

• 

  Cadre... : permet de créer un véritable cadre dont l'espacement est défini par le nombre de pixels indiqué.

• 

  Lisser... : permet d'arrondir les coins dans le cas de sélections avec angles droits

• Dilater... : permet d'élargir la sélection.

• Contracter... : permet de réduire la sélection.

• Contour progressif... : j'ai prévu de vous parler du contour progressif plus loin dans ce cours. Pour faire court, il s'agit d'étendre le contour de la sélection pour la rendre approximative sur un nombre défini de pixels. On en reparle plus loin. ;)

Transformer la sélection

Transformer une sélection ne consiste pas à la « modifier ». La transformation est un aspect que je développe de long en large le temps de deux chapitres dans cette première partie. A ce titre, je vais simplement vous expliquer pourquoi transformer n'est pas modifier.

Si vous essayez en même temps que moi, vous vous apercevrez que des petits carrés blancs apparaissent tout autour de la sélection.

Ce sont ce que l'on appelle des poignées. Chaque poignée est déplaçable et c'est là le cœur de la transformation : la sélection est comme « collée » aux poignées. Donc si l'on en déplace une, la sélection va suivre.

Plus d'infos dans les chapitres sur les techniques de transformation.

Quel intérêt pourrait-on trouver à créer une sélection ? C'est vrai, jusqu'ici nous avons réalisé un tas de sélections avec pour chacune d'elle une forme différente, mais il faut bien qu'elles nous soient utiles à quelque chose. C'est ce que l'on va déterminer dans cette partie du cours.

Le moins que l'on puisse dire, c'est qu'on peut en faire, des trucs ! De tête, je dirais qu'on peut, entre autres :

• Sauvegarder le contenu de la sélection.

• Fractionner un calque en plusieurs "petits" calques.

• Copier ou couper le contenu sélectionné.

• Effectuer une modification du contenu sélectionné et protéger tout le reste.

• Supprimer le contenu de la sélection.

• Déplacer le contenu sélectionné.

• Transformer le contenu sélectionné.

• ...

Autant de possibilités auxquelles un infographiste peut avoir très souvent recours.

Conserver le contenu sélectionné

N'hésitez pas à travailler avec moi !
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Je suis souvent amené à ne conserver que certains morceaux d'une image quand je travaille sur Photoshop. Par exemple, il est déjà arrivé que l'on me numérise une photo de famille et que l'on me demande de ne conserver que le portrait des enfants. J'ai donc utilisé l'un des outils de sélection (pour sélectionner la partie à conserver) et ai cherché à ne sauvegarder qu'elle. Voici les démarches que j'ai entreprises, notez simplement qu'à la place d'un portrait de famille, j'utilise une photo (un peu bizarre) prise avec mon téléphone dans le palier de l'immeuble où je vis. Nous n'allons conserver qu'une seule partie de cette image :

Il s'agira du chiffre trois. On suit donc les étapes suivantes :

1. J'ai effectué une sélection autour de ce qui est fait le sujet de la photo : le chiffre trois.

2. Il faut ensuite faire un "copier/coller". Pour copier, on clique sur Édition > Copier. J'aurais aussi pu faire un clic droit à l'intérieur de la sélection puis cliquer sur "Copier". Le raccourci clavier est CTRL + C (Command (ou Pomme) + C).

3. Suite à ça, j'ai créé une nouvelle zone de travail dont la taille a automatiquement été paramétrée en fonction des dimensions de l'image que j'ai copiée.

4. Pour finir, je colle le contenu de ma sélection dans la nouvelle zone de travail (Édition > Coller - le raccourci clavier est CTRL + V (Command (ou Pomme) + V)

Zone de travail

Le contenu de la sélection a bel et bien été conservé et il se trouve désormais dans une nouvelle zone de travail. Il ne nous reste plus qu'à la sauvegarder comme nous l'avons appris ;) .

Modifier le contenu de la sélection

Je ne souhaite pas rentrer dans les détails avec la modification de calque pour le moment. Pour tout vous dire, c'est ce que nous allons constamment faire dans la deuxième partie de ce cours, on commence d'ailleurs dans le dernier chapitre de cette première partie ! Il n'est donc pas question de s'y éterniser pour le moment, j'espère que vous comprenez.

En fait, j'aimerais simplement vous montrer un exemple de modification possible pour que vous compreniez ce que j'entends par "modification". Si l'on peut modifier un calque en lui donnant de nouvelles formes (nous ferons ce que l'on appelle alors une déformation), on peut aussi très bien modifier le contenu même du calque, par exemple ses couleurs.

Pour cet exemple, je vais utiliser un calque de remplissage pour réaliser un dégradé à l'intérieur de ma sélection. Voici l'image sur laquelle je travaille :

Je commence par créer une sélection autour de mon ballon à l'aide de l'ellipse.

Je crée ensuite un nouveau calque de remplissage. Pour cela, il faut cliquer sur l'icône

Créer un calque de remplissage ou de réglage, en bas de la fenêtre de calques, puis sur "Dégradé...". Je prends le temps de paramétrer mon dégradé (ce que vous êtes censés pouvoir faire tout seuls) puis je clique sur "Valider". On supprime la sélection, et on obtient une balle de tennis aux contours renforcés par le dégradé radial que j'ai appliqué à l'intérieur de la sélection.

----------------------------------------

1. Je crée la sélection.

2. J'effectue la modification (rendu négatif, on en parlera plus loin dans le cours).

3. Je supprime ma sélection mais conserve la modification apportée.

Sur cette image, la partie sélectionné a été modifiée : les couleurs ont été changées, elles sont désormais en négatif. Je répète que nous irons beaucoup plus loin dans la prochaine partie. Patience ;) .

Transformer le contenu de la sélection

Bien que vous ayez déjà acquis certaines bases sur Photoshop, vous n'êtes pas encore à même d'effectuer des transformations. Si vous voulez tout savoir, les transformations sur Photoshop font l'objet de deux chapitres complémentaires dans ce cours, ce sont les derniers de cette première partie.

Si toutefois je vous en touche un mot, c'est surtout pour vous montrer globalement en quoi cela consiste et ce que cela donne. Enfin, j'avoue que c'est un peu aussi pour vous mettre l'eau à la bouche, car je suis certain que cela va vous plaire :-° ...

Admettons que nous soyons en train de travailler sur cette image :

Et que nous voulions insérer l'image suivante à l'intérieur de la première de sorte à ce qu'elle apparaisse comme le contenu du tableau situé au centre de l'image :

Alors, nous allons transformer cette image pour qu'elle prenne de nouvelles dimensions et une nouvelle forme. Ensuite, on n'a plus qu'à !

Notez que j'ai ajouté une petite ombre interne pour améliorer l'intégration de l'image dans le tableau.

Supprimer le contenu de la sélection

Une fois la sélection en activité, vous appuyez sur la touche "retour" (back) de votre clavier ou alors vous passez par la barre des menus en cliquant sur Édition puis sur Supprimer. Facile ;) .

Inutile de vous reposer, le cours n'est pas terminé ! On passe à la partie suivante et nous allons développer nos connaissances pour agrandir un peu plus nos possibilités de sélection. Je ne vous en dis pas plus ;) .

Laissez-moi vous présenter le Lasso, premier outil de détourage que nous allons étudier. Il fait partie d'une famille de trois outils similaires qui servent tous à détourer, mais leur utilisation est différente.

Le Lasso est le premier de la liste, il est caractérisé par cette icône :

. Pour faire apparaitre cette icône et sélectionner l'outil dans la boite à outils, il faut cliquer droit sur cette petite vignette

et cliquer sur l'icône de l'outil Lasso :

Vous avez également la possibilité d'appuyer sur la touche L.

Votre outil est activé ? Alors on peut commencer :) .

Quand j'emploie le terme de détourage, je veux en fait faire référence à la précision et la flexibilité qui caractérisent ces nouveaux outils, contrairement aux outils de sélection que l'on vient d'étudier.

Bon, une chose est certaine, ils permettent tous de créer des sélections. En revanche, l'utilisation des outils de détourage est totalement différente des outils de sélection et c'est la raison pour laquelle ils n'appartiennent pas à la même famille. C'est pour cela aussi que je ne les ai pas mis dans le même chapitre, d'ailleurs. Cette fois-ci, vous allez voir qu'il faut d'abord faire un détourage manuel avec votre souris d'ordinateur afin de créer la sélection.

Le chapitre "sélection" portait sur la création de sélections simples tels que des rectangles ou des ronds. Cette fois-ci, nous serons capables de contrôler la forme des sélections dans la mesure où nous allons nous-même les tracer, de manière précise et de sorte à lui donner l'apparence que l'on veut.

Le lasso «classique»

Avec le

Lasso classique, on dit que le détourage se fait à main levée. Il faudra donc créer un tracé (un détourage) manuellement avec la souris de votre ordinateur, à l'image de ce que vous feriez avec un crayon et une feuille de papier. En effet, imaginez dessiner un cercle avec un crayon sur une feuille de papier.

Le principe est le même sur Photoshop : vous formez une boucle et quand la boucle est fermée, ce cercle se transforme en une sélection.

Parce que vous n'êtes pas obligés de créer des cercles ! Évidemment, si c'est pour créer une sélection parfaitement ronde, l'outil ellipse de sélection est le plus adapté. Mais l'intérêt du Lasso, c'est de pouvoir effectuer une sélection... disons personnalisée. Je pourrais donc réaliser ce genre de sélection :

Si l'on utilise les outils lasso, c'est justement pour détourer un élément de notre zone de travail. On n'utilise pas le Lasso comme on utiliserait n'importe quel autre outil de sélection du chapitre précédent. L'intérêt, c'est de pouvoir tracer la sélection autour de l'élément de la zone de travail (autrement dit le détourer), c'est-à-dire tracer cette sélection au niveau de ses contours pour qu'elle n'entoure que cet élément.

Je vous propose une petite démonstration.

Je choisis un point de départ à partir duquel je vais débuter le détourage de l'élément. Pour plus de visibilité, j'effectue un zoom sur l'image afin de pouvoir travailler plus minutieusement.

Je maintiens le clic puis déplace mon curseur pour effectuer le tracé de ma sélection : le détourage commence.

Une fois le tracé terminé, je lâche le clic : ma sélection est terminée.

CTRL + D
Command (ou Pomme) + D

Comme vous pouvez le constater, la sélection nous a permis de supprimer le fond et de ne conserver que l'élément que nous avons détourer avec le lasso. Et voilà le travail ! :D

Un peu de respect pour les artistes, je vous prie :-° .

Bon, ok, ce détourage est très laid. On est franchement loin du résultat que l'on peut attendre de Photoshop. Si l'outil Lasso est utile dans certaines mesures, il peut devenir l'un des outils les plus difficiles à manier. C'est d'ailleurs pour cela qu'on ne l'utilise pas pour les sélections complexes.

Alors oui, finalement, c'est un outil très difficile à manier car on n'a pas le droit à l'erreur. Une fois que le détourage est commencé, on a ni le droit de dépasser, ni le droit de lâcher le clic pour se reposer. C'est franchement pas pratique !

Et comme si on nous avait entendu dire ça, un dérivé de l'outil Lasso a été conçu et il va s'avérer beaucoup plus maniable. On passe à la partie suivante !

Il est temps de découvrir le « Lasso Polygonal

», nouvel outil appartenant à la grande famille des outils Lasso, même si on peut facilement dire qu'il est franchement plus performant que son cousin le Lasso "classique" :D .

Pour sélectionner outil, vous pouvez cliquer sur ta petite vignette, ou bien taper sur la touche L.

Le principe de cet outil reste identique à celui de l'outil Lasso. Il permet d'effectuer une sélection en détourant un élément de la zone de travail. Ce qui change véritablement, c'est la façon dont il faut utiliser l'outil. Plus de maniabilité pour plus de précision, telle est la particularité de ce Lasso que nous allons de suite découvrir :) .

On a vu que pour détourer un élément avec l'outil Lasso "classique", il fallait le faire d'une seule traite, en maintenant le clic puis en effectuant le tracé de la sélection sans que l'on ne puisse s'arrêter.
Avec le Lasso Polygonal, on va là aussi détourer, mais on note plusieurs fonctionnalités lui donnant clairement l'avantage :

• Premier avantage de taille, on peut effectuer des arrêts quand on détoure. De cette manière, il n'est plus question de tout faire d'une seule traite :D .

• Avec l'outil Lasso classique, il n'était pas permis de se tromper. Nous avons désormais la possibilité de rectifier le tir en cas d'erreur.

A l'inverse de l'outil Lasso "classique", on va créer ce que l'on appelle des points d'ancrage. Ces points d'ancrages sont toute la différence entre les deux outils, car ils vont nous permettre de travailler doucement, minutieusement et sûrement. Voyons cela de plus près avec un exemple.

Voici l'image sur laquelle cet exemple va vous être proposé :

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Le Lasso Polygonal en main, je m'apprête à détourer la loupe.

Je commence par définir un point de départ : jusque là, rien de nouveau. Mon détourage débutera donc ici :

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Une fois le point de départ choisi, je clique dessus une fois sans maintenir le clic. Et de fait ! En ayant cliqué une fois sur le bouton de ma souris sans maintenir le clic, je m'aperçois qu'un trait se forme automatiquement entre le point de départ que j'ai choisi et le curseur de ma souris. Essayez vous aussi, vous verrez. Faites comme moi puis déplacez votre curseur dans la zone de travail !

Cliquez sur l'image pour l'agrandir.

Ce trait, il représente le fameux traçage qui me permet de détourer mon élément (la loupe). Tout à l'heure, ce traçage apparaissait quand nous maintenions le clic avec l'outil Lasso classique. Cette fois-ci, il faut d'abord cliquer une fois puis déplacer son curseur pour définir la trajectoire et la longueur du trait (autrement dit du traçage qui me permet de détourer).

L'objectif, c'est de lui faire parcourir un chemin jusqu'à le faire revenir au point de départ pour que le détourage soit terminé (comme on l'a fait avec le Lasso classique).

Nous allons créer des points d'ancrage. D'ailleurs, on en a déjà créé un, il s'agit du point de départ sur lequel nous avons cliqué pour la première fois. En cliquant, nous avons créé le premier point d'ancrage. Il va ensuite falloir créer un deuxième point d'ancrage, puis un troisième, un quatrième... jusqu'à revenir au point de départ, c'est-à-dire le premier point d'ancrage. Je m'explique :

1. Tout d'abord, j'ai choisi un point de départ. j'ai donc cliqué une fois dessus (sans maintenir le clic) : un premier point d'ancrage a été créé (un point d'ancrage sera systématiquement représenté par une flèche dans mes schémas). Dès lors, j'ai la possibilité de commencer mon détourage en étirant le trait (qui est automatiquement créé par Photoshop), chose possible en déplaçant le curseur de la souris.

2. Je donne donc une trajectoire et une longueur au trait (toujours en déplaçant mon curseur) de sorte à ce que ce premier trait suive le contour de l'élément à détourer : il ne faut donc pas que le trait soit trop long et il faut impérativement qu'il soit collé au contour de la loupe sans quoi la sélection ne sera pas correcte.

3. Le principe consiste à créer autant de point d'ancrage que nécessaire pour "suivre" le contour de l'élément à détourer de manière correcte. Chaque nouveau point d'ancrage permettra alors de donner une nouvelle trajectoire au traçage à l'aide d'un nouveau trait.

4. La suite est la même : il va falloir créer un certain nombre de points d'ancrage jusqu'à réussir à détourer tout l'élément de la zone de travail, c'est-à-dire jusqu'à revenir au point de départ.

5. Quand tous vos points d'ancrage sont terminés et que vous êtes revenus jusqu'au point de départ, le détourage est terminé, la sélection prend forme :

Nous avons donc tracé un chemin avec les traits du Lasso pour détourer la loupe et créer une superbe sélection franchement plus élaborée que nos sélections simples du chapitre précédent.

Vous pouvez supprimer tous les points d'ancrage que vous aurez créés un à un. Admettons que vous soyez en train d'effectuer un détourage et qu'à un moment, vous créiez un point d'ancrage pas suffisamment collé au contour de votre élément ce qui signifie que la sélection finale va "déborder". Il vous suffit simplement d'appuyer sur la touche Retour (backspace) de votre clavier d'ordinateur à ce moment là pour annuler le mauvais point d'ancrage et le recommencer. Vous pouvez effectuer cette opération autant de fois que nécessaire.

Avant d'utiliser le lasso polygonal...

Retournons à nos affaires ^^ . On se souvient qu'avec l'outil

Lasso ("lasso classique" comme j'aime l'appeler), nous avions tenté d'amocher de sélectionner le célèbre « Diana princess of wales memorial fund ». On avait obtenu cette espèce de truc :

J'interdis quiconque de se moquer ! C'est de l'art, vous pouvez pas comprendre :-° .

Plus sérieusement, je vous avais promis monts et merveilles avec le Lasso polygonal. Au premier regard, on se rend vite compte que la sélection est meilleure (et en plus, très rapide) :

Et en effet, je crois que le résultat parle de lui-même :D !

Fini les débordements. La sélection au détourage "polygonal" s'est avérée plus efficace que le détourage "à main levée" :) .

Vous ne disposez plus de cette image pour travailler à nouveau dessus ?
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Diana.png
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Le Lasso Magnétique est le dernier outil de la famille des Lasso. C'est un outil pourvu d'une intelligence remarquable, ce qui fait de lui le plus facile à utiliser parmi les trois de la même famille.

Ce lasso est représenté par cette petite icône :

. Pour le sélectionner, on se souvient qu'il faut faire un clic droit sur la vignette du Lasso Polygonal

(dernier outil que nous avons normalement sélectionné) pour faire apparaitre la liste des trois outils Lasso ;) . La touche L est un raccourci vers la sélection de cet outil.

Je ne vais pas vous surprendre en vous annonçant que celui-ci produit le même effet que les autres, on l'utilise aussi, effectivement, pour détourer un élément de la zone de travail puis pour faire apparaitre une sélection. Et comme pour les autres outils, l'utilisation de celui-ci est différente, le détourage va s'avérer beaucoup plus intuitif (mais pas forcément plus précis !).

En fait, le Lasso Magnétique, c'est un peu un mélange des deux outils Lasso que nous avons déjà étudiés, bien qu'il soit en plus doté d'une certaine intelligence. On n'a rien sans rien malheureusement, ce qui signifie que l'on pourra profiter de leurs avantages, mais que leurs défauts vont beaucoup nous restreindre.

On parle d'intelligence dans la mesure où il repère de manière autonome les contours de l'élément à détourer, ce qui engendre alors une automatisation des points d'ancrage (pas besoin de cliquer, le logiciel le fait pour vous !). L'outil porte bien son nom : il possède une sorte de magnétisme qui lui permet de reconnaitre tout seul les bords du calque à détourer.

Tout ce que vous avez à faire, vous, de votre côté, c'est guider un minimum l'outil vers les contours du calque à sélectionner à l'aide du curseur de votre souris. Si vous ne le guidez pas, l'outil ne saura pas quoi détourer. Du coup, vous mâchez la moitié du travail, il fait le reste.

Le Lasso Magnétique détient un pouvoir assez étonnant. Sans que nous ayons besoin de faire quoi que ce soit, il analyse et détecte les contours de l'élément à détourer en fonction de ses couleurs et de ses couleurs voisines. Ce que je veux dire, c'est qu'il va reconnaitre les couleurs du contour de l'élément à détourer et va systématiquement les différencier avec celles du fond (donc, les couleurs externes à cet élément, celles qui "touchent" ses contours).

Je vous arrête ! Comme je vous l'ai dit, si ce nouvel outil présente des avantages, il est pourvu d'assez gros défauts. Déjà, nous n'avons pas un contrôle total sur l'outil.

Il est intelligent, certes, mais une sélection sera forcément plus soignée si elle est créée manuellement, comme on peut le faire avec le lasso Polygonal. Mais en plus, il arrive très souvent que l'outil se trompe ! Il peut alors ne pas détourer correctement l'élément ciblé (dans ce cas, il lui arrive de déborder ou bien carrément de commencer à détourer un autre élément de la zone de travail) ou alors ne pas effectuer une sélection vraiment précise et soignée comme on pourrait facilement le faire avec l'outil Lasso Polygonal !

Je dois admettre que créer un exemple avec un tel outil n'a pas été chose simple, et je suis certain que vous comprendrez mieux en faisant des essais. Voici toutefois quelques images présentant le fonctionnement de l'outil Magnétique :) .

Exemple

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L'objectif de cet exercice sera de détourer la lettre "C" de "Apprenez à programmer en C". On commence donc par sélectionner notre outil magnétique puis on effectue un zoom sur le "C" pour plus de précision.

Cliquez une première fois à l'intérieur de ce "C", en prenant soin de placer votre curseur au bord de cette même lettre. Vous n'avez pas besoin de maintenir le clic, puis la liaison est automatique.

Et effectivement, il ne vous reste plus qu'à déplacer votre curseur autour du "C", et ce de manière approximative : le lasso magnétique s'occupe du reste. ;)

Lorsque le petit « o » apparait au niveau de votre curseur, vous pouvez cliquer ou appuyer sur la touche Entrée de votre clavier. Et voilà le travail !

Avouez-le, le Lasso Magnétique, c'est franchement pour les fainéants :-° . Enfin, personnellement, je ne trouve pas ça plus mal et d'ailleurs, on ne va pas quand même pas s'arrêter en si bon chemin, si :D ?

Il faut dire que le simple fait de savoir que l'outil que nous nous apprêtons à étudier s'appelle la baguette magique

intrigue pas mal. Utilisez la touche Wpour sélectionner cet outil.

En tout cas, il est encore question d'un outil intelligent et qui peut s'avérer vraiment très pratique. D'ailleurs, à l'inverse du lasso Magnétique, j'utilise très souvent la baguette magique.

Ce nom n'a pas été choisi au hasard. On peut assurément parler de magie dans la mesure où cette petite baguette va travailler à notre place !

Bah, on peut dire que vous n'aurez pas grand-chose à faire, en tout cas. En fait, vous n'aurez qu'une chose à faire... cliquer ! Aucune manœuvre délicate ici, la seule chose qu'on vous demande, c'est cliquer avec votre souris :D !

Le principe est simple. Il faut d'abord cibler une partie dans un calque que nous prévoyons de sélectionner. Dès lors, une seule opération est demandée : cliquer dans la partie ciblée avec le curseur de notre souris. Laissons ensuite opérer la magie : la zone ciblée est automatiquement sélectionnée.

Tout à fait, il est encore question de différenciation entre les couleurs. La zone ciblée par le curseur est remplie d'une certaine couleur. La baguette va analyser cette zone et tout ce qu'il y a autour de cette zone. Elle va déterminer les couleurs les plus ressemblantes, c'est-à-dire qu'elle va scruter TOUS les codes hexadécimaux et ne va sélectionner que les pixels dont les couleurs sont proches.

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Veuillez observer l'image suivante.

Cette image est composée de deux couleurs majeures : un bleu clair et un bleu foncé. Pour sélectionner le rectangle de couleur bleu foncée, figurez-vous que je n'ai utilisé ni l'outil rectangle de sélection, ni l'outil Lasso polygonal. J'ai simplement cliqué dessus avec la baguette magique.

Pourquoi la zone bleue foncée ? Car la baguette l'a différenciée de la zone bleue claire, vous saisissez ? Ce qu'il faut bien comprendre, c'est que sur cette image, la baguette n'a eu absolument aucun mal à faire une sélection parfaite car les deux couleurs sont bien différentes l'une de l'autre. Mais la baguette présente ses limites à partir du moment où il y a trop de couleurs différentes au sein d'une même zone de travail. Par exemple, sur une photo composée de milliers voire de millions de pixels colorisés, autant dire qu'elle sera inutilisable (comment voulez-vous qu'elle détermine quelles couleurs prendre en compte s'il y en a des millions, toutes différentes ?).

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Sur cette image, nous avons trois éléments distincts : le texte "Photoshop", le contour rectangulaire bleu et ce qui nous intéressera plus particulièrement, le fond blanc. Avec la baguette, nous allons supprimé ce fond pour que cela devienne transparent. On commence donc par cliquer sur le fond blanc à l'extérieur des lettres, on laisse ainsi apparaitre cette nouvelle sélection qui est venue encadrer la partie blanche et seulement elle :

La baguette magique a analysé chaque couleur et n'a retenu que le blanc. Il ne reste plus qu'à appuyer sur la touche "retour" de son ordinateur pour le supprimer, comme sur l'image ci-dessous.

En essayant désormais sur le contour bleu, comme ceci :

On le voit, seul le bleu a été mis en sélection par la baguette. On appuie sur la touche "retour" de son clavier, et on supprime effectivement le contour bleu, caractérisé par l'apparition des carrés blancs et gris qui représentent la transparence sur Photoshop :

Détrompez-vous ! Cela arrive plus souvent qu'on ne le croit. De toute façon, quand on a besoin de faire une sélection un peu élaborée, on n'utilise pas la baguette magique. En revanche, on l'utilise très souvent pour sélectionner un élément d'une zone de travail dont le fond est rempli d'une couleur unique. Plutôt que de faire un détourage à la main, on va profiter du fond à couleur unique pour faire travailler la baguette magique qui va alors ne prendre en compte que la couleur de ce fond.

Configurer la baguette magique

Vous pouvez paramétrer la baguette magique pour influencer son analyse des couleurs et l'inciter à exclure ou inclure des nuances ou des intensités de couleur.
Pour modifier le jugement de la baguette, Photoshop nous propose l'option "tolérance" que vous trouverez dans la barre des options.
Sa valeur par défaut est censée être de 32.
Avec cette option, vous définissez le degré de tolérance de votre baguette vis-à-vis des nuances et de l'intensité de couleur de votre calque pour qu'elle effectue une sélection plus juste.
Plus la valeur de la tolérance est élevée, moins la baguette se souciera des différences de couleur entre les pixels. A l'inverse, plus elle est basse, plus elle y prête attention.

Je vous invite à faire des essais, ça vaut le coup :) !

Comme si nous n'en avions pas assez, il existe un autre outil de sélection qui, à l'image de la baguette, produira 99% du travail à votre place. Elle porte bien son nom : la sélection rapide, car avec cet outil, la sélection est rapide. :D

Pour sélectionner cet outil, vous pouvez utiliser la touche W.

Avec la baguette, il suffisait de cliquer une fois pour voir une sélection apparaitre. Cette fois-ci, la tâche sera légèrement plus compliquée car il va falloir diriger la sélection qui se formera en fonction de la trajectoire que prendra votre curseur, réaction plus ou moins proche de celle du lasso magnétique. Aussi, le la même manière que la baguette, la sélection sera automatiquement créée.

Pour reprendre les termes de l'aide fournie par le logiciel, au fur et à mesure que vous faites glisser la souris, la sélection s’élargit et suit automatiquement les contours définis de l’image.

Cet outil n'a pas besoin de tolérance, mais d'une configuration différente mais aussi plus précise. En réalité, il faut imaginer que l'on tient un pinceau en main et que l'on va non pas étaler de la peinture, mais de la "sélection". Voyez plutôt :

Ici, j'ai dessiné un forme avec un pinceau...

Avec l'outil Sélection rapide, ce n'est pas de la peinture qui se forme (comme ci-dessus), mais bien une sélection.

Attention, il faut bien faire la distinction entre pinceau et sélection. Ici, on n'utilise pas de pinceau à proprement parler (il existe effectivement un outil pinceau, mais nous apprendrons à nous en servir le moment venu) mais bien un outil de sélection qui réagit plus ou moins de la même manière. La petite particularité de cet outil, c'est que comme la baguette magique, il tente de vous guider en faisant attention aux différences de couleur.

Configuration

Comme tous les outils de Photoshop, la sélection rapide est paramétrable. A l'image d'un pinceau que l'on peut acheter en boutique, on va pouvoir tout d'abord choisir ici le diamètre de l'outil, autrement dit l'épaisseur de l'outil : 1px, 5px, 30px, ... ? On va également pouvoir déterminé la dureté de l'outil, qui est, vous le verrez, propre à l'outil "pinceau" de Photoshop. Il s'agit des contours de la sélection qui, si la dureté est égale à 100%, seront parfaitement nets. Il y a ensuite le 'pas', défini en pourcentages, qui permet de contrôler la fluidité de sélection lorsque, clic maintenu, on déplace notre curseur pour créer cette sélection. Enfin, il nous est possible de donner une forme à notre « pinceau de sélection », déterminée par un angle et un pourcentage d'arrondi.

Pour tout cela, il suffit de se rendre sur la barre d'option puis de cliquer sur la vignette suivante.

Exemple

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Nous essayerons de sélectionner la tache claire visible au niveau de la mousse à café :

On définit des paramètres adaptés, comme un diamètre relativement fin, une dureté minimale et un pourcentage de pas ni trop bas, ni trop élevé, afin que la fluidité de sélection soit contrôlée. On maintient le clic et on passe sur la tache progressivement, doucement, pour que la sélection se forme. On peut, pour s'assurer que la sélection se fasse correctement, cliquer petit à petit.

On continue progressivement jusqu'à sélectionner l'ensemble de la partie claire de la mousse. Vous aurez remarqué que j'ai zoomé sur ces exemples, toujours dans un souci de précision. ;)

À vous de jouer. ;)

Si les outils de sélections du chapitre précédent ont leur utilité et ne sont pas à rejeter, on peut dire que l'on a franchement plus de liberté avec les outils que nous venons de voir.

Entrainez-vous Amusez-vous à sélectionner n'importe quoi parmi vos images personnelles, le tout étant de vous sentir à l'aise avec les outils :) .

Nous allons d'abord voir comment modifier la taille d'une image dans la zone de travail.

En règle générale, quiconque utilise régulièrement Photoshop vous dira qu'il existe un outil particulièrement pratique pour redimensionner un calque. Il s'agit d'une transformation que l'on nomme Homothétie. :lol: (oui, j'ai moi aussi tiré une drôle de tête en lisant pour la première fois ce terme quelque peu imprononçable... pour info, il faut lire "o-mo-té-ci").
Je ne vais pas vous parler tout de suite de cette transformation car elle fait l'objet d'une sous-partie dans le chapitre suivant, ce chapitre porte judicieusement le nom de "Transformations sur les axes X et Y".

Plutôt que ça, nous allons travailler avec la fonctionnalité d'édition appelée Taille de l'image. Vous la trouverez en cliquant sur le menu Image > Taille de l'image, ou en tapant la combinaison suivante sur votre clavier : ALT + CTRL + I (Option + Command (ou Pomme) + I)

Avant de commencer, veuillez vous procurer l'image sur laquelle nous allons travailler :

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Une fois l'image téléchargée puis ouverte sur Photoshop, vous pouvez ouvrir la fenêtre "Taille de l'image".

Nous allons nous servir de cette fenêtre pour modifier la taille de notre document. Cela signifie que, dans notre cas actuel, nous modifierons les dimensions de toute la zone de travail, soit :

• Les dimensions de la zone de travail vont changer (diminuer ou augmenter).

• Tout ce qui se trouve à l'intérieur de la zone de travail va aussi connaitre un changement. En effet, la taille du contenu de la zone de travail va augmenter/diminuer proportionnellement au changement de taille connu par la zone de travail.

Observez très attentivement ce schéma. Ce sont des mathématiques simples (je n'ai jamais été très doué en maths et cela ne m'a pas vraiment empêché de le comprendre).

La zone de travail a été réduite par deux, ce qui signifie que tout son contenu a lui aussi été réduit par deux. Ce principe s'applique aussi bien si l'on essaye de doubler les valeurs : si une zone de travail mesure 100*100px et qu'on l'augmente à 200*200px (autrement dit qu'on la double), la taille de tout ce qui se trouve à l'intérieur va elle aussi augmenter de manière proportionnelle, soit par 2. Ce serait d'ailleurs aussi la même chose si nous avions multiplié la taille de la ZDT par 3, par 10 et pourquoi pas même par 102,2 etc.

Faisons un essai et tentons de comprendre comment fonctionne la fenêtre Taille de l'image que je viens de vous faire ouvrir. On remarque en premier lieu que cette fenêtre est décomposée en trois grandes parties :

• Dimensions du pixel

• Taille du document

• Une série de cases à cocher suivie d'une liste déroulante

Pour dire les choses simplement et grossièrement, on peut dire que les deux premières catégories sont en fait les mêmes (dimensions du pixel et taille du document). Du moins elles ont toutes deux une fonction commune : déterminer la nouvelle taille de notre image sur Photoshop. Que vous changiez la valeur des dimensions de pixel ou celles de la taille du document, vous verrez que le résultat est le même : les dimensions de la zone de travail et de son contenu auront vraisemblablement été modifiées sur Photoshop.

Et bien, oui ! Elle est là, la réponse à votre question ! Modifier la taille du document, c'est changer la largeur, la hauteur et la résolution de ce document. Vous saisissez l'idée ?

Non, pas du tout ? :D Bon, alors dans ce cas, trêve de bavardage, on va tout de suite faire un exemple, ça vaudra mieux j'en suis sûr.

L'exemple

Veuillez ouvrir l'image que vous avez téléchargée :

Actuellement, les dimensions de cette image sont 500*425 px.

Nous allons augmenter les dimensions de cette image en modifiant ces valeurs (que vous trouverez dans la catégorie "Dimensions de pixel") par celles indiquées ci-dessous :

• Largeur : 1000 pixels

• Hauteur : 850 pixels

Je répète : les dimensions de l'image telle que vous l'avez téléchargées sont censées être 500*425 px. Il faudrait maintenant modifier ces valeurs par 1000*850px, soit précisément le double.

Ceci est parfaitement logique puisque, je vous le disais, modifier la taille de la zone de travail via la fonctionnalité Taille de l'image revient à le faire proportionnellement.

On parle ici de proportionnalité dans la mesure où, comme la largeur de l'image était à l'origine de 500px et la hauteur de 425px, et parce que vous avez modifié la largeur à 1000px, la hauteur s'est "remise à niveau". On a augmenté la largeur de 100%, donc la hauteur s'est vue augmenter de 100% elle aussi.

Si vous ne désirez pas travailler avec la proportionnalité et de ce fait avoir un contrôle total sur les dimensions de la largeur ET de la hauteur, il suffit de décocher la case "Conserver les proportions" que vous trouverez en bas de la fenêtre.

En ce qui concerne les valeurs de la partie Dimensions de pixel de notre fenêtre, sachez qu'en les modifiant, vous engendrerez par la même occasion une modification des valeurs des champs de la catégorie "Taille du document". ;) Si vous divisez par deux les valeurs des "dimensions de pixel", vous diviserez par deux les valeurs de la "taille du document".

En attendant, je vous invite à vérifier que vous avez bel et bien tapé les valeurs suivantes :

Vous pouvez ensuite valider vos modifications en cliquant sur le bouton OK. Le résultat ? Les dimensions de l'ensemble de notre travail ont augmentées :

1000*850px

Personnellement, j'ai plutôt pris l'habitude d'utiliser cette fonctionnalité pour réduire une image beaucoup trop grande pour la taille de mon écran (alors que, depuis le début, nous n'avons fait que grossir une image, l'exemple des petites bulles de couleurs). C'est souvent le cas des photos que l'on prend avec nos appareils : elles sont généralement très, très grandes. Essayez d'ouvrir sur Photoshop une photo de votre collection. A condition que votre appareil soit suffisamment performant (ou sinon, cela voudra dire que votre appareil est dépassé et vous aussi d'ailleurs :p !), vous devriez avoir un aperçu de votre photo semblable à celui-ci :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

L'aperçu actuel est correct car il n'est pas dans son état d'origine : il est affiché avec un zoom de 33,3%, vous pouvez voir ça au niveau de l'onglet de la zone de travail, en haut à gauche. Veuillez alors zoomer sur la zone de travail jusqu'à qu'on est un aperçu à 100, comme ici :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

Comme vous pouvez le voir, on n'a pas accès à l'intégralité de l'image sur notre écran du fait de sa grande taille. On a presque l'impression d'avoir zoomé dessus : pourtant, notre zoom est bel et bien de 100%.

Pour remédier au problème et réduire l'ensemble de l'image, j'ai tendance à utiliser la fonctionnalité Taille de l'image. En l'ouvrant, j'ai accès aux données de l'image et notamment ses dimensions :

Pour l'exemple mais aussi et surtout pour faire simple, je vais réduire par deux (encore une fois !) les valeurs de la taille du document et ce de manière approximative. Ainsi, je vais remplacer 19,24 cm (largeur) par 10 cm en prenant soin de conserver les proportions (cocher la case) pour que la hauteur soit automatiquement changée en fonction de la largeur, soit 7,5 cm. Inutile pour le moment de toucher à la résolution.

En validant, j'obtiens une image deux fois plus petite :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

A première vue, je n'ai pas encore accès à l'ensemble de mon image car celle-ci s'avère encore un peu trop grande. Il suffit simplement de réduire encore peu plus les dimensions de la taille du document comme nous venons de le faire. ;)

La vraie question à se poser, c'est "que fait la résolution dans la partie dimensions du pixel et pourquoi n'est-elle pas dans la partie taille du document ?". Et vous devriez savoir y répondre. Si vous vous souvenez bien de la leçon du tout premier chapitre de ce cours, on détermine les dimensions d'un pixel grâce à... la résolution !

Cela signifie que si vous modifiez la valeur de la résolution (actuellement à 72 ppp), vous modifierez en même temps la dimension des pixels. Mais attention ! En modifiant la résolution, vous ne changez pas la taille du document, seulement la taille des pixels. Et comme la taille des pixels change, la taille du document parait changée.

Voici un schéma pour mieux comprendre le fonctionnement de la résolution dans le cas présent.

Merci à Vivi's pour sa généreuse participation (image + explications) !

Comme vous pouvez le lire, les deux carrés mesurent chacun 2 centimètres. Pourtant, tout comme moi, vous devriez voir le carré du bas plus gros que celui du haut, et c'est normal. En fait, c'est la résolution qui fait que l'image apparait plus grande à l'écran. Pourtant, techniquement parlant, ces deux images font exactement la même taille, seuls les pixels sont plus nombreux :) . J'espère avoir été clair, c'est un sujet relativement délicat à comprendre (et à expliquer aussi, d'ailleurs !).

Pour info, plus la résolution est importante, plus l'image est de bonne qualité. On peut faire cette constatation très simplement : en imprimant deux documents, l'un à 72ppp et l'autre à 300ppp, ce dernier sortira de meilleure qualité, comme si l'image était plus "détaillée" que l'autre. Vous pouvez essayer. ;)

C'est simple, on va utiliser une autre fonctionnalité du logiciel que je vous propose de traiter tout de suite ;) . En ce qui concerne les deux autres cases à cocher en bas de la fenêtre Taille de l'image, je ne juge pas nécessaire d'en parler car je crois sincèrement que cela ne nous sera pas utile dans l'immédiat. C'est assez spécifique et ce n'est pas nécessaire de s'étaler sur le sujet à notre niveau ;) .

Nous nous demandions comment augmenter la taille de la zone de travail sans modifier la dimension des éléments qui la composent. Tout à l'heure, quand on modifiait la taille de l'image, on avait droit par exemple à ceci :

Alors que la zone de travail (ici en blanc au contour gris) augmentait, son contenu (la pièce de puzzle) augmentait aussi de manière proportionnelle.

Désormais, nous aimerions faire en sorte d'augmenter la zone de travail sans que les dimensions des éléments qui la composent n'augmentent aussi, à l'image de ce schéma :

Veuillez tout d'abord ouvrir l'image sur laquelle nous venons de travailler puis ouvrir la fenêtre qui va nous permettre de modifier la taille de la zone de travail. Il faut d'abord cliquer sur Image puis sur Taille de la zone de travail.

Ici aussi, il existe un raccourci clavier. Il s'agit de la combinaison ALT + CTRL + C (Option + Command (ou Pomme) + C)

Voilà la bête, c'est ici que tout se passe. Décortiquons cette fenêtre comme nous avons désormais l'habitude de le faire.

Cette fenêtre est divisible en deux parties : Taille actuelle et Nouvelle taille. La première partie est de type informative, elle vous rappelle la taille actuelle de votre document, soit 14,11*7,05cm ici.

On retrouve ces valeurs inscrites dans les champs blancs de la deuxième partie. On a donc la largeur et la hauteur, tous ceux suivis de leur unité respective, le centimètre. C'est simple, il suffit de modifier ces valeurs pour modifier la taille de la zone de travail. Si vous mettez une valeur supérieure à 14,11 (cm) à la largeur, alors la largeur de votre document augmentera. C'est évidemment la même chose pour la hauteur.

En modifiant les valeurs dans les champs blancs du dessus, on modifie soit la largeur, soit la hauteur. Ainsi, en prenant l'exemple de la largeur, on obtient un tel résultat...

Cette image représente ma zone de travail d'origine.

Cette image représente ma nouvelle zone de travail. J'y ai modifié les valeurs de la largeur, et celle-ci s'est élargie aux deux extrémités gauche et droite, de la même taille.

Vous devez comprendre via cet exemple que, si par exemple, ma zone de travail mesure 200 pixels de largeur et que je l'augmente de 200 pixels supplémentaires (soit 400 pixels en tout), il y aura 100 pixels de plus à gauche, 100 pixels de plus à droite.

En utilisant les fameuses "flèches directionnelles", on va avoir la possibilité de choisir un seul côté à qui donner les 200 pixels supplémentaires. Ainsi, si on veut élargir la zone de travail de 200 pixels vers la gauche, on obtiendra un tel résultat :

Voyons voir de plus près cette série de flèches et tentons de les comprendre. Car figurez-vous qu'elles fonctionnent plutôt... bizarrement.

On a précisément 9 petits carrés tous remplis d'une petite flèche allant chacune vers une direction différente. Tous sauf un : celui du milieu. Lui n'a pas de flèche et il y a une raison. En fait, cette case vide indique la position de votre zone de travail à partir de laquelle les flèches vont prendre leur direction et donc, cela indique quels côtés vont être agrandis ou rétrécis.

C'est pas clair ? Très bien, faisons un essai, vous allez tout de suite comprendre. Actuellement, on a la case du milieu qui est vide et toutes les autres ont une flèche pointant chacun dans une direction. Ainsi, si on modifie et augmente les valeurs de la hauteur et la largeur dans les champs blancs, on sait que la taille de la zone de travail va être augmentée dans sa généralité, c'est à dire vers la gauche, vers le haut, vers la droite et vers le bas.

Maintenant, si la case vide se trouvait par exemple à la place de la flèche pointant vers la gauche, comme cette image...

... on comprendrait alors que la taille ne serait plus affectée sur le côté gauche car il n'y a plus de flèche pointant vers ce côté-ci. Vous saisissez ? Ainsi, la taille de la zone de travail sera augmentée vers la droite.

Pour modifier la position de la case "vide", il faut tout simplement cliquer sur la case de votre choix.

C'est parfaitement la même chose. Vous choisissez dans un premier temps la position de la case vide puis vous modifiez les valeurs dans les champs blancs en prenant soin d'inscrire des valeurs plus petites. De cette manière, vous réduirez la taille de la zone de travail en fonction de la direction des flèches. :)

A présent que nous savons modifier la taille de la zone de travail et que nous savons utiliser les paramètres liés à la "taille d'une image", je vous propose de tenter une toute autre manœuvre, toujours en rapport avec notre zone de travail.

Le principe de cette nouvelle fonctionnalité est de faire effectuer une rotation à la zone de travail. On se sert généralement de ce paramètre lorsque le contenu de la zone de travail s'y prête. Par exemple, si du texte apparait à la verticale dans l'image sur laquelle on travaille, on va faire faire une rotation à la zone de travail (et par extension à l'image) pour afficher ce texte à l'horizontale, c'est-à-dire à l'endroit, le temps d'y apporter les modifications nécessaires.

On retrouve cette fonctionnalité juste en-dessous de celle que nous venons d'étudier, en cliquant sur Image puis sur Rotation de l'image. Ainsi, en laissant votre curseur sur ce dernier bouton, une liste fait son apparition :

Cette liste présente précisément 5 paramètres pré-réglés, tous permettant de faire pivoter la zone de travail selon un angle différent. Évidemment, si vous choisissez 90°, votre zone de travail va pivoter à... 90°. :-°

En utilisant cette fonctionnalité, vous engendrerez un pivotement de l'ensemble de la zone de travail, un peu comme ce que produisait la fonctionnalité Taille de l'image. Nous verrons dans le chapitre suivant comment modifier l'angle seulement d'un des calques de notre zone de travail (et non toute la zone de travail comme c'est le cas actuellement).

D'ailleurs, dans le cas d'une utilisation plus sensée, on peut faire pivoter une zone de travail verticale en une zone de travail horizontale comme je vous l'expliquais tout à l'heure, notamment si l'on a du texte et que l'on souhaite pouvoir travailler dessus sans avoir à pencher la texte constamment :

On va devoir passer par le paramètre "Paramétrée" que vous trouverez dans la même liste. En cliquant dessus, cette petite fenêtre apparait :

Il suffit simplement de modifier la valeur 0 dans le champs blanc par la valeur de votre choix.

• Horaire : faire pivoter la zone de travail dans le sens normal d'une aiguille d'une montre.

• Antihoraire : faire pivoter la zone de travail dans le sens contraire d'une aiguille d'une montre.

C'est tout pour la rotation :) .

On conclut ce chapitre avec le recadrage, un outil vraiment très pratique et qui fait le bonheur d'un bon nombre de photographes.

Vous vous souvenez de l'outil de sélection ? Du moins, vous vous souvenez de comment cela fonctionne ? Et bien c'est exactement pareil. Enfin... à une différence près, et de taille ! :p Avec l'outil de sélection, on protégeait tout ce qui ne se trouvait pas à l'intérieur de la sélection. Ainsi, ce qui se trouvait à l'intérieur était ouvert à la modification.

Si l'on utilise l'outil

Recadrage de la même manière (comme si on effectuait une sélection), il ne sert pas tout-à-fait à la même chose :) . Il est, comme son nom le laisse présager, utilisé pour recadrer une partie de la zone de travail. Alors, on encadre un élément de la zone de travail puis cette dernière reprend les dimensions de ce même élément.

Faisons un essai. :) Nous travaillerons sur cette image :

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Comme vous pouvez le voir, cette photo cible l'horizon donné par l'ouverture de cette fenêtre. Grâce à l'outil de recadrage, nous allons cibler ce « paysage » afin d'éliminer les zones « inutiles ».

Commencez par sélectionner l'outil

Recadrage. Vous pouvez utiliser la touche C.

Utilisez-le ensuite comme si vous utilisiez l'outil

Rectangle de sélection : vous vous rendrez compte qu'une sélection va se former progressivement... Faites-la bien au niveau du cadre de la fenêtre.

Une fois votre sélection terminée, c'est en relâchant le clic que vous laisserez apparaitre ce cadre quadrillé :

Concentrez-vous sur le cadre et non sur le quadrillage. Ce cadre représente les nouvelles dimensions que vous donnerez à la zone de travail.

Le quadrillage va nous servir à effectuer un recadrage correct et juste. On s'en sert pour cibler convenablement le sujet que nous allons recadrer afin de le faire dans les bonnes mesures. Il existe plusieurs types de quadrillage que vous trouverez dans la barre des options, le paramètre s'intitule "Incrustation repère recadrage" :

• Sans : pas de quadrillage...

• Règle tiers : quadrillage que nous connaissons.

• Grille : quadrillage beaucoup plus détaillé pour un recadrage encore plus précis.

Vous pouvez par ailleurs modifier les dimensions de votre nouveau cadrage avant de le "valider" en déplaçant les petits carrés transparents que j'ai l'habitude d'appeler des poignées :

. Cela vous permettra d'afficher le cadrage et de l'ajuster comme bon vous semble. Pour utiliser une poignée, il suffit de déplacer l'un des petits carrés, il vous faudra alors placer votre curseur dessus, cliquer sur ce petit carré, maintenir le clic puis, enfin, déplacer votre curseur. On peut en ce sens rétrécir ou agrandir notre cadre sur la largeur ou la hauteur.

Une fois le cadrage terminé, appuyez sur la touche Entrée de votre clavier...

Oui, c'est bien vu. Mais alors voilà, faire un recadrage avec l'outil de sélection est une des nombreuses possibilités que nous offre cet outil. Or, il est à mon sens plus conventionnel d'utiliser l'outil de recadrage pour effectuer un recadrage (il ne porte pas son nom pour rien) car, en plus d'être beaucoup plus rapide, il sert avant tout à recadrer une image et non "conserver un élément d'une zone de travail" comme on l'avait fait avec le rectangle de sélection.

Et "recadrer" peut aussi vouloir dire "remettre en place une image un peu inclinée" par exemple. Voici un exemple.

Encore Londres, je sais. :-°

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Sur cette image, on note un léger basculement vers la droite de l'ensemble de la prise. Grâce au recadrage, nous allons réussir à remettre en place l'ensemble de la photo pour qu'elle ne paraisse plus inclinée. Commençons par effectuer une sélection autour de la maisonnette et du garde, comme ceci :

Nous allons maintenant incliner ce recadrage de sorte à rendre son contenu 'droit' une fois validé. Pour ce faire, il faut placer son curseur à l'extérieur du recadrage jusqu'à qu'il prenne l'apparence d'une double flèche courbée, maintenir le clic et déplacer son curseur de gauche à droite :

Appuyez sur la touche Entrée une fois le recadrage terminé et observez le résultat :

L'image n'est maintenant plus inclinée, du moins... en apparence. Mais on ne va pas s'arrêter là car l'atout majeur de l'outil recadrage repose sur sa flexibilité grâce à une option que l'on retrouve dans la barre d'options : la perspective. Cette option n'apparait qu'une fois la sélection de recadrage faite (mais pas validée), on la retrouve tout à la droite (perspec.) :

Jusqu'ici, nous avons été en mesure d'effectuer deux opérations sur notre recadrage :

• Agrandir ou rétrécir la sélection du recadrage.

• Faire pivoter la sélection du recadrage.

A l'aide de l'option perspective, nous allons torsader la sélection de sorte à la moduler en fonction de l'élément de l'image que nous allons chercher à recadrer. Allez, on reprend les bonnes vieilles habitudes, c'est parti pour un exemple. :)

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Notre objectif consistera à recadrer l'image pour ne conserver que la feuille aux écritures colorées mais avec une petite difficulté cette fois. Nous allons en effet chercher à ne recadrer que cette feuille, nous retirerons ainsi toute trace de ce qui se trouve autour comme la table orange par exemple.

La première opération à effectuer est celle que nous connaissons déjà, c'est-à-dire que l'on va d'abord tracer la sélection rectangulaire de recadrage autour de la feuille, comme ceci :

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Désormais, nous allons utiliser les poignées afin d'ajuster notre recadrage aux contours de la feuille. Ainsi, après avoir coché l'option perspective, vous n'avez qu'à placer votre curseur sur l'un des carrés transparents du cadre (le curseur prend alors une nouvelle apparence), cliquez dessus puis déplacez le curseur : vous pouvez alors articuler le cadrage selon vos souhaits.

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Reproduisez la même opération sur l'ensemble des poignées de sorte à obtenir ce résultat-ci :

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Ajustez le cadrage et, une fois satisfait, appuyez sur la touche Entrée de votre clavier pour le valider.

Le travail est maintenant terminé, l'image est recadrée et a même perdu sa perspective de base.

Ce petit chapitre sur l'édition des dimensions d'une zone de travail touche à sa fin. Vous allez voir que la suite est parfois ressemblante à ce que nous venons de faire (dans la forme). Nous allons aborder la transformation, véritable outil de guerre dont on aura constamment besoin pour la construction de nos projets à venir.

Le terme de "transformation" est employé pour diverses raisons, en fonction des domaines pratiqués. Transformer un calque sur Photoshop, c'est le transformer géométriquement.

On a tous suivi des cours de géométrie au moins une fois dans sa vie à l'école ? Et bien le principe est le même. Pour tracer un rond au compas ou bien un carré à la règle, on utilise les axes X et Y, respectivement appelés abscisse et ordonnée. Plus exactement, on détermine une position géométrique sur ces deux axes, qui sont perpendiculaires entre-eux, puis on trace une figure géométrique en les utilisant comme base.

Sur Photoshop, on retrouve les axes X et Y dans la zone de travail :

Ainsi, on effectue des modifications sur ces deux axes : de haut en bas (on ne travaillerait alors que sur l'axe Y), de bas en haut (idem, on transforme le calque sur l'axe Y), de gauche à droite (ici, on modifie le calque sur l'axe X), de droite à gauche (idem, axe X), mais aussi pourquoi pas du bas droit vers le haut gauche (on transformerait alors le calque sur la diagonale, à savoir sur les deux axes : X et Y), ou du haut droit vers le bas gauche (X et Y aussi).

La symétrie, c'est quoi ?

Nous allons nous intéresser à plusieurs types de symétrie. Il m'a semblé plus prudent de passer par là avant d'étudier les fonctionnalités faisant l'objet de ce chapitre et du suivant.

Symétrie axiale

Le premier type de symétrie dont je souhaite vous parler se nomme symétrie axiale. Pour la comprendre, il suffit de prendre une feuille sur laquelle sont dessinées deux figures. Si on plie correctement la feuille en deux et que ces deux figures se superposent, alors on dit qu'elles sont symétriques par rapport à la pliure.

On arrive plus facilement à s'imaginer ce qu'est un centre de symétrie avec l'exemple du terrain de football que voici.

La première moitié d'un terrain de football est parfaitement symétrique par rapport à l'autre, la ligne blanche du milieu étant l'axe à partir duquel la symétrie est formée, vous saisissez l'idée ? :) Si l'on décale légèrement chaque moitié du terrain par rapport à leur ligne du milieu...

Symétrie centrale

Si nous avions besoin d'un axe de symétrie pour la symétrie axiale, nous aurons cette fois besoin d'un point de symétrie. De ce fait, on dira de deux objets qu'ils sont "symétriques" par rapport à un point. Petite piqûre de rappel sur la construction d'une symétrie centrale :

• On dessine un point, qui est notre point de symétrie

• 

  On trace notre figure géométrique (en prenant l'exemple d'un losange)

• 

  On trace un trait partant de chaque sommet du losange vers le point de symétrie.

• 

  Avec le compas, on place la pointe sur le centre de symétrie et la mine sur le sommet du triangle. On fait pivoter le compas puis on trace un arc de cercle qui vient couper la droite tracée et passant par ce même sommet et le point de symétrie.

• 

  On réitère l'opération avec tous les autres sommets.

• 

  Pour finir, on efface tous les traits en ne conservant que l'intersection entre les arcs-de-cercle et les traits.

Cela m'a permis de vous expliquer le principe de la symétrie centrale. Théoriquement, si l'on devait voir le résultat de notre cheminement, on obtiendrait :

Le losange en haut à gauche est notre losange originel. Son symétrique est le losange en bas à droite (forcément). On en déduit facilement (et plus qu'une déduction, il s'agit d'une explication avérée) que le losange a pivoté autour du point de symétrie. C'est d'ailleurs la raison pour laquelle les couleurs se sont inversées (vérifiez bien) ;) .

Maintenant que ces deux notions de symétrie sont acquises, vous aurez clairement plus de facilité à saisir le fonctionnement des transformations sur Photoshop.

Symétrie des axes

Et on commence fort puisque l'on va directement avoir affaire à la symétrie axiale. Tous les paramètres que nous nous apprêtons à étudier ne sont pas des outils à proprement dire. En tout cas, vous ne les retrouverez pas dans la boite à outils. Je dirais plutôt que ce sont des fonctionnalités de Photoshop, fonctionnalités que vous retrouverez en totalité en déroulant le menu Édition puis dans Transformation.

Les premières transformations que nous allons produire sont les deux dernières de la liste, à savoir "Symétrie axe horizontal" et "Symétrie axe vertical".

Et bien devinez quoi ? Ces deux types de transformation consistent à transformer un élément de la zone de travail... en son symétrique grâce à la symétrie axiale !

C'est parti pour un exemple illustré :) .

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© vhf/victor

Voici l'image que nous allons transformer. Franchement, ce n'est vraiment pas compliqué maintenant que vous avez acquis la notion de symétrie axiale. En reprenant l'exemple de la pomme, on sait que l'on détermine le symétrique d'une image en fonction de son axe de symétrie et à partir du moment où, si l'on plie la feuille en deux à partir de cet axe, les deux images se superposent.

Ce cas est avéré sur cet exemple. Nous avons d'un côté l'image originelle et à gauche son symétrique que j'ai nommé "transformation".

Vous l'aurez donc compris, avec les transformations "Symétrie axe", on est en mesure de transformer le calque en son symétrique.

Attention, il n'est pas question de créer un nouveau calque contenant le symétrique du calque originel car en transformant le calque, vous le remplacez par son symétrique.

En d'autres termes, si l'image originelle est la suivante :

En cliquant sur "Symétrie axe horizontal", vous la transformerez sur l'axe des abscisses et c'est son symétrique qui la remplacera.

De la même manière, en transformant l'image originelle sur l'axe des ordonnées (ce qui signifie à la verticale), on la remplace par son symétrique :

Carrément que vous vous trompez :D ! Bon, après, on peut trouver nécessité à cette transformation pour différents besoins, je ne saurais dire lesquels exactement. Je peux toutefois vous donner un ou deux exemples, le premier qui me vient étant lié au domaine de la photographie. Les explications suivantes, généreusement fournies par victor, fidèle membre du Site du Zéro reconnu pour son mauvais caractère ses talents de photographe, vous permettront d'en apprendre davantage sur le sens directionnel d'une photo,

Citation : victor

Quand on prend une photo, il faut prendre en considération le sens de la lecture.
En Europe et en Occident de manière générale, on lit de gauche à droite. Ainsi, dans les régions où on lit de gauche à droite, faire "regarder" le sujet d'une photo vers la droite donne une illusion d'ouverture.

Faire regarder le sujet vers la gauche produit l'effet inverse : fermeture.

C'est très présent dans la façon d'appréhender et de comprendre une image chez les photographes, et même si c'est totalement inconscient chez la majorité des gens qui ne sont pas forcément renseignés, cela influence énormément votre lecture (on parle de lecture d'image pour dire appréhension, compréhension) d'une image (à votre insu).

Exemple

Une voiture qui se dirige vers la droite donne l'impression de partir.
Si elle va vers la gauche de l'image, on pensera alors qu'elle arrive.

Idem pour un objet volant. Par exemple l'avion ou l'oiseau, pour faire croire qui s'élève dans le ciel, devra le faire d'en bas à gauche à en haut à droite. L'inverse, d'en bas à droite à en haut à gauche, serait en quelque sorte inesthétique pour des raisons purement liées à la photographie. Je peux te parler par exemple de la lecture en Z, mais ça, c'est une autre histoire (qui aurait beaucoup plus sa place dans un article de photographie que dans un cours dédié à Photoshop) :-° ...

Du coup, on peut avoir recours à cette transformation quand on a besoin de modifier la direction de notre sujet :

© vhf/victor

Ici, on peut se poser une question : lequel de ces couloirs est celui d'où on est venu et lequel celui où nous allons ?

Une voiture qui se dirige vers la droite donne l'impression de partir.
Si elle va vers la gauche de l'image, on pensera alors qu'elle arrive.

Idem pour un objet volant. Par exemple l'avion ou l'oiseau, pour faire croire qui s'élève dans le ciel, devra le faire d'en bas à gauche à en haut à droite. L'inverse, d'en bas à droite à en haut à gauche, serait en quelque sorte inesthétique pour des raisons purement liées à la photographie. Je peux te parler par exemple de la lecture en Z, mais ça, c'est une autre histoire (qui aurait beaucoup plus sa place dans un article de photographie que dans un cours dédié à Photoshop) :-° ...

Du coup, on peut avoir recours à cette transformation quand on a besoin de modifier la direction de notre sujet :

© vhf/victor

Ici, on peut se poser une question : lequel de ces couloirs est celui d'où on est venu et lequel celui où nous allons ?

Je vous rappelle que toutes les transformations se trouvent dans le même menu (Édition > Transformation).

Nous allons à présent utiliser la transformation nommée "Rotation". Sur Photoshop, la rotation désigne le fait d'effectuer un mouvement autour d'un seul et même point. Si vous avez bien suivi le chapitre, ce que je viens de dire devrait faire "tilt"... Vous voyez où je veux en venir ? Je veux faire référence au fameux point de symétrie que nous avons rencontré lors de mon explication sur la symétrie centrale. On va donc avoir affaire à elle (comme par haaaasard ! :D ) !

Un exemple arrive, n'hésitez pas à travailler avec moi !
Télécharger les deux fichiers sources : : fichier 1 - fichier 2
Rotation.psd - Horloge.png (Faites un clic droit puis 'Enregistrer sous...' pour télécharger cette dernière)

Voici les images sur lesquelles je vais vous expliquer comment cela fonctionne.

Souvenez-vous, la symétrie centrale se construit à l'aide d'un élément essentiel : le point de symétrie (déjà répété maintes et maintes fois). On se souvient alors que l'on avait tracé des droites puis des arcs de cercle permettant de créer le squelette du symétrique. Je vous rassure, nous n'aurons pas besoin de faire tout cela : tout est automatisé, nous n'aurons qu'à cliquer sur des boutons figurant dans le menu Transformation. D'ailleurs, en déroulant ce menu (Édition > Transformation), on a droit à trois fonctionnalités :

• Rotation 180°

• Rotation 90° horaire

• Rotation 90° antihoraire

Ces trois boutons vont nous permettre de définir un angle de rotation.

• Rotation 180° : on fait pivoter) la figure en fonction du point de symétrie sur 180°

• Rotation 90° horaire : on fait pivoter la figure autour du point de symétrie dans le sens des aiguilles d'une montre sur 90°

• Rotation 90° antihoraire : même fonctionnement, sauf que la rotation se fait dans le sens contraire des aiguilles d'une montre sur 90°

On donne alors trois angles à partir desquels l'élément sélectionné va effectuer une rotation, vous saisissez ?

Je vous présente le résultat de la transformation lorsque l'on demande à l'image d'effectuer une rotation à 90° horaire.

Sur notre horloge sans chiffre, le sens a changé. On peut notamment s'en rendre compte à l'aide du reflet visible sur le fond noir de l'horloge :

Et maintenant, le résultat une fois une rotation à 90° de type antihoraire effectuée.

De la même manière, toutes les feuilles ont été déplacée de 90° mais dans le sens contraire d'une aiguille d'une montre.

Quand on fait pivoter un élément à 90°, il faut juste "imaginer" que l'image de base est à l'origine présentée à l'horizontale pour se rendre compte qu'il s'agit bel et bien d'une symétrie centrale ;) .

L'homothétie est une transformation géométrique. Les définitions que l'on peut trouver sur la toile sont assez compliquées, on va se contenter d'utiliser la transformation pour comprendre son fonctionnement, ce sera plus explicite pour vous.

Jusqu'ici, nous n'avons pas eu besoin de manipuler quoi que ce soit. Tout ce que l'on a fait, c'est cliquer sur des boutons du menu à partir desquels une transformation s'effectuait automatiquement. Cette fois-ci, si nous cliquons sur le bouton Homothétie dans le menu Transformation, nous ne faisons qu'activer la fonctionnalité. Cela signifie qu'il faut l'utiliser manuellement avec la souris de son ordinateur.

Un exemple arrive, n'hésitez pas à travailler avec moi !
Télécharger l'image
SdZ.png

Pour cet exemple, je travaillerai sur ce document :

On aura tous reconnu le devenu-célébrissime logo du Site du Zéro. En allant chercher la transformation dans Édition > Transformation > Homothétie et en cliquant dessus, je m'aperçois d'un changement au sein de ma zone de travail : une sorte de cadre apparait.

Ce cadre signifie que la transformation est activée : nous allons pouvoir effectuer la transformation. Notre travail, à nous, consistera à déplacer les petits carrés transparents que l'on peut apercevoir aux bords et aux coins de l'image.

Pour cela, il suffit simplement de maintenir le clic sur l'un des carrés et de déplacer le curseur de sa souris. En le déplaçant, on va entrainer avec nous le carré transparent, qui lui va entrainer avec lui et étirer le logo.

La définition proposée par Wikipédia est particulièrement difficile à comprendre. Pour faire simple, je peux vous dire que cette transformation telle qu'on l'utilise en infographie va nous permettre de réduire ou agrandir une image sur la largeur ou la hauteur. Techniquement, c'est un peu plus complexe, mais on s'en tiendra à cette définition si vous le voulez bien.

Nous avons la possibilité de modifier la position de 8 carrés transparents : 4 aux coins et 4 sur les arêtes (c'est-à-dire les bords de l'image, pas besoin de vous faire un dessin non plus). Chaque carré permet de transformer l'élément encadré (ici, le logo du Site du Zéro). Par exemple, en travaillant sur le carré suivant, on va être en mesure de modifier la hauteur du cadre (et donc de l'image, puisque qu'il va l'entrainer avec lui).

De même, en travaillant sur le carré gauche situé au bord de l'image, on peut modifier la largeur de cette dernière :

Enfin, en modifiant la position de l'un des carrés transparents situés aux coins de l'image, on peut modifier la taille générale de l'image, c'est-à-dire la rétrécir sur la largeur et/ou sur la hauteur, autrement dit sur la diagonale.

Il faut maintenir le clic sur le carré transparent pour pouvoir le déplacer avec le curseur. Pour cet exemple, j'ai commencé par déplacer le carré transparent situé en haut, sur le bord de mon image. J'ai eu deux choix : soit agrandir la hauteur du calque, soit la rétrécir. Pour le coup, je l'ai rétrécie :

Remarque : sur l'exemple ci-dessus, on peut apercevoir en fond l'image originelle, c'est-à-dire celle qui n'a pas été transformée. Ne vous laissez pas tromper, c'est pour l'exemple uniquement ;) .

Pour valider la transformation (c'est-à-dire retirer le cadre et donc laisser l'image telle qu'on l'a transformée), j'ai utilisé la touche Entrée de mon clavier. Notez que j'aurais très bien pu cliquer sur le bouton suivant dans la barre des options :

;) .

Comme je vous l'ai dit, si l'on déplace l'un de ces petits carrés, nous pouvons transformer le calque sur l'axe X et Y (abscisses et ordonnées) c'est-à-dire sa largeur ET sa hauteur (on va alors effectuer un déplacement en diagonale). Faisons un essai :) .

Pour cet exemple, je travaillerai sur ce petit carré transparent.

Je vais alors cliquer dessus et appuyer simultanément sur ma touche Shift afin d'effectuer une diminution des tailles de l'image de manière proportionnelle.

On constate que l'image a globalement rétréci. Je valide ensuite la transformation, et voici le résultat obtenu !

Par comparaison, on remarque le changement de taille radical :

Transformer en homothétie, pour quoi faire ?

C'est une question qui va souvent revenir dans ce chapitre et celui qui suit. C'est la raison pour laquelle je vais, chaque fois que je juge nécessaire de le faire, vous proposer un exemple concret de ce à quoi peut servir telle ou telle transformation. Ainsi, vous pourrez vous faire une idée de l'utilité de chacune d'entre elles ;) .

L'exemple que j'ai choisi pour l'homothétie est basé sur l'incrustation d'une image dans un écran de télévision. On va donc commencer par choisir une télévision :-° .

J'ai alors cherché une image relative à la télévision à insérer dans cet écran. Allez savoir pourquoi, la première idée qui m'est venue est... le JT ! Et qui dit JT dit... PPDA :D .

Notre objectif sera le suivant : nous allons tenter de réduire la taille de cette image de sorte à ce que ses nouvelles dimensions nous permettent de l'insérer dans l'écran d'ordinateur. On va donc activer la transformation Homothétie avant de rétrécir l'image puis de la placer au niveau de l'écran.

Un nouvel exercice amusant !

Et si nous travaillions l'homothétie d'une toute autre manière ? On pourrait par exemple utiliser deux images aux sujets communs mais aux échelles différentes...

Pour illustrer l'homothétie, victor m'a suggéré un petit exercice de mise à l'échelle. Il m'a fourni deux photos que je vous présente ci-dessous. Chacune d'elles présente un appareil photo et une règle. Votre mission, si vous l'acceptez, consiste à "réunir" ces deux photos en une seule et même image sur laquelle les appareils photos apparaitront à la même échelle, ceci parce que l'on va faire superposer les mesures des deux règles et pour que l'on se rende bien compte de leur différence de taille.

Konica - © vhf/victor

Minox - © vhf/victor

N'hésitez pas à travailler avec moi !
Télécharger l'image KONICA
Konica.jpg
Télécharger l'image MINOX
Minox.jpg
Pour télécharger les images, faites un clic droit sur les liens puis "Enregistrer sous..."

Voici les consignes : on va chercher dans un premier temps à superposer les deux images. Ensuite, pour réussir l'exercice, nous allons réduire l'image de l'appareil photo Minox à l'aide de l'homothétie de sorte à ce que les mesures de la règle se superposent à celles de la règle de l'image du Konica.

Veuillez tout d'abord créer une nouvelle zone de travail aux dimensions supérieures à celles des deux images. Par exemple : 800*650px. On aura ainsi toute la place pour travailler ;) .
Puis, veuillez copier et coller les deux images ci-dessus ou les ouvrir dans Photoshop pour les faire ensuite glisser dans la zone de travail que vous venez de créer. Au final, la fenêtre de calques doit ressembler à celle-ci :

Nous allons maintenant réduire le calque Minox afin que les mesures de sa règle se superposent avec celles de la règle Konica.

Petit problème : la règle Konica est totalement masquée par le calque Minox qui figure en premier plan dans la fenêtre de calques. Si vous avez bien suivi depuis le début, vous savez qu'il existe une solution très efficace qui consisterait à modifier la transparence d'un calque, en l'occurrence celui de Minox, ceci dans le but de laisser apparaitre celui de Konica :-° ... Je vous invite alors à réduire l'opacité du calque Minox à 50% puis activer la transformation Homothétie sur ce même calque.

Nous allons utiliser l'homothétie afin de réduire l'image de l'appareil photo Minox pour que les mesures de sa règle se superposent à celles de la règle de l'appareil photo Konica. En d'autres termes, nous allons faire en sorte que les mesures 0 et 10 des deux règles ne fassent qu'une.

Allez-y, commencez. Utilisez l'homothétie afin de réduire proportionnellement (appuyer simultanément sur la touche Shift ou Command) l'image Minox et rassembler les deux mesures de chaque image que je viens de vous donner. Voilà où je veux en venir :

Validez la transformation quand vous la jugez correcte puis rétablissez l'opacité de l'appareil photo à 100%. Le travail est terminé, vous venez d'ajuster une image à l'échelle d'une autre :D .

On a pu, ainsi, se rendre compte de la différence de taille entre l'appareil photo Konica (plus imposant) et l'appareil photo Minox (plus petit) grâce à la transformation en homothétie ^^ .

Ahhh, cette nouvelle transformation, elle va vous plaire, cela ne fait aucun doute ! Nous nous intéressons désormais à la transformation nommée Inclinaison.

Quand on clique dessus, nous n'avons à priori rien de nouveau. On retrouve notre espèce de cadre avec ses fameux petits carrés transparents. Ce qui change, c'est quand on manipule ces petits carrés.

Ici, il n'est plus réellement question de symétrie mais de redressement. Nous allons tout bonnement incliner le calque (pas difficile à deviner, je le conçois :-° ), c'est-à-dire que l'on va le pencher et pourquoi pas même le coucher.

Un exemple arrive, n'hésitez pas à travailler avec moi !
Télécharger le fichier source
Inclinaison.psd

Voici l'image sur laquelle je vais vous proposer d'effectuer une inclinaison.

Une fois la transformation Inclinaison choisie, on l'active :

En maintenant le clic sur le carré transparent situé en haut au milieu de l'image puis en déplaçant le curseur vers la droite, on remarque que le haut du calque se déplace en conséquence sans que le bas ne bouge.

En transformant l'image à partir d'un des carrés situés en son milieu (comprendre tous les carrés sauf ceux qui se situent dans les coins de l'image), on ne travaille que sur l'axe des abscisses ou l'axe des ordonnées. Sur cet exemple, nous avons travaillé sur l'axe des abscisses (nous avons effectué un transformation de gauche à droite). On remarque alors que le déplacement a été totalement linéaire (si nous avions cliqué sur le carré transparent situé au coin inférieur droite par exemple, nous aurions pu effectivement travailler sur l'axe des ordonnées et des abscisses car nous aurions pu effectuer un déplacement de haut en bas et de gauche à droite).

Continuons. Là, on peut déjà dire que l'image est inclinée, mais allons accentuer cette inclinaison en travaillant sur ce petit carré.

Je déplace alors ce carré vers le bas.

Je vous invite à comparer les deux dernières images. La différente n'est pas très importante, mais clairement visible. N'oubliez pas qu'il faut taper sur la touche Entrée de votre clavier (ou cliquer sur le bouton prévu à cet effet dans la barre des options) pour appliquer la transformation.

Pour le plaisir, j'ai ajouté une petite ombre portée à l'image pour lui donner un peu plus de style.

En travaillant avec les coins de l'image, l'inclinaison sera encore plus prononcée. Je dirais même que l'image sera couchée, on donnera l'impression qu'il existe un sol invisible sur lequel l'image s'est posée.

Je vous propose un petit essai, toujours sur la même image bien entendu.

Nous allons maintenir le clic sur le coin inférieur droite de l'image.

Puis, nous déplaçons notre curseur comme nous l'avons appris. On note encore une fois la linéarité sur les deux axes ;) .

On y ajoute un petite touche personnelle, et voilà le résultat :-° ...

Plutôt sympa cet effet de perspective, n'est-ce pas ? :)

Allez, on passe au tout dernier chapitre avant d'attaquer la deuxième partie. Courage ! :)

Vous savez maintenant parfaitement où se trouvent les transformations, je n'ai pas besoin de vous le rappeler :) . Nous allons travailler avec la "Torsion".

Avant de cliquer où que ce soit, voici l'image sur laquelle je souhaite vous présenter mon exemple :

N'hésitez pas à travailler avec moi !
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Torsion.psd

Maintenant, on peut cliquer sur la transformation "Torsion" :D .

Une nouvelle fois, on retrouve le cadre avec ses petits carrés transparents. Rien de nouveau donc, nous allons devoir travailler avec ces derniers comme nous venons tout juste de le faire avec la transformation précédente.

On appelle "torsion" l'action qui consiste à tordre quelque chose. Cela veut dire que nous allons apprendre à... tordre un calque (si ça, c'est pas tordu !) :-° .

Le principe est toujours le même, on va choisir un carré transparent parmi les 8 visibles, maintenir le clic dessus puis déplacer le curseur de notre souris pour effectuer la torsion. Exemplifions :) .

J'ai décidé que j'allais tordre l'image à partir de son coin supérieur gauche.

D'un mouvement de souris qui m'a permis de déplacer son curseur et donc le coin supérieur gauche de l'image vers l'intérieur de cette image, je suis parvenu la tordre de cette manière.

Mais je ne me suis pas arrêté là ! Avant de valider cette transformation, j'ai entrepris une nouvelle torsion au départ du coin inférieur droite de l'image.

J'ai ensuite effectué la même opération que pour ma première torsion, c'est-à-dire que j'ai déplacé le petit carré transparent vers l'intérieur de l'image.

Voici le résultat final :

Bien que ça n'y paraisse pas, nous avons bel et bien effectué une torsion, c'est-à-dire que nous avons tordu l'image sans qu'au final, on puisse se rendre véritablement compte qu'elle ait été tordue. Du coup, on a donné de nouvelles apparences et perspectives à nos images, regardez.

Je trouve cette transformation vraiment passionnante. La diversité des formes qu'il nous est possible d'effectuer m'incite tout particulièrement à en faire usage dans mes projets :) . D'ailleurs, est-ce que vous vous souvenez de l'exemple que je vous avais proposé dans le chapitre des sélections ?

Comment ça, quel exemple ? :D Cet exemple, pardi ! (section "Transformer le contenu d'une sélection") On avait incrusté l'image d'une pizza dans un écran New-Yorkais, un peu à l'image de ce que l'on a fait avec notre PPDA national. Simplement, l'incrustation dans l'autre exemple est plus complexe dans la mesure où l'écran est quelque peu incliné. Enfin, vous savez comment faire maintenant, on peut soit utiliser l'inclinaison ou, si l'angle ne nous le permet pas, user de la torsion :) .

La transformation suivante ne porte pas son nom au hasard : elle consiste à donner de la profondeur au calque de sorte à ce qu'un effet de perspective apparaisse.

Oui, la perspective. S'il s'agit d'un terme utilisé dans divers domaines, nous traiterons la perspective géométrique (comme c'est étonnant :D !).

On construit la perspective à l'aide d'un point de fuite. Il s'agit d'un point inexistant et imaginaire sur lequel nous nous baserons pour concevoir notre construction. Voyez le schéma ci-dessous.

En haut, il y a le point de fuite : il n'existe pas, vous êtes censés l'imaginer. S'il apparait sur cette image, c'est bien entendu pour l'exemple. ;)

En bas, il y a le carré gris. C'est notre image, celle que nous allons transformer. Je l'ai nommée Figure.

Nous allons commencer par activer la transformation en cliquant sur "Perspective" dans le menu Édition > Transformation.

Ainsi, en déplaçant l'un des coins supérieurs de la figure, ici le coin gauche...

... vers le point de fuite que l'on imagine, on va également engendrer le déplacement simultané du coin opposé qui va alors lui aussi s'approcher vers le point de fuite et ce de manière totalement symétrique.

Ainsi, on crée une perspective car les côtés gauche et droit du carré se dirigent vers ce point de fuite. Pour que cet effet de perspective soit encore plus marquant, on peut rapprocher les deux coins du carrés de sorte à ce qu'ils se touchent carrément.

La perspective prend alors tout son sens quand on a donné de la profondeur à l'image.

Cela ne se voit pas car l'image est grise, neutre. En reprenant le même exemple mais avec une image avec un contenu, une route par exemple, on peut obtenir un résultat un peu plus sympa.

N'hésitez pas à travailler en même temps que moi !
Télécharger le fichier source
Route.psd

Voici une route des plus traditionnelles. Comme je vous le disais, en y ajoutant de la perspective, la route prend une toute autre apparence, on a alors l'impression qu'elle s'éloigne et que l'image elle-même est en 3D (les fameux mots clés !) :

Au fait, on n'est pas obligé d'imaginer un point de fuite au centre de la figure. En effet, en travaillant avec les carrés transparents du milieu (c'est-à-dire tous les carrés transparents qui ne sont pas aux coins de l'image comme ceux que l'on vient tout juste d'utiliser), on peut déplacer le point de fuite imaginaire. Regardez :

La perspective est la même. J'ai simplement modifié la trajectoire de la route en fonction d'un nouveau point de fuite. Pour modifier cette trajectoire, j'ai déplacé ce carré transparent :

Pas mal, n'est-ce pas ? :)

Eh bien mes amis, il faut dire que tout cela passe bien vite. On en est déjà à la dernière transformation ! Désormais, on va travailler avec la déformation :) .

Le plus gros de notre temps, nous avons appris à déplacer une image dans l'espace. Nous l'avons alors inclinée, couchée, tordue, perspectivée bref, de bien belles choses, mais nous ne l'avons pas encore véritablement déformée.

Oui, c'est vrai, mais vous allez vous rendre compte que les possibilités sont plus nombreuses avec la déformation et que les résultats sont franchement plus élaborés.

Par définition et sur Photoshop, on dit qu'une déformation est la modification de la forme ou de la taille d’une image. C'est donc ce que l'on va faire, ensemble, en travaillant sur cette image :

N'hésitez pas à travailler en même temps que moi !
Télécharger le fichier source
Firefox.psd

Souvenez-vous, pour chacune des transformations étudiées, chaque fois que l'on en activait une, notre image se voyait entourée de ce cadre :

Eh bien, figurez-vous que cela change légèrement quand on active la déformation.

Tout d'abord, il n'y a plus huit carrés transparents mais seulement quatre ! On les retrouve à chaque coin de l'image. D'autre part, on remarque l'apparition de nouveaux éléments, je veux parler de la grille qui traverse l'image et qui relie chacun de ces nouveaux points gris :

Cette grille, elle est l'atout principal de la déformation. C'est une fonctionnalité que l'on ne connait pas (elle n'est pas nouvelle pour rien) et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'elle en a dans le ventre !

En activant la déformation (je dis bien en l'activant seulement), on va rendre notre calque élastique. On va donc pouvoir l'étirer à notre guise pour le déformer (d'où le nom déformation), et pour cela, on va justement faire usage de cette grille.

Le principe de la déformation, c'est d'utiliser les différentes parties de la grille que l'on va alors étirer avec le curseur de notre souris. Avant, nous ne pouvions utiliser que les huit carrés transparents suivants :

Désormais, on va pouvoir utiliser entièrement l'image, c'est-à-dire la déformer dans sa totalité. Qu'il s'agisse des petits carrés transparents, des points gris ou de l'image en elle-même (c'est-à-dire à l'intérieur même de cette image), vous effectuerez bel et bien une déformation !

Avant toute manipulation, je vous signale que j'ai nommé certains éléments de la nouvelle grille.

Dans l'exemple ci-dessous, j'ai maintenu le clic sur le carré transparent du haut gauche de mon image et ai déplacé mon curseur vers son intérieur.

La déformation s'est correctement déroulée comme vous pouvez le voir. On a étiré le coin du haut gauche de l'image vers son intérieur comme convenu. On note cependant une nouveauté liée aux petits points gris : ils n'ont pas bougés et sont toujours reliés avec le carré transparent.

En fait, on va les manipuler pour changer la courbe de l'image qui se situe entre le carré transparent que nous venons de déplacer (il s'agit du carré que j'ai nommé C1) et les carrés transparents nommés C2 et C4. Si vous voulez tout savoir, nous aurions très bien pu les modifier avant même d'avoir touché au carré transparent.

Évidemment, on utilise ce point gris de la même manière que les carrés transparents, il suffit juste de maintenir le clic dessus et de déplacer son curseur ;) .

On peut remarquer que la courbe a bel et bien été modifiée !

Je vous ai concocté une petite image animée pour que vous puissiez comparer la courbe avant et après la déformation du point gris.

On ne va pas s'arrêter là. Un autre avantage que présente la déformation est de pouvoir déformer l'intérieur de l'image. Cela veut dire que l'on va procéder exactement pareil qu'avec les petits carrés transparents et les points gris, sauf que notre point de référence cette fois-ci, ce sera la grille qui traverse l'image.

Du coup, en déformant le milieu de l'image, on note une déformation de la grille :

Aucun carré ni point n'ont été déplacés sur cet exemple. Je n'ai fait que maintenir le clic en plein milieu de l'image et le déformer en bougeant mon curseur. Ainsi, on se rend compte à quel point la déformation est intéressante. On utilise très souvent cette fonctionnalité de Photoshop pour des images abstraites mais aussi énormément dans le domaine de la déformation photographique ;) .

Histoire de vous inciter à essayer la déformation autant que vous le pouvez, je vous propose un exemple. Je suis parti de ce rond :

Avec un peu de jugeote, on peut laisser parler sa créativité la plus profonde :D .

Plus sérieusement, prenons un exemple sensé, je vais déformer cette image :

Cette composition est constituée de deux calques : le rond au dégradé de gris pour le premier, tous les petits ronds noirs pour le deuxième. Je clique sur Edition > Transformation > Déformation.

Ensuite, je maintiens le clic au niveau des deux cercles rouge ci-dessous, et je vais, l'un après l'autre, les déplacer en diagonale comme ceci :

Ce qui donne :

On réitère l'opération sur la partie inférieure du rond, ce qui nous donne le résultat suivant :

Quand bien même le rond n'est pas devenu carré (ce n'était pas forcément ce que je recherchais, soit dit en passant), il est clair qu'il ne s'agit plus d'un cercle parfait.

On peut ensuite d'amuser à modifier de nouveau ce qui était anciennement rond, en maintenant le points noirs supérieurs et inférieurs, et les rabattant à l'intérieur de notre cadre de déformation :

Et pour ceux que ça intéresserait, on peut rendre notre dessin homogène en reproduisant la même opération sur les ronds :

Libre à vous d’interpréter ce dessin comme bon vous semble. A vrai dire, cela peut ressembler à quelque chose, mais aussi à rien : certains logos émanent de l'imagination des graphistes et n'ont pas forcément de signification pure et dure. Personnellement, ça me fait penser à une sorte de dé, ce sera donc mon interprétation à moi. :)

Finalement, j'espère que vous aurez saisi à quel point cette transformation est puissante. N'hésitez vraiment pas à faire des essais, vous serez sans aucun doute souvent amenés à utiliser la déformation.

Bon, même si je redoute vos réactions, je dois vous faire une petite confidence que je garderais bien pour moi. Ce que j'essaie de vous dire, c'est que... et bien, figurez-vous que je n'utilise absolument jamais les transformations que nous venons de voir ensemble.

Non, non, c'est la vérité. Enfin, quand je dis que je n'utilise pas les transformations, disons que je ne passe pas par le menu "Transformation". J'utilise un moyen différent, à savoir la Transformation manuelle.

Eh bien, rassurez-vous, la transformation manuelle regroupe absolument toutes les transformations que nous avons jusqu'ici étudiées, qu'il s'agisse de la rotation, de l'inclinaison ou bien même de la déformation. Il s'agit d'un tout-en-un que je préfère personnellement utiliser, après je n'oblige personne à me suivre, chacun procède comme il le veut.

Pour activer la transformation manuelle, il faut ouvrir le menu Édition et cliquer sur "Transformation manuelle" (juste au-dessus du menu "Transformation"), ou bien passer par la combinaison CTRL + T (Command (ou Pomme) + T).

Une fois activée, la transformation laisse apparaitre le cadre suivant.

Comme vous pouvez le remarquer, il s'agit du premier cadre que l'on ait connu avec la plupart des transformations étudiées (finalement, seul le cadre de la déformation changeait). Et bien figurez-vous que cette fois-ci, vous allez pouvoir effectuer toutes les modifications jusqu'ici étudiées rien qu'avec ce cadre et les touches de votre clavier (quand c'est nécessaire d'en utiliser).

Par exemple, en maintenant le clic sur l'un des carrés transparents situés sur les coins de l'image suivante et en appuyant simultanément sur la touche Shift du clavier, nous serons en mesure d'effectuer une transformation en homothétie. De même, si l'on ré-effectue cette même opération mais maintenant le clic sur le carré transparent situé en haut du calque au niveau de son bord et en appuyant cette fois-ci sur les touches ShiftetCtrl (ou Command/Pomme), nous aurons la possibilité d'incliner le calque :) .

Voici la liste des différents raccourcis à connaitre (après avoir activé la transformation).

• Homothétie : ne nécessite aucun raccourci. Il suffit de cliquer sur l'un des coins de l'image (et d'appuyer sur la touche SHIFT pour la proportionnalité).

• Rotation : ne nécessite aucun raccourci. Il suffit de maintenir le clic n'importe où en dehors du cadre puis de déplacer son curseur. Vous définissez alors très précisément l'angle de la rotation ;) .

• Inclinaison : SHIFT + CTRL (ou SHIFT + COMMAND si vous êtes sur MAC)

• Torsion : CTRL (ou COMMAND si vous êtes sur MAC)

• Perspective : aucun raccourci.

• 

  Déformation : aucun raccourci clavier. Cependant, vous trouverez le bouton

  dans la barre des options permettant d'activer la transformation.

Un petit exercice amusant

Maintenant que vous êtes à même de pouvoir faire une transformation sur un calque, vous allez pouvoir vous exercer sur un exemple plutôt amusant. Admettons que nous soyons en train de travailler sur cette image :

Le but de l'exercice est d'insérer l'image suivante à l'intérieur de la première de sorte à ce qu'elle apparaisse comme le contenu du tableau blanc à motifs situé à gauche de l'image :

Alors, nous allons transformer cette image pour qu'elle prenne de nouvelles dimensions et une nouvelle forme. Ensuite, on n'a plus qu'à !

Notez que j'ai ajouté une petite ombre interne pour améliorer l'intégration de l'image dans le tableau.

Et voilà que se termine ce dernier chapitre :) . Le moins que l'on puisse dire, c'est qu'on en aura appris des choses !

Selon moi, les infographistes ont constamment recours aux transformations dans leurs projets, même quand ça parait improbable au départ. C'est tout du moins mon cas. D'ailleurs, je n'ai pas besoin de vous dire qu'il ne faut en négliger aucune, hein ;) .

Ce qui est génial, c'est que l'on est en plein dans la modification de calque. Et maintenant que l'on est dans le vif du sujet, nous ne ferons que cela dans les prochains chapitres ! Modifications, modifications et modifications !

En même temps, à y lire le titre de la prochaine partie, c'est facile à deviner...

La première partie de ce tutoriel s'achève ici. Il n'est jamais facile de terminer tout une partie d'un cours contenant autant d'informations si l'on n'en trouve pas la motivation. Et pour ça, je tiens à vous féliciter. :)

J'oserais presque dire que vous ne faites plus partie de la catégorie des « novices », désormais ! Toujours débutant, certes, mais le cours est loin d'être terminé et vous avez encore bien des choses à apprendre avec moi !

Dans la prochaine partie, nous approfondirons nos connaissances en nous intéressant à un domaine particulièrement rattaché à Photoshop, je veux parler de la retouche photographique. Cela vous intéresse ? Alors passez à la suite, qu'attendez-vous !?

Un jour d'école, et plus précisément pendant un cours d'arts plastiques, le professeur nous avait demandé, à mes camarades de classe et moi, si nous savions ce qu'était une couleur.

"Une couleur ? Tss, fastoche."

Alors, tout le monde (moi compris) s'est empressé de demander la parole pour donner la réponse. Pourtant, quand le professeur m'a interrogé, je me suis retrouvé absolument sans réponse.

"Une couleur ? Hum... Je sais ce que c'est... Mais pourtant, je suis incapable d'expliquer quoi que ce soit o_O ..."

Je ne vous raconte pas la honte :p . Et si c'était mon tour de vous demander si vous savez ce qu'est une couleur ? Sauriez-vous vraiment me répondre ? Je vais faire en sorte de vous éviter ce supplice et vous proposer une explication avec des mots simples et accessibles tant la définition scientifique est trop complexe à mon goût.

Bon, vous le savez maintenant, je ne suis pas très doué pour les définitions. Celle-ci est tirée de l'encyclopédie Wikipédia, comme j'ai désormais l'habitude de le faire ;) .

Citation : Wikipédia

La couleur est une sensation qui provient de la capacité de l'œil humain de distinguer trois analyses différentes d'une vue : la vision rouge, la vision verte et la vision bleue.

La combinaison de ces trois visions permet de voir en couleurs.

En langage informatique, on nomme une telle combinaison un mode colorimétrique. Nous en avons déjà vaguement entendu parler dans le chapitre portant sur la création d'une zone de travail ;) . On présente les modes colorimétriques sous leurs abréviations respectives :

• RVB (du français Rouge-Vert-Bleu)

• RGB (de l'anglais Red-Green-Blue)

De manière métaphorique, on peut dire que l'œil humain est configuré au mode colorimétrique RVB. Il s'agit donc d'un mode "naturel" et commun à tous.

Comment fonctionne le mode RVB ?

Le mode RVB est défini par trois couleurs : le rouge, le vert et le bleu (au risque de me répéter). Ce sont les couleurs primaires du RVB (c'est-à-dire ses couleurs d'origine).

Lorsque l'on mélange ces trois couleurs entre elles (on appelle cela une synthèse additive, mais je ne vous demande pas de retenir ce terme), on engendre l'apparition de nouvelles couleurs : ce sont les couleurs secondaires. Par exemple, si on mélange le rouge et le vert, on obtient du jaune. De même, si on mélange le rouge mais avec le bleu cette fois, on obtient du magenta. Mais ne vous y trompez pas : cela fonctionne si et seulement si les couleurs proviennent d'une source lumineuse. On ne parle donc pas de peinture ou d'encre, juste de lumière.

Afin de générer différents tons de couleur, par exemple du jaune foncé ou du jaune clair, on va jouer avec l'intensité des couleurs primaires.

Oui, chaque couleur primaire du mode RVB et d'un quelconque autre mode colorimétrique d'ailleurs est caractérisée par son intensité. Pour le mode RVB, on définit cette intensité à l'aide de valeurs allant de 0 à 255 pour chacune d'elles.

• 

  Rouge : 0 (nulle)

  255 (max.)

• 

  Vert : 0

  255

• 

  Bleu : 0

  255

Il existe un schéma qui permet de représenter graphiquement la combinaison de chacune des couleurs. A première vue, il semble un peu complexe à comprendre mais avec un peu de concentration, vous réussirez à le déchiffrer :

Allez, un petit effort. :D Prenez 5 minutes pour bien analyser le schéma et le comprendre. Tout en haut, au-dessus de la couleur rouge, il est indiqué :

• R : 255

• V : 0

• B : 0

Ici, l'intensité du rouge est maximale (elle a atteint la valeur max. de 255). A contrario, celle des couleurs vert et bleu est nulle, c'est pourquoi il n'y a que le rouge qui apparait. C'est aussi le cas pour le vert (en bas à gauche) et le bleu (en bas à droite).

Oui, pour obtenir le cyan (en bas du schéma), on a combiné le vert et le bleu. Du coup, si l'on regarde le code d'intensité, ça donne :

• R : 0 (pas de rouge du tout)

• V : 255

• B : 255

Les valeurs du vert et du bleu sont maximales tandis que celle du rouge est nulle. C'est ainsi que le Cyan est formé. Et quand on mélange carrément les trois couleurs primaires (donc que l'on mélange le rouge, le vert et le bleu, tous trois en intensité maximale 255), ça donne du blanc ! Oui, oui, du blanc !

Attention, je vous rappelle que les couleurs RVB sont visibles par l'humain à partir du moment où elles sont tirées d'une source lumineuse. Du coup, si vous allumez deux lampes torches, l'une dont l'éclairage est vert et l'autre dont la lumière émise est bleue, et que vous ciblez les deux lampes à un même endroit, vous laisserez apparaitre non pas du vert ni du bleu, mais... du cyan. ;)
Et comme les pixels de votre écran envoient de la lumière, on peut facilement en déduire que les pixels sont "codés" en... RVB, c'est bien, vous suivez !

Si vous voulez tout savoir, il existe bien d'autres modes colorimétriques que le RVB. Sur Photoshop, la liste est relativement longue, je peux néanmoins vous en citer quelques uns pour l'exemple, comme le RVB, les niveaux de gris, les couleurs indexées et... le CMJN !

Il s'agit d'un mode que l'on appelle également quadrichromie et qui s'écrit CMYK en anglais. Si RVB signifie Rouge-Vert-Bleu, le CMJN regroupe quatre teintes :

• Cyan

• Magenta

• Jaune

• Noir

D'un point de vue schématique, on peut effectivement inverser toutes les couleurs du mode RVB pour obtenir celles du mode CMJN. Ainsi, on appellera la combinaison des couleurs du CMJN une synthèse soustractive, terme que je ne vous demande pas de retenir encore une fois. ;)

Un mode "dépassé"

Le mode CMJN n'a pas connu le jour tout de suite. En réalité, au départ, le mode n'était pas composé de quatre couleurs mais de trois seulement : on connaissait alors le mode CMJ pour Cyan-Magenta-Jaune (donc pas de noir).

Vous vous méprenez : le noir existait bel et bien. Et pour l'obtenir, c'était finalement assez simple, il suffisait de combiner les trois couleurs primaires du CMJ que l'on connait maintenant : le cyan, le jaune et le magenta. Un peu à l'instar du blanc que l'on obtient avec les couleurs primaires du RVB d'ailleurs. Regardez plutôt la représentation graphique du mode CMJ, cela vous parlera peut-être plus étant donné qu'il ressemble comme deux gouttes d'eau à celui du RVB :

Néanmoins, on a constaté que le mode CMJ n'était pas particulièrement efficace, du moins on s'en est aperçu quand on l'utilisait pour imprimer. En fait, l'explication, c'est que les cartouches d'imprimante n'étaient pas entièrement remplies de leurs couleurs respectives, elles ne l'étaient pas à 100% contrairement à ce que peut afficher le schéma ci-dessus (qui est correct, je vous l'assure : c'est juste à l'impression que l'on se rendait compte du contraire). Problème, si ces trois couleurs n'ont pas 100% de leur intensité, forcément, on n'a pas 100% de noir (mais plutôt du gris).

Ainsi, pour palier à ce problème de noir pas vraiment noir, il a juste fallu rajouter du noir pur, d'où ce nouveau mode que l'on connait et utilise aujourd'hui, le CMJN ;) .

Ici encore, on pourrait représenter graphiquement le CMJN et ses combinaisons de couleurs avec un schéma assez différent finalement des deux autres puisqu'on n'a pas trois couleurs, mais quatre : le cyan, le magenta, le jaune et... le noir !

On peut très bien utiliser le RVB pour imprimer. Du moins, en soi, c'est faisable. Mais on a tendance à utiliser le mode CMJN pour imprimer car il est fait pour ça. Disons que ce n'est pas une obligation, mais une possibilité. En fait, il vaut mieux qu'une image à imprimer soit codée au mode CMJN car le résultat sera plus optimal. Pourtant, quand vous prenez une photo avec votre appareil photo, vous allez capter les lumières de l'environnement et créer une photo numérique, c'est-à-dire au mode RVB...

Oui, de toute manière votre photo sera forcément en RVB si elle sort de votre appareil. Pour que l'impression fonctionne, il existe une automatisation qui consiste à convertir votre image RVB en une image CMJN. C'est d'ailleurs pour cela que je vous disais qu'il n'était pas obligatoire d'avoir une image au mode CMJN pour imprimer, même si techniquement l'image sera imprimée avec ce mode grâce à l'automatisation.
Notez toutefois que, d'une manière générale, les professionnels de l'imagerie ont tendance à convertir eux-mêmes leurs travaux RVB au mode CMJN (comprendre "manuellement") car l'automatisation peut engendrer une perte de qualité suffisamment importante à l'impression pour qu'une telle démarche soit nécessaire. D'ailleurs, la majorité des imprimeries vous demandera à coup sûr des images CMJN. ;)

On peut dire que la minute théorique est plus ou moins passée maintenant car vous allez devoir ouvrir Photoshop pour cette sous-partie. Avant cela, vous auriez très bien pu suivre ce chapitre sans même l'avoir ouvert au préalable !

On va se concentrer quelques minutes sur la palette flottante "Couleur" que j'appellerai fenêtre Couleur tout au long de cette partie pour que vous ne la confondiez pas avec un autre élément que nous allons aborder en même temps. Vous trouverez la fenêtre Couleur à droite de votre logiciel, à moins que vous ayez disposé votre espace de travail à votre sauce. :D

Au premier abord, vous ne devriez pas être trop perdu par l'interface de cette fenêtre. Si c'est le cas, ce n'est pas très grave je vous rassure. On a de toute façon déjà fait une belle avancée, moi qui disais il y a encore quelques chapitres que vous serez plus à l'aise avec l'interface de Photoshop au fur et à mesure que vous lirez le tutoriel, je suis sûr que c'est un peu le cas.

Comment lire et comprendre la fenêtre Couleur ? C'est plutôt simple en fait, d'ailleurs vous connaissez déjà à peu près tous les éléments qui la composent. Cette fenêtre n'est en fait qu'un concentré de tous les éléments que l'on retrouve dans la palette de couleurs que nous utilisons pour ouvrir le sélecteur de couleur et en définir une. Mieux encore, elle est un raccourci vers ce sélecteur.

À gauche de la fenêtre, juste en-dessous de l'onglet "Couleur", vous apercevez ceci :

. Si vous avez bien suivi le cours, vous vous souviendrez ce sont les couleurs de premier plan et d'arrière-plan. Il s'agit tout bonnement d'un raccourci, car on retrouve cette même palette dans la boite à outils :

Sur cette image...

• La couleur de premier plan est le noir.

• La couleur d'arrière-plan est le blanc.

Je vous invite à cliquer sur l'aperçu miniature de la palette de couleurs afin de remettre par défaut les couleurs de premier et d'arrière-plan. En cliquant, ce sont les couleurs noir et blanc qui remplaceront les précédentes.

Bon, essayons de creuser un peu et de voir comment fonctionne le reste de cette fenêtre. Nous nous intéresserons aux trois éléments ci-encadrés :

Chaque ligne se présente par une lettre suivie d'une jauge/frise et d'un champ blanc au chiffre 0. Les lettres représentent l'initiale des couleurs primaires du RVB, ce qui ne devrait pas vous étonner suite à ce que l'on vient d'étudier sur les modes colorimétriques.

Les jauges permettent de définir l'intensité des couleurs. En déplaçant le curseur de la jauge de gauche à droite, on réduit ou augmente l'intensité de couleur de 0 à 255. On peut aussi taper une valeur dans le champ blanc prévu à cet effet, il suffit de remplacer le 0.

Par exemple, en inscrivant la valeur 255 à la couleur rouge (R) et 255 à la couleur bleue, comme ceci...

... on obtient, oh, tiens, du magenta ! Cela ne vous rappelle rien ? :D Oui, rouge + bleu = magenta !

Finalement, c'est assez simple, vous inscrivez les valeurs de chaque couleur (rouge et/ou vert et/ou bleu) et vous obtenez leurs couleurs secondaires en fonction de l'intensité des couleurs que vous aurez définies grâce à la jauge ou le champ blanc.

Terminons avec le dernier élément de la fenêtre Couleur. Je veux parler parler de la petite frise colorimétrique que l'on trouve tout en bas :

C'est un vrai petit bijou car, en plus d'être super fonctionnelle, cette frise constitue la miniature du sélecteur de couleurs. Elle recense ici toutes les couleurs existantes du mode RVB : on a alors le rouge, le jaune, le vert, le cyan, le bleu et le magenta, sans parler du noir et du blanc. On les aperçoit ici même sur l'horizontale de la frise :

À l'image du sélecteur de couleurs, on peut définir la luminosité et la saturation des couleurs. Sur le sélecteur de couleurs, on faisait cela en déplaçant le rond transparent respectivement à la verticale et à l'horizontale :

Avec ce sélecteur miniature, c'est la même chose. Je dirais même que c'est plus simple (mais pas forcément très précis), on clique sur une couleur et hop, elle apparait en couleur de premier-plan dans la palette de couleurs. Et ainsi, les couleurs R V et B sont paramétrées comme le montre l'image ci-dessous.

Notre petit tour de fenêtre n'est pas encore terminé. Avez-vous remarqué le petit point d'exclamation accompagné d'un carré de couleur en bas à gauche ?

En fait, ce petit panneau "attention" vous indique que la couleur en vigueur n'est techniquement pas imprimable. Tout du moins c'est ce que constate Photoshop, lui qui n'en a que pour le CMJN quand il s'agit d'imprimer. Cet avertissement est très utile si vous projeter d'imprimer votre document, cela vous permet de savoir si vos couleurs passeront correctement ou non. De ce fait, Photoshop met une autre fonctionnalité à votre disposition : il vous génère automatiquement une alternative à la couleur non-imprimable que vous avez choisie. D'où le petit carré de couleur que vous trouverez juste à côté du panneau de signalisation sur lequel il faut cliquer pour le rendre effectif ;) . En résumé :

• Je définis une couleur via mon sélection de couleurs.

• Cette couleur n'est pas gérée par le mode CMJN, donc non-imprimable sans perte de qualité.

• Alors, le panneau "attention" vous signale que Photoshop vous suggère une nouvelle couleur proche de la vôtre que vous êtes libre de choisir en cas d'impression.

Je vous avais promis qu'on allait parler de couleur, je ne vous ai pas menti ! Ceci dit, vous avez appris des choses, aujourd'hui, n'est-ce pas ? :)

Le cours est loin d'être terminé, je dirais même qu'il commence véritablement maintenant. On est parti pour travailler les couleurs d'une photo pendant quasiment toute cette partie, même si bien entendu d'autres surprises vous sont réservées ;) .

De nos jours, prendre de belles photos est à la portée de tout le monde. On ne compte plus le nombre d'appareils photo performants que l'on trouve sur le marché, même les téléphones portables en sont maintenant équipés, c'est dire.

Très souvent pourtant, il arrive que les résultats ne soient pas ceux escomptés à cause, par exemple, d'une lumière trop importante émise sur le sujet de la prise. Cette lumière peut provenir de différentes sources : le soleil, une lampe, et même très souvent le flash de l'appareil lui-même ! Ce problème récurrent est dû au fait que l'appareil a capté trop de lumière au moment de la prise.

En photographie, on utilise un terme pour définir l'action d'un rayonnement lumineux sur une pellicule photographique : il s'agit de l'exposition. Ainsi, quand une photo est trop claire, disons plutôt trop lumineuse, on parle de surexposition, on dira alors que la photo est surexposée. On peut aussi très bien dire qu'une photo est sous-exposée, cela serait alors dû à un manque de lumière.

Notre objectif dans ce chapitre va être de régler cette surexposition dérangeante. Vos photos seront alors retouchées, certes. Mais au moins, elles ne seront plus bonnes à jeter à la poubelle et vous pourrez vous vanter d'avoir remis sur pied une photo à l'origine ratée ;) .

Niveaux de couleur

La première fonctionnalité que nous découvrirons dans ce chapitre consiste à régler les niveaux de couleur d'une image. Veuillez créer une nouvelle zone de travail puis ouvrir la fenêtre correspondant aux niveaux de couleur, via le menu Image > Réglages > Niveaux.

Mais au fait, il s'agit d'un réglage ! Et, souvenez-vous, il existe justement un calque spécialement dédié aux réglages ! Il s'agit du calque appelé Calque de réglage. Il vous suffit simplement de cliquer sur le bouton

en bas de la fenêtre de calque puis de cliquer sur "Niveaux". Ainsi, la fenêtre des niveaux de couleur s'ouvre, alors qu'un nouveau calque est créé :

Le raccourci clavier est le suivant : CTRL + L (Command (ou Pomme) + L)

Je vous conseille personnellement de créer un nouveau calque de réglage à chaque fois. C'est franchement plus pratique car il suffit simplement de supprimer ce calque pour annuler les réglages effectués, en admettant que vous ayez besoin de les supprimer, bien entendu ;) .

Je crois que vous serez d'accord avec moi, la première chose que l'on remarque en ouvrant cette fenêtre, c'est cet espèce de graphique noir pas très esthétique. En réalité, il s'agit d'un graphe que l'on appelle histogramme. Nous allons découvrir en quoi cet histogramme consiste et comment il faut le lire :) .

Sur Photoshop, l'histogramme indique le niveau (de détail) des tons d'une image. Il nous permet en fait de savoir si les tons de l'image sont suffisamment clairs ou suffisamment foncés pour ensuite faire des réglages si nécessaire. Ainsi, on retiendra trois types de tons :

• Tons clairs, que l'on assimile aux couleurs claires (blanches) d'une image.

• Tons moyens, que l'on assimile aux couleurs comprises entre le blanc et le noir (grises) d'une image.

• Tons foncés, que l'on assimile aux couleurs sombres (noires) d'une image.

Reconnaitre une image surexposée d'une image sous-exposée

Vous l'aurez compris, si les tons d'une image sont trop clairs, l'image est surexposée. A l'inverse, si les tons sont trop foncés, trop sombres, l'image est sous-exposée.

Pour différencier une surexposition d'une sous-exposition sans même comparer deux images l'une avec l'autre, on peut tout simplement jeter un œil sur l'histogramme de chacune d'elle. Je vous explique comment cela fonctionne.

• Le cercle noir encadre la petite flèche remplie elle-même de noir. En déplaçant cette flèche vers la droite, on règle l'intensité des sombres présents sur l'image. En d'autres termes, ce réglage permet de corriger les couleurs se rapprochant du noir sur l'image.

• La flèche blanche située quant à elle à droite et qui est justement entourée par le cercle blanc permet d'augmenter le niveau de luminosité des fortes lumières visibles à l'image.

• Enfin, le cercle gris encadre la petite flèche remplie elle-même de gris (les choses ne sont pas faites au hasard ;) ). On peut cette fois-ci faire varier la flèche de gauche à droite.

  - Déplacer le curseur vers la gauche permet de réduire à la fois l'intensité et le contraste de l'image.
  - Déplacer le curseur vers la droite permet d'augmenter l'intensité et le contraste de l'image.

  Attention, cela n'affecte en rien les modifications apportées à l'aide des flèches noire et blanche.

Vous savez maintenant comment gérer les niveaux de couleur. A gauche, ce sont les tons sombres. A droite, les tons clairs. Au milieu, les tons moyens, comme le montre le schéma ci-dessous.

Sur l'histogramme de l'image A, on remarque que le graphique n'occupe que la partie gauche de l'espace dans lequel il se trouve. Cela signifie que les valeurs de l'histogramme dans la partie droite (où le graphe n'apparait plus) sont nulles. L'image est sous-exposée.

A l'inverse, l'image C présente un graphique qui n'occupe que la partie droite de l'espace qui lui est réservé. Les valeurs de l'histogramme à gauche sont donc maintenant nulles : l'image est surexposée.

Enfin, l'histogramme de l'image B occupe toute la largeur dans l'espace qui lui est dédié, cela correspond à une image dont l'exposition est relativement correcte (malgré les variances que l'on peut constater mais l'essentiel, c'est que le graphe occupe toute largeur).

Si cela vous intéresse, voici un graphique un peu plus régulier afin que vous vous fassiez une petite idée :

N'hésitez pas à travailler avec moi !
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Contrejour.png

Il s'agit sans doute du cas le plus courant de surexposition et de sous-exposition. On parle de contre-jour dans une photo quand une forte source de lumière est face à celui qui prend la photo et éclaire le sujet par derrière. Alors, le plus souvent, l'arrière-plan est très surexposé tandis que le sujet de la prise est quant à lui beaucoup sous-exposé. Voici un cas de contre-jour :

Tiens, ça tombe bien, c'est l'image que je vous ai faite télécharger. On reconnait un cas de contre-jour sur cette photo à cause de la forte source de lumière provenant du ciel (ou plus précisément du soleil, pour ceux qui ne l'auraient pas remarqué...).

Pour l'heure, je vous propose de retravailler toute la partie sous-exposée de cette image. Et devinez quoi ? Nous allons régler les niveaux de couleurs de cette image :D !

Je n'ai pas besoin de vous rappeler comment on ouvre cette fenêtre, hein !

C'est un peu plus compliqué que ça, à vrai dire... Je vous ai dit que si le graphe n'occupait que la partie gauche ou la partie droite de l'espace qui lui est réservé, c'est que l'image était soit trop exposée, soit pas assez. Du coup, si on suit cette logique, on en conclut aisément que si ce graphe occupe toute la largeur de cet espace, c'est que l'image est correctement exposée. Pourtant, je vous avais tout de même signalé qu'un autre facteur devait être pris en compte : la variation du graphe.

Oui, la variation du graphe, regardez par exemple celui-ci :

Ici, il occupe toute la largeur disponible. En revanche, on remarque que la courbe n'est pas du tout constante : elle monte en flèche, puis redescend d'un coup, etc... autant de variations qui sont dues à l'intensité des tons de la photo (donc de son exposition). Je vous avais donc proposé un exemple d'un graphe plus constant, souvenez-vous :

Sur cet histogramme, le graphe est constant, régulier et occupe toute la largeur de la fenêtre :) .

Continuons avec la photo sur laquelle nous travaillions initialement. Notre objectif, je vous le disais, sera de régler la sous-exposition pour que l'image finale reprenne des couleurs et que l'exposition en devienne meilleure. Notre première manœuvre consistera alors à sélectionner toute la partie sombre de l'image afin de ne travailler qu'elle et de protéger la partie surexposée de l'image. Si nous n'effectuons pas cette manœuvre, absolument toute l'image va gagner en luminosité : à la fois la partie sous-exposée (ce qui nous intéresse) et la partie surexposée (ce qui nous intéresse moins !). Et pour effectuer cette sélection, rien de mieux que notre bon vieux Lasso polygonal

:D !

Le retour du Lasso Polygonal !

Veuillez tout d'abord sélectionner votre outil :) . Je vais ensuite devoir vous demander de créer une sélection autour de la partie surexposée de l'image, comme le montre mon exemple ci-dessous. Si je peux vous conseiller, vous n'êtes pas obligés de faire ça minutieusement, ce serait trop complexe. Contentez-vous simplement de détourer "à peu près" la zone surexposée de la photo.

En effectuant cette sélection, nous nous sommes donné la possibilité de travailler la zone surexposée de l'image. Pourtant, ce qui nous intéresse, nous, c'est de retravailler la partie sous-exposée...

J'en suis bien conscient, mais vous imaginez bien que je n'ai pas fait les choses au hasard :-° . A vrai dire, il existe une option qui permet de changer la partie sélectionnée avec celle qui ne l'est pas. Admettons que l'on ait sélectionné 1/4 d'image. Cela veut dire donc dire que les 3/4 restants ne sont pas sélectionnés. Et bien grâce à cette option, la sélection va s'intervertir et ce seront désormais les 3/4 de l'image restants qui seront sélectionnés.

Assurez-vous de bel et bien avoir l'outil Polygonal entre les mains. Puis, veuillez faire un clic droit à l'intérieur de la zone sélectionnée.

C'est alors que la partie surexposée de l'image n'est plus sélectionnée. En réalité, c'est maintenant la zone sous-exposée qui l'est !

Nous sommes donc fin prêts à régler la sous-exposition de l'image maintenant que celle-ci est correctement sélectionnée ! Et on ne va pas chômer, ouvrons directement la fenêtre qui nous permet de faire des merveilles :D !

Comme moi, vous aurez remarqué la transformation subie par le graphe. En fait, il change en fonction de ce que nous avons sélectionné dans l'image. Du coup, il occupe majoritairement la partie gauche de la fenêtre, sous-entendu que la partie de l'image sélectionnée est sous-exposée (et c'est ce que nous recherchions, ça tombe bien !).

Vous avez compris le principe, oui. Toutefois, travailler la chromie d'une image grâce aux niveaux de couleur ne se résume pas qu'à "déplacer les petites flèches". C'est un vrai travail qui demande réflexion et précision. Pourquoi ? Parce que si on ne réfléchit pas et que l'on se lance n'importe comment, on arrive très vite à des résultats... sophistiqués :D .

Évidemment, je caricature, il ne faut pas tout prendre au pied de la lettre. Nous travaillerons les tons clairs et moyens de la partie sous-exposée pour justement qu'elle ne le soit plus et qu'elle gagne en clarté. On ne va pas y aller par quatre chemins, je vous propose un exemple de graphe retravaillé :

Si vous décidez de reproduire ce graphe, vous pouvez utiliser les valeurs des niveaux d'entrée que voici : 6 - 2,73 - 193. Et là, surprise ! Votre image est totalement transformée, les couleurs sont clairement plus vives, on a atténué comme il fallait cette sous-exposition dérangeante.

Mais alors voilà, il subsiste un problème de taille que l'on remarque plus aisément quand on retire la sélection actuellement en route (pas le contenu hein, juste la sélection en elle-même :) ).

Bon sang comme c'est affreux :D ! Malheureusement, la zone retouchée ayant subi des modifications colorimétriques (liées à la couleur des nuages entre-autres), on note une distinction trop importante avec la zone non-retouchée et faut dire que cela gâche un peu tout le travail jusqu'ici effectué :( .

Il faudrait faire en sorte d'atténuer cette distinction entre la partie retouchée et celle intouchée pour que l'on remarque moins le contour trop net et 'cassant'. Pour cela, nous allons faire appel au fameux contour progressif. Il s'agit d'une option liée au Lasso Polygonal que l'on retrouve dans la barre d'options des outils :

Il est écrit 0 px dans le champs blanc du milieu. Cela signifie que l'on peut écrire un nombre de pixels mais aussi que ce nombre indique le taux de progression du contour de la sélection que l'on va justement exprimer à l'aide de cette unité (px)... Ainsi, plus le nombre de pixels est important, moins le contour de la sélection est net (le contour prendra alors une apparence floue). Sous entendu que, si vous laissez le contour progressif à 0 px, le contour restera très net comme ça a été le cas maintenant.

De ce fait, il va falloir ajouter un taux de progression au contour de la sélection pour atténuer le contour du calque pour qu'il n'apparaisse pas aussi net à l'écran. On y verra alors que du feu !

Un moyen de ne pas trop vous fatiguer, vous voulez dire ? :p

Ce qui me semble être le plus rapide (et surtout le moins fatiguant, oui, je sais...) en ce contexte serait d'annuler les dernières manipulations effectuées dans la zone de travail grâce à l'historique. Ainsi, en remontant cet historique, vous retrouverez la sélection de tout à l'heure, celle que vous avez supprimée quand je vous ai demandé de le faire. La combinaison des touches suivantes vous permettra également de revenir en arrière : CTRL + Z (Command (ou Pomme) + Z)

Remontez deux fois : une première fois pour retrouver votre sélection, une deuxième fois pour annuler la retouche. Il va falloir la recommencer !

Ici, vous ne pouvez pas utiliser la barre d'option des outils et inscrire un contour progressif à la sélection car celle-ci a été créée avant. Il faut toujours indiquer un contour progressif avant d'effectuer la sélection. Mais au lieu d'en recréer une, on peut avoir recours effectivement à l'historique. Une fois la sélection sous les yeux, il vous faudra faire un clic droit à l'intérieur de cette sélection puis cliquer sur le bouton "Contour progressif". Une nouvelle fenêtre apparaitra alors dans laquelle je vous invite à entrer la valeur 20px.

On remarque alors l'apparence nouvelle de la sélection qui devient beaucoup plus ronde : c'est bon signe, le contour est maintenant progressif.

Maintenant que le contour progressif est validé, il ne nous reste plus qu'à retoucher à nouveau l'image comme on vient de le faire.

Notre image s'est vue revêtir de couleurs moins ternes et plus vives. Finie la sous-exposition, on peut dire qu'on y voir plus clair. Je vous laisse le soin de comparer l'image initiale et l'image retouchée, je crois qu'il n'y a pas photo ! ;) N'hésitez pas à retravailler les niveaux de couleur même après les avoir réglés une première fois.

Concernant la partie surexposée, vous êtes désormais capables de le faire tout seul, la procédure étant la même. Allez, une seule petite difficulté peut-être, vous devez non pas modifier les tons clairs mais les tons foncés de la zone.

Je ne pouvais pas passer à la partie suivante sans traiter ce cas de mauvaise exposition ultra connu.

Quand on prend une photo portrait, c'est-à-dire une photo d'un visage, ce qu'il en ressort est parfois loin de ce à quoi on s'attendait : le visage peut s'avérer trop sombre ou trop clair. Les traits sont alors moins visibles, les couleurs moins apparentes et je ne vous parle même pas la mauvaise mine que cela donne à la personne photographiée !

Pour traiter un visage endommagé par une source de lumière trop importante, il existe une technique que nous avons déjà étudiée et même employée auparavant dans le cours. Si nous aurons à nouveau besoin des niveaux de couleurs comme vous vous en doutez, nous commencerons en revanche notre retouche photographique à l'aide des modes de fusions !

J'ai choisi de traiter le visage suivant. Vous approuverez mon choix quand vous verrez à quel point il est surexposé...

N'hésitez pas à travailler avec moi !
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Visage.png

Je ne vous mentais pas, hein, cette photo est bien caractérisée par une surexposition car on peine sérieusement à reconnaitre les traits de ce visage, tandis que les couleurs du visage sont relativement froides.

C'est bien possible, oui ! Mais bon, si on se rend compte que cela ne suffit pas, on pourra toujours par la suite régler les niveaux de couleur de l'image, rien ne nous en empêche du moins. ;)

Avant tout, il va nous falloir dupliquer le calque du visage pour que l'on utilise le mode de fusion sur cette copie afin qu'elle fusionne avec l'originale. Souvenez-vous, on utilise un mode de fusion pour que le calque de premier plan fusionne avec ce qui se trouve en arrière-plan.

Pour dupliquer un calque, je vous rappelle qu'il existe le raccourci clavier CTRL + J (Command (ou Pomme) + J).

Une fois le calque dupliqué, il ne nous reste plus qu'à lui définir un mode de fusion. Il suffit alors de faire dérouler la liste et de cliquer sur le mode qui nous intéresse, à savoir ici le mode PRODUIT.

Vous imaginez bien que je n'ai pas choisi le mode produit au hasard. Bien au contraire, j'ai décidé de prendre ce mode de fusion plutôt qu'un autre pour la bonne et unique raison qu'il a la vertu de "capturer" un excès de lumière et ainsi d'atténuer la luminosité trop présente au sein d'une image. Ainsi, le résultat final parait moins clair et cela s'avère très utile sur un visage car les traits en ressortent et cela tombe bien car c'est ce que l'on cherche à faire dans cet exemple !

Voyons ensuite à quoi ressemble notre zone de travail et plus précisément notre image :

Sans même avoir paramétré les niveaux de couleurs, nous avons réussi à ajouter du contraste à l'image et à faire ressortir chaque trait de celui-ci, sans oublier que les couleurs sont maintenant légèrement plus chaudes, plus apparentes. L'aspect général de la photo reste relativement froid, mais c'est aussi le sujet qui le veut : notre objectif n'était pas de modifier l'environnement de la photo mais bel et bien de renforcer les traits du visage et d'insister sur les couleurs.

J'estime personnellement qu'il n'est pas nécessaire de régler les niveaux de couleur de l'image car elle me semble tout-à-fait acceptable en l'état actuel. Vous pouvez néanmoins dupliquer le calque de premier-plan (celui dont le mode de fusion est PRODUIT) pour insister sur ce mode de fusion et renforcer le contraste déjà existant. Je ne vous interdis pas non plus d'utiliser les niveaux de couleur si vous souhaitez retravailler davantage l'image, évidemment. :)

C'est ainsi que s'achève ce chapitre portant sur la chromie. J'espère que vous ne qualifierez plus vos photos surexposées ou sous-exposées de "ratées" maintenant ! :)

Au fait, que l'on s'entende, la chromie regroupe bien d'autres techniques et ne signifie pas nécessairement "correction de l'exposition". Certaines des techniques que nous allons voir dans le prochain chapitre sont d'ailleurs elles aussi liées à la chromie.

C'est certainement le réglage le moins complexe de tous les réglages permettant de changer la couleur d'une image. Il est à la fois très simple d'utilisation et très puissant, c'est fait d'ailleurs partie de ceux parmi lesquels j'ai le plus souvent recours quand je travaille sur des projets de retouche.

La fenêtre que nous nous apprêtons à ouvrir se nomme "Teinte et Saturation". Nous allons donc avoir la possibilité de régler ces deux paramètres d'une photo, tout en ayant la possibilité d'y modifier sa luminosité. Un trois en un, quoi. :)

En premier lieu, veuillez ouvrir la fenêtre qui nous intéresse. Encore une fois, vous avez la possibilité de créer un calque de réglage en passant par le bouton Créer un calque de remplissage ou de réglage

en bas de la fenêtre de calques, ou bien vous pouvez effectuer ce réglage directement sur le calque sélectionné en passant par le menu Image > Réglages > Teinte/Saturation.

Ceci sans oublier les raccourcis clavier bien entendu.

CTRL + U
Command (ou Pomme) + U

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Teinte et saturation

Notre premier travail dans ce troisième chapitre consistera à... changer la couleur des yeux d'un visage humain. À moins que la nature vous ait bien dotés, je crois que l'on a tous rêvé un jour de savoir à quoi on ressemblerait avec des yeux bleus, verts ou même gris ! On va donc travailler ce que l'on appelle leur teinte et éventuellement leur saturation.

Du coup, on devine facilement que l'on ne se préoccupera que de la partie supérieure de la fenêtre :

Et voici l'image sur laquelle nous travaillerons :

Notre premier travail consistera à détourer les yeux de la jeune femme. L'idée, encore une fois, c'est d'utiliser le Lasso Polygonal

. Il faut sélectionner un œil dans un premier temps, puis sélectionner le deuxième en cochant l'option Ajouter à la sélection.

Je vous déconseille par ailleurs d'inclure la pupille des yeux dans votre sélection : une pupille est noire et doit le rester. Enfin, n'hésitez pas à ajouter 1 ou 2 pixels de contour progressif pour atténuer le contour trop net d'une sélection, comme on l'a fait pour corriger la sous-exposition de l'image du chapitre précédent.

Une fois vos sélections terminées, vous pouvez rouvrir la fenêtre Teinte et saturation.

Comme je l'ai dit précédemment, nous nous concentrerons sur deux réglages uniquement : la teinte et la saturation.

• Teinte : régler la teinte consiste à modifier la couleur de l'élément sélectionné, en l'occurrence les yeux. On peut alors passer du bleu au rouge, en passant par du jaune ou du vert.

• Saturation : régler la saturation consiste à modifier la vivacité de la couleur : soit plus vive, soit plus terne, jusqu'à même lui retirer toute saturation visible et la transformer en noir et blanc.

Nous procéderons en deux étapes. D'abord, nous définirons une nouvelle couleur pour les yeux de la jeune femme, ensuite nous travaillerons la saturation de la couleur choisie.

Pour modifier un paramètre, on se retrouve face à une petite flèche (encore !) que l'on peut faire varier de gauche à droite. On peut également utiliser notre clavier d'ordinateur pour taper une valeur dans le champs prévu à cet effet (là où sont inscrits les 0).

J'ai personnellement décidé de changer la couleur des yeux de la jeune femme en un jaune orangé complètement irréaliste. Peu importe, c'est pour l'exemple !
J'ai alors cherché la valeur qui semblait correspondre à mes attentes et me suis arrêté à -150. Si ça ne vous plait pas , définissez votre propre couleur.

Voilà pour la teinte. Faut dire que ce n'était pas très compliqué ! Intéressons-nous maintenant à la saturation de cette couleur. L'idée, c'est de rendre la couleur plus vive ou plus terne. Cela peut s'avérer utile pour donner, par exemple, un peu plus de réalisme à la modification... Regardez si je mets la saturation au maximum :

À moins que notre objectif soit de transformer la jeune femme en vampire, je crois que les yeux sont ici un peu trop saturés ! ;) Si, au contraire, on leur avait enlevé un peu de saturation, on aurait obtenu un résultat plus réaliste, même si des yeux jaunes, ça n'existe pas (histoire d'en rajouter encore une petite couche).

Hum, vous savez, après, on peut imaginer un peu tout et n'importe quoi. C'est à vous de déterminer en quoi cette fonctionnalité peut vous être utile. Je vous donne l'exemple des yeux, mais il en existe des milliers d'autres. On peut, par exemple, raviver les couleurs d'un paysage.

Observez cette image :

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Il s'agit d'un paysage tout droit venu de Bretagne. À première vue, cette image va vous sembler tout à fait normale, du moins au niveau de couleurs (comment ça, c'est pas normal qu'il ne soit pas en train de pleuvoir ?). À moins que, tout comme moi, vous ne les jugiez un peu trop ternes ?

Regardez avec quelle simplicité on peut arranger cela. Il suffit simplement d'augmenter la saturation de l'image pour obtenir un résultat tout bonnement exceptionnel. C'est le mot !

Alors, qu'est-ce que vous en dites ? Avouez que c'est quand même exceptionnel de pouvoir redonner autant de couleurs aussi facilement ! Enfin, j'ai tout de même noté un petit bémol dans cet exemple, je veux parler du banc. A l'origine, il est absolument tout blanc. Or, depuis que j'ai modifié la saturation de l'image, je trouve qu'il est devenu légèrement bleu.

Eh bien, vous le savez très bien. On détoure en premier lieu le banc avec le Lasso Polygonal (vous commencez à comprendre combien il est important de le maitriser maintenant ?) :

Puis on modifie la valeur de la saturation du banc pour la mettre à 0 ainsi que la luminosité éventuellement afin que le banc redevienne tout blanc.

Vous pouvez par la suite vous amuser à modifier la teinte de la globalité de l'image. On arrive parfois à obtenir des résultats... colorés. Bon, c'est souvent dénué de sens et il faut travailler avec précision pour obtenir de jolies images, mais rien ne nous empêche de nous amuser un peu :D .

Et voici maintenant l'effet ultime de la mort, le fameux noir et blanc tant convoité :D :

Pour créer cet effet, il suffit simplement de désaturer complètement l'image, autrement dit de déplacer la jauge de la "Saturation" à -100 . Vous pouvez accentuer cet effet noir et blanc à l'aide des niveaux de couleur si vous le souhaitez. Voici un petit aperçu de ce que cela pourrait donner :

Vous ne voyez pas vraiment la différence ? Mais si, voyons, regardez cette petite animation, vous allez vous en compte plus facilement :

Pour désaturer l'ensemble d'une image, vous pouvez également passer par le réglage suivant : Image > Réglages > Désaturation.

J'utilise les niveaux de couleur pour le noir et blanc, mais j'aurais d'ailleurs très bien pu le faire pour toutes les autres images ci-dessus. A vous de voir :) .

Et la luminosité ?

Dans tout ça, j'ai quand même réussi à oublier de vous parler de la luminosité ! Quoique je vous en ai touché un petit mot pour le banc du paysage.

Ce paramètre permet d'augmenter ou de diminuer la luminosité d'une image (c'était plutôt facile à deviner...). J'ai l'habitude de beaucoup utiliser la luminosité pour faire ressortir un élément précis d'une image qui est de couleur blanche. Cela ne sert pas qu'à cela, mais c'est du moins l'une des possibilités que nous offre cette fonctionnalité.

Le cas le plus courant que je recense se trouve être les dents que l'on a tendance à vouloir blanchir. Et c'est d'ailleurs l'exemple que je souhaite vous présenter pour illustrer l'une des multiples utilités de la luminosité. Voici l'image sur laquelle je vais travailler :

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Plus de surprise, j'entreprends le détourage des dents de la dame pour créer une sélection.

Enfin, j'ouvre la fenêtre Teinte/Saturation et modifie la valeur de la luminosité à 20. Ainsi, les dents paraissent de suite beaucoup plus blanches, peut-être même un peu trop ici... :euh:

L'essentiel, c'est que vous compreniez que l'on peut très aisément blanchir une zone déjà blanche grâce à la luminosité. N'hésitez pas à retravailler la saturation des dents pour qu'elles paraissent encore plus réalistes :) .

Le chapitre précédent portait sur l'exposition : nous avions alors cherché à atténuer un excès ou un manque de luminosité. Cette fois-ci, j'ai prévu de vous faire retravailler une image composée en majorité d'une couleur qu'on qualifiera d'excessive.

Cela signifie par exemple que la photo en question apparait comme étant teintée par une seule couleur ou presque. Voici un exemple, cela vous parlera peut-être déjà plus. C'est l'image sur laquelle nous travaillerons :

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Incontestablement on remarque que la couleur bleue est trop importante ici, à croire que l'on a posé un film bleu sur la pellicule au moment de prendre la photo. Pourtant, ce n'est pas le cas, croyez-moi, c'est moi qui ai pris cette photo. Cette mauvaise colorimétrie de l'image est en fait due à une température de couleur trop froide de la lumière éclairant la scène, il s'agit plus techniquement parlant d'un problème de balance des blancs comme on dit dans le jargon. Notre objectif sera donc de retirer le trop plein de bleu et de donner plus de couleurs à l'image finale.

Nous utiliserons pour cela la célèbre balances des couleurs, que vous trouverez dans le menu Image > Réglages > Balances de couleurs. Vous pouvez également créer un nouveau calque de réglage via le menu prévu à cet effet en bas de la fenêtre de calque

:

Ou bien, plus simplement, en passant par le raccourci clavier CTRL + B (Command (ou Pomme) + B).

Comme son nom l'indique, ces paramètres consistent à faire la balance entre plusieurs couleurs pour travailler les couleurs initiales d'une image en fonction des différents tons de cette même image. Cela signifie que s'il y a trop de bleu, on va retravailler toutes les autres couleurs sur tous les tons de sorte à atténuer ce bleu et faire apparaitre de nouvelles couleurs à l'image.

Nous débuterons notre retouche en retravaillant les tons foncés de l'image. Je vous invite en conséquence à cocher les tons foncés dans la balance des tons :) .

Comme notre but est de retirer un maximum de bleu dans l'image, nous allons déplacer les petites flèches situées sur les jauges à l'opposé de ce qui s'apparente à du bleu. De ce fait, nous ferons glisser la flèche située entre Cyan > Rouge vers le rouge et la flèche du Jaune > Bleu vers le Jaune. Pour le moment, on ne touche ni au magenta, ni au vert.

Premier résultat :

Le bleu est tout de suite moins intense, c'est plutôt bon signe :) . Mais il est encore bien trop présent à mon goût, on va donc s'affairer à régler les tons moyens. On clique alors sur le bouton "Tons moyens" et on ré-exécute la même opération que pour les tons foncés.

Deuxième résultat :

Ahhh. Les couleurs commencent doucement à apparaitre tandis que le bleu a presque disparu, on a apparemment plus de jaune et de rouge maintenant. Et c'est normal, puisqu'on a fait la balance entre le bleu et ces deux couleurs-là. Enfin, peu importe, on continue sur notre lignée, il faut faire disparaitre toute trace de bleu, même sur les tons clairs de l'image. Vous savez ce qu'il vous reste à faire, vous cochez les tons clairs dans la balances des tons et vous déplacez les curseurs à l'opposé du bleu et du cyan.

Troisième résultat :

Et là, c'est le drame. On constate que le rouge et le jaune ont maintenant envahi la majorité de l'image, on les qualifierait même d'excessifs :lol: . Et puis, on n'a même plus de bleu, c'est dire ! Mais rassurez-vous, ce résultat est en quelque sorte voulu, du moins on va dire qu'il est normal. On avait un objectif, retirer toute trace de bleu. Le moins que l'on puisse dire, c'est que c'est réussi. Du coup, le plus gros du travail a été abattu, il nous reste en fait un dernier petit réglage à faire et l'image sera finalisée bien comme il faut.

L'image à l'origine est bleue. Il faut donc garder une certaine uniformité et ainsi laisser un peu de bleu pointer le bout de son nez sans quoi l'image perdrait de son réalisme. On va par conséquent réutiliser la balance des couleurs en commençant par les tons clairs pour voir ce que cela donne. Vous verrez, on n'a pas grand chose à faire normalement... :-°

Après avoir coché la case des "Tons clairs", je vous demanderais de bien vouloir cliquer sur le bouton "Conserver la luminosité" que vous trouverez en bas de la fenêtre. Cela va nous permettre de retrouver la source de luminosité initialement captée par l'appareil photo, on va avoir l'impression que la luminosité sera accentuée.

À partir de maintenant, on n'a plus qu'à régler à nouveau les couleurs pour obtenir un résultat plus réaliste. Alors attention, il ne faut pas faire ça tête baissée sans réfléchir un minimum. La première étape nous a permis d'éliminer tout le bleu. Maintenant, on veut retrouver du bleu, mais pas seulement ! Donc contrôlez-vous et ne m'en remettez pas trop. Cette deuxième étape consiste à faire apparaitre de nouvelles couleurs. Voici les réglages que j'ai personnellement effectués, cela m'a semblé être le résultat le plus intéressant :

Quatrième résultat :

Je ne sais pas vous, mais, si on se rapproche d'un bon résultat, j'estime que c'est encore trop jaune vers le bas de la photo. Par déduction, j'en suis venu au fait que les éléments du bas de la photo se trouvaient être dans des tons plutôt foncés (c'est du moins l'impression que cela me donne...), je vais par conséquent retravailler une dernière fois les tons foncés de sorte à ajouter un zeste de bleu, comme je le conseillais plus haut.

Et voilà le travail, la photo finale a carrément évolué et elle est désormais totalement différente de l'originale. On retrouve plus de couleurs, plus de contrastes et surtout moins de bleu. Cinquième et dernier résultat :

Rien ne vous empêche de bidouiller un peu si vous souhaitez obtenir des résultats encore plus spectaculaires. :)

Au cours de mes projets, il m'est arrivé que l'on me demande quelque chose d'assez intriguant. Le client a formulé sa demande de cette manière :

Le client : "Au cours de mon dernier voyage, j'ai pris deux photos de mon salon. Malheureusement, les couleurs de la première sont bien trop sombres par rapport à celle de la deuxième. Que pouvez-vous faire ?"

La première solution qui m'est venue à l'esprit (et je suppose que c'est également votre cas) était d'utiliser les niveaux de couleurs car l'une des deux images était sous-exposée. Mais j'ai finalement opté pour un réglage qui a été conçu à cet usage, il s'agit de la correspondance de la couleur.

Le principe est plutôt simple : on prend une image de base, on demande gentiment au logiciel de faire correspondre les couleurs d'une autre image avec celles de l'image de base et on refait quelques petits réglages de finition si nécessaires. C'est pas plus compliqué que ça :D !

Voici les deux images sur lesquelles nous allons bosser. La première est l'image de base, l'autre l'image de référence, c'est-à-dire celle dont les couleurs nous intéressent.

1. Image de base

2. Image de référence

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Il faut ouvrir les deux images sur Photoshop, chacune ayant sa propre zone de travail. En réalité, nous travaillerons sur l'image de base uniquement en utilisant l'image de référence pour neutraliser ses couleurs et les faire correspondre avec l'image de base. Du coup, je vous demande de mettre en avant-plan la zone de travail contenant l'image de base, comme ceci :

L'image de base se nomme Correspondance.png sur cet exemple, tandis que l'image de référence est intitulée Correspondance1.png

Ensuite, veuillez cliquer sur le bouton du menu Image > Réglages > Correspondance de la couleur....

Une nouvelle fenêtre apparait.

C'est ici que tout se passe, par le biais de cette fenêtre que nous définissons l'image de référence et que nous effectuons les derniers réglages de finition.

Pour commencer, nous allons dire au logiciel quelle image nous utiliserons comme référence car lui ne le sait pas. Pour ce faire, nous allons regarder en bas de la fenêtre, dans la catégorie "Statistiques de l'image" et nous utiliserons la liste déroulante suivante :

En l'ouvrant, on fait afficher deux titres d'image : le titre de la photo de base (Correspondance.jpg) et celui de la photo de référence (Correspondance1.jpg). Nous cliquerons sur le titre de la photo de référence pour la définir comme telle.

On a d'ores et déjà une image relativement bien transformée, aux couleurs vives et chaudes, comme celles que l'on trouve dans l'image de référence :) . Allez, je vous la remets sans le montage du dessus juste pour le plaisir des yeux :D :

Mais ce n'est pas forcément terminé... Cela dépend de votre jugement : si vous la sentez bien comme cela, alors il n'est pas nécessaire d'effectuer des réglages supplémentaires et votre image est terminée. Si toutefois vous n'êtes pas satisfait, certains réglages vous sont mis à disposition. Vous le trouverez dans la partie supérieure de la fenêtre, catégorie "Options d'image".

• Luminance : accentuer ou atténuer le taux de lumière visible sur l'image.

• Intensité de couleurs : augmenter ou diminuer l'intensité des couleurs présentes à l'image.

• Fondu : augmenter ou diminuer la transparence des couleurs de la première image par rapport à la deuxième.

Un petit mot sur le bouton "Neutraliser" : en cochant cette option, vous supprimerez automatiquement une éventuelle dominante de couleur dans l’image cible.

Maintenant, je vous laisse effectuer les réglages que vous jugez nécessaires de paramétrer. Pour ma part, j'ai réduit un peu la luminance et l'intensité des couleurs que je jugeais trop fortes. Je n'ai pas coché la case "Neutraliser".

Bon, c'est très léger mais à comparer, je vous assure que la différence est bien présente.

On passe à la suite :) .

On peut avoir recours à ce nouveau réglage pour deux grandes raisons selon moi. La première consisterait à remplacer l'une des couleurs qui composent une image, la seconde à isoler cette couleur de toutes les autres. Pour cette dernière, on sature en fait toutes les couleurs de l'image (on les transforme en noir et blanc) hormis une seule, celle que l'on souhaite justement isoler. Ainsi, on fait ressortir cette même couleur pour faire d'elle la couleur prédominante de l'image. Cet effet est souvent utilisé sur des images dont le sujet est connu comme étant caractérisé par sa couleur, à l'exemple des cabines téléphoniques anglaises que l'on connait pour leur rouge pétant.

Ce réglage est très facile d'utilisation et cela fait de lui un réel atout. Aucune manipulation, aucun détourage. Et le plus fort, c'est que l'on n'a pas besoin d'outil, il suffira simplement de jouer avec des paramètres comme on a maintenant pris l'habitude de le faire tandis que le logiciel s'occupera du reste :soleil: .

Nous tenterons les deux techniques évoquées plus haut. Pour commencer, nous n'allons non pas reproduire l'exemple ci-dessus (qui consistait à isoler le rouge du reste) mais allons plutôt tenter de remplacer ce rouge par une couleur différente.

Remplacer une couleur

Quelques explications...

En quoi consiste le travail que nous nous apprêtons à effectuer ? Pour vous expliquer, je n'ai pas trouvé mieux que de vous proposer un schéma très simple. Ainsi, nous admettrons qu'une image est majoritairement composée de ces 5 couleurs :

On y retrouve deux gris (foncé et clair), du orange, du vert et enfin, du rouge. Bon, il s'agit bien d'un exemple, ne vous y trompez pas : une image est évidemment composée de plusieurs milliers de couleurs différentes. Ici, je vous présente simplement les couleurs dominantes de l'image.

Notre objectif ici consistera à remplacer la couleur rouge (à droite du schéma) par une autre couleur, disons du bleu.

Nous retrouvons absolument toutes nos couleurs du dessus dans ce schéma, à l'exception du rouge qui a été remplacé par du bleu comme je le souhaitais. Cela signifie qu'il n'y a absolument plus du tout de rouge visible sur l'image car le bleu a pris sa place.

Fonctionnement

Après la théorie, la pratique. Il est temps de commencer, nous allons apprendre à remplacer le rouge par une autre couleur. Ouvrons tout d'abord la fenêtre du réglage. Pour ce faire, il suffit de cliquer sur le bouton du menu Image > Réglages > Remplacement de couleur....

Notre premier travail consistera à sélectionner la couleur que nous souhaitons remplacer au sein de notre image, au sein de notre zone de travail, c'est-à-dire le rouge de la cabine téléphonique. De ce fait, il nous faudra tout d'abord nous intéresser aux trois motifs successifs représentant la pipette que l'on a connu dans la première partie de ce cours.

En théorie, la petite pipette n'a qu'une seule et même fonctionnalité et c'est celle que nous connaissons déjà : elle permet en effet d'"absorber" une couleur et d'y transférer son code hexadécimal dans la palette de couleurs. Mais alors, pourquoi trois vignettes ? On les différencie les unes des autres grâce aux petits signes mathématiques qui les accompagnent :

• La vignette de gauche est la pipette traditionnelle, celle que nous connaissons et que nous venons de définir.

• Celle du milieu (avec le signe +) permet d'absorber d'autres couleurs en plus de la première. Par exemple, si vous sélectionnez du bleu dans un premier temps et que vous souhaitez sélectionner du orange en même temps, vous n'aurez qu'à utiliser la pipette "Ajouter" (c'est son nom) et sélectionner ces deux couleurs.

• A l'inverse, la pipette de droite (avec le signe -) consiste à retirer une couleur déjà absorbée. Si vous avez absorbé du bleu, vous pouvez le retirer en le ciblant à nouveau dans la zone de travail mais avec cette fois-ci la pipette "Retirer". Ainsi, le bleu absorbé ne le sera plus.

Nous commencerons ici par utiliser la pipette "normale" afin de sélectionner une couleur dans l'image en cours de modification.
Il s'agira de cliquer n'importe où dans la zone de travail tant que vous ciblez le rouge de la cabine téléphonique. De mon côté, j'ai cliqué par ici :

Quand c'est cliqué, on peut voir quelle couleur a été absorbée et si la sélection est correcte ou non grâce à l'aperçu offert par la fenêtre du réglage :

Le carré de couleur rouge situé en haut de la fenêtre confirme que nous avons bel et bien sélectionné du rouge. Mais le plus intéressant se trouve un peu plus au centre, là où l'on a droit à un aperçu en noir et blanc de la cabine téléphonique.

En dessous de cet aperçu, on peut apercevoir deux cases à cocher :

• Sélection

• Image

En cochant "Image", l'aperçu est en couleur, copie parfaite de la zone de travail telle qu'on l'a laissée avant d'ouvrir la fenêtre du réglage. Or, le lien coché par défaut reste pourtant "Sélection" et ce n'est pas plus mal car c'est celui que j'avais justement prévu de vous faire utiliser.

Je préfère ce mode-ci car l'aperçu est beaucoup plus parlant à mon humble avis. En effet, nous allons profiter du blanc et du noir pour distinguer les couleurs absorbées de celles qui ne le sont pas. En d'autres termes, les couleurs absorbées à la pipette deviendront blanches dans l'aperçu tandis que toutes les autres deviennent noires. Plus l'objet dont nous souhaitons remplacer la couleur se distingue du décor grâce à la différence blanc/noir, plus le remplacement de couleur sera optimal.

Incontestablement, la cabine téléphonique dans mon exemple se détache bien du reste : elle est blanche comme neige dans l'aperçu tandis que le fond est tout noir. On y est : maintenant que la cabine a été isolée du reste, on n'a plus qu'à modifier sa couleur.

N'hésitez pas à faire varier la barre de tolérance située au-dessus de l'aperçu. Plus la valeur est importante, plus le réglage "tolère" les variantes de rouge par rapport à celui que vous avez sélectionné. Cela veut dire que moins la valeur de tolérance est importante, moins le réglage prendra en compte les couleurs similaires au rouge que vous viendrez d'absorber (logique...).

Bon, le plus gros du travail a été abattu, la suite va s'avérer beaucoup plus facile je vous rassure :D . Nous avons passé en revue tous les éléments de la fenêtre du réglage, à l'exception de ceux-ci...

"Remplacement" ! Voilà qui devrait nous intéresser ^^ . Voyons voir, qu'avons-nous ici ? Cette partie de la fenêtre présente trois paramètres : la teinte, la saturation et enfin, la luminosité. Cela ne vous rappelle rien... ?

Bien sûr ! On retrouve ces mêmes paramètres dans la fenêtre "Teinte/Saturation", cette même fenêtre que nous venons tout juste de découvrir en début de chapitre. Vous savez donc ce qu'il vous reste à faire, c'est-à-dire faire varier de gauche à droite la teinte (pour modifier la couleur initiale qui est le rouge), ainsi que la saturation et la luminosité si cela vous semble nécessaire.

Ainsi, en indiquant les valeurs suivantes...

• Teinte : -152

• Saturation : -34

• Luminosité : +18

... J'obtiens ce résultat-ci !

Malheureusement, on peut encore apercevoir des traces de rouge autour de la cabine. Cela est dû à l'absorption du rouge avec la pipette que je n'ai semble-t-il pas assez correctement effectuée. Mais aucune raison de paniquer : il suffit simplement de rouvrir la fenêtre du réglage "Remplacement de la couleur...", réutiliser la pipette normale et sélectionner les éléments encore rouges (n'hésitez pas à utiliser la tolérance si vous êtes dans le même cas que moi !) pour finalement obtenir un résultat plus convenable :

Isoler une couleur dans une image

Essayons maintenant la deuxième technique dont je vous ai parlé qui consiste à isoler une couleur des autres. Vous allez voir que la procédure n'est que légèrement différente de celle permettant de remplacer une couleur. Je vous rappelle que "isoler une couleur", ça revient à "désaturer" toutes les autres pour ne laisser apparaitre que celle-ci. Cela signifie que nous n'allons conserver que le rouge de la cabine téléphonique et transformer en noir et blanc le reste de l'image.

Je vous invite à fermer le travail que vous venez de produire et à rouvrir une nouvelle zone de travail avec l'image de la cabine téléphonique de couleur rouge. En gros, je veux que vous ayez cette image sous les yeux :

Je vais également vous demander de bien vouloir rouvrir la fenêtre du réglage intitulé "Remplacement de la couleur...". Il va falloir refaire exactement la même chose que ce que l'on vient de faire, mais dans le sens inverse. Ainsi, il va falloir sélectionner absolument toutes les couleurs à part celle que nous souhaitons isoler, en l'occurrence la couleur rouge. Et prenez garde ! Comme nous allons chercher à absorber plusieurs couleurs en même temps, nous profiterons de la pipette "Ajouter" qui sert justement à cela.

Veuillez sélectionner toutes les couleurs présentes dans cette image hormis celles qui s'apparentent à du rouge, c'est-à-dire la cabine téléphonique. J'aimerais au mieux que vous arriviez à ce résultat dans l'aperçu en noir et blanc :

N'hésitez pas à faire usage de la tolérance pour un résultat plus optimal. Comme vous pouvez le constater, ce n'est plus la cabine qui est blanche mais tout le reste, et c'est justement ce que nous cherchions à faire ! Du coup, c'est désormais la cabine qui est de couleur noire, nous avons donc fait du bon boulot :) .

L'ultime étape consiste à travailler la saturation de la zone blanche (du décor donc) : on va pour ce faire transformer la valeur actuellement de 0 pour la modifier à -100 (désaturation totale). Eventuellement, vous êtes libre de travailler la luminosité si cela vous semble nécessaire. Pour ma part, je l'ai réduite à -15 afin de faire ressortir davantage le rouge de la cabine. Et voici le résultat :

Mon premier exemple (au tout début de cette partie) présentait un gris beaucoup plus foncé, la luminosité était en effet beaucoup moins importante.

Nous en avons provisoirement terminé avec les réglages sur Photoshop. Cela ne nous empêchera néanmoins pas de travailler les couleurs de nos images dans le prochain chapitre.

Il est temps de sortir la grande artillerie, on va (enfin) utiliser ce qui se trouve dans la boite à outils de Photoshop à savoir... des outils ! :D

La densité des couleurs d'une photo. En voilà des termes plutôt étranges que l'on assimile difficilement avec la photo, du moins au premier abord, surtout quand on n'y connait pas grand chose dans ce domaine.

En réalité, corriger la densité d'une image consiste tout simplement à retravailler les tons de couleur de cette image. On peut alors par exemple avoir pour objectif de fortifier ses contrastes, on va donc renforcer ou atténuer les trois tons de couleur que l'on connait sur le bout des doigts maintenant : tons clairs, tons moyens et tons foncés.

Le principe est le même. Avec les niveaux de couleurs, on modifiait les tons de toute l'image, dans son intégralité. On ouvrait alors la fenêtre "Niveau de couleurs", on réglait la jauge de gauche à droite et le tour était joué.

L'outil de densité est un pinceau avec lequel nous allons engendrer des modifications précises et ciblées. En fait, grâce à cet outil, on va choisir quelle partie de l'image traiter précisément grâce au curseur de notre souris et en définissant entre autres la taille de notre pinceau. On va donc être en mesure de travailler sur une partie restreinte de l'image. C'est un travail, ma foi, plus long mais aussi beaucoup plus minutieux, ce qui se présente comme étant un réel avantage.

Il existe deux outils permettant de retravailler la densité : l'un la renforce (Densité +), l'autre l'atténue (Densité -). Nous étudierons les deux bien entendu.

Atténuer la densité

Pour dire les choses grossièrement, atténuer la densité des couleurs d'une image permet "d'éclaircir" ses couleurs. Nous utiliserons donc l'outil

Densité -. (Le raccourci clavier est la touche O)

Votre curseur, quand cet outil est sélectionné, est représenté par un cercle transparent au contour noir. Ce cercle représente la pointe de votre pinceau, ou plus précisément son diamètre. Attention, ne vous y trompez pas, nous n'allons pas peindre ici. En fait, nous allons faire semblant de peindre. Pourquoi "faire semblant" ? Parce qu'il n'est pas question d'utiliser de la couleur ou de la peinture. Non, nous allons utiliser l'outil de densité et le passer sur les éléments à travailler, comme nous le ferions si nous avions besoin de les recouvrir de peinture avec un pinceau.

Veuillez faire un clic-droit n'importe où sur votre zone. Une nouvelle fenêtre s'ouvre...

Grâce aux éléments que l'on trouve dans cette fenêtre, il va nous être possible de paramétrer le bout de notre pinceau (donc modifier sa taille, sa forme et sa dureté).

• Épaisseur : définissez le diamètre du bout de votre pinceau.

• Dureté : pinceau sec/mouillé.

• Liste de pinceaux : pointes de pinceau (appelé des "poils") aux paramètres prédéfinis.

Avant de s'exercer avec un exemple concret comme on a maintenant l'habitude de le faire, laissez-moi vous montrer rapidement comment fonctionne le pinceau et plus précisément l'outil de densité. Étant donné que nous allons d'abord travailler avec l'outil Densité -, j'en ai volontairement choisi une à la texture globalement sombre :

Outil en main, je commence par cliquer une fois (en maintenant le clic) et faire des va-et-vient de gauche à droite sur la partie supérieure de mon image.

On note un premier changement, une bande blanche est en effet apparue. Grâce à l'outil de Densité -, je suis parvenu à éclaircir la partie sur laquelle j'ai maintenu le clic de gauche à droite.

Continuons. Je reproduis les mêmes gestes, mais cette fois-ci une ligne en-dessous en essayant de mordre un peu et repasser légèrement sur la première bande blanche que j'ai déjà tracée. Une fois la deuxième bande blanche tracée, je lâche le clic et recommence une fois, en prenant soin de repasser sur cette même ligne blanche, ce qui donne dans l'ordre :

1. Je clique et fais un aller-retour de gauche à droite.

2. Je recommence exactement la même chose : je reclique et refais un aller-retour de gauche à droite sur la même bande blanche.

La bande blanche est devenue encore plus blanche une fois que je suis repassé dessus. Cela fait partie des choses à savoir avec l'outil Densité : plus vous le passez quelque part, plus il prend effet. Mais à condition que vous lâchiez le clic à chaque fois, sans quoi cela ne fonctionnera pas.

Du coup, je réédite ce que je viens de faire jusqu'à arriver en bas de mon image, en prenant soin à chaque fois que je recommence une ligne de repasser une fois supplémentaire avec un nouveau clic.

Ce que l'on vient de faire porte un nom : il s'agit d'un dégradé. Nous avons effectivement réussi à en créer un en jouant avec la densité des couleurs : de la plus foncée à la plus claire.

Alors oui, l'outil Densité n'est pas forcément l'outil le plus approprié pour créer des dégradés, mais ce n'était pas vraiment la finalité recherchée de cet exercice. Je voulais simplement que vous compreniez comment fonctionne l'outil et j'espère que cet exemple était suffisamment parlant.

Densité +

L'outil Densité +

fonctionne exactement de la même manière que l'outil densité - . La seule différence, vous vous en doutez, c'est que celui-ci accentue la densité et donc, fonce les couleurs d'un calque. Pour le sélectionner, faites un clic droit sur l'outil densité - puis cliquez sur l'icône de la densité + représentée par une main.

Cette fois-ci, nous utiliserons pour exemple un petit rond que voici :

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Rond_densité.png
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Vous pouvez comparer cette image à celle de notre exemple ci-dessus, vous remarquerez alors que la couleur utilisée (encore le gris) est beaucoup plus claire. Nous allons donc foncer la couleur grâce à l'outil de densité prévu à cet effet. Nous allons néanmoins faire cela de manière à ce que notre travail soit à la fois plus complexe (mais pas forcément plus compliqué) et plus intéressant.

Cette fois-ci, notre objectif consistera à transformer ce petit rond en une boule. En d'autres termes, nous allons donner du relief au rond pour en faire une sphère parfaitement ronde.

Commencez par sélectionner l'outil Densité +

si cela n'est pas déjà fait. Le raccourci clavier est précisément le même que le précédent : O.

Veillez à ce que le diamètre de votre pinceau soit de 93px.

Dans l'exemple précédent, avec l'outil de densité -, je vous avais fait faire des aller-retour à l'horizontale, c'est-à-dire sur la largeur du carré. Maintenant que nous avons un rond, nous allons procéder exactement de la même manière, mais en suivant la courbe du rond, en commençant par le bas.

En suivant mes indications à la lettre, vous ne devriez pas voir de grande évolution. C'est normal, c'est parce que vous n'avez travaillé qu'avec un seul clic. Or, comme je le disais, vous n'accentuerez pas l'effet de l'outil en faisant plusieurs aller-retour en un seul clic mais en recliquant régulièrement. Ainsi, si on reproduit plusieurs fois les étapes indiquées dans mon schéma ci-dessus (je clique, je maintiens le clic, je lâche le clic...), mettons 10 fois, on est censé obtenir un résultat semblable à celui-ci :

On remarque d'ores et déjà que le rond prend l'apparence d'une boule. Bien entendu, on ne va pas s'arrêter en si bon chemin. Je vais toutefois vous demander d'annuler les modifications que vous venez d'apporter à votre rond car tel qu'il est maintenant, il va nous être difficile d'en faire une boule correcte, le contraste étant trop fort. A vrai dire, c'était juste pour l'exemple. Je vous rappelle que pour annuler vos actions, vous pouvez passer par le menu Édition > Annuler ou bien vérifier votre historique dans la palette flottante à droite de votre logiciel, au-dessus de la fenêtre des calques. Vous avez également la possibilité d'utiliser les raccourcis clavier CTRL + Z (Command (ou Pomme) + Z).

Nous revoici donc avec notre rond d'origine :

Vous avez donc compris qu'il allait falloir, de nos gestes avec la souris, suivre le bord du rond. Dans l'exemple ci-dessus, nous avions commencé en bas du rond car c'était plus facile pour vous, il fallait simplement passer votre souris par-dessus le bord, ça me semblait plus judicieux de commencer comme cela. En fait, l'idéal serait de commencer en son centre, votre curseur suivra donc les contours du rond comme convenu, mais quelques centimètres au-dessus. Schématiquement, il faudrait que votre curseur suive la trace rouge de cette image :

L'objectif étant de simuler la courbe que prendrait une auréole de planète. Je vous invite à rééditer ce que nous venons de faire, mais en effectuant cette fois des allées et venues 7 fois, en lâchant à chaque fois le clic quand un trait est tracé (en imaginant la fameuse auréole au centre de la planète). Ainsi, on reprendrait cette étape là 7 fois :

Ce qui revient plus ou moins à dire :

Vous devriez donc obtenir le résultat suivant :

Il s'agira de notre base, celle à partir de laquelle nous allons tracer les autres arcs de sorte à créer le fameux dégradé que l'on retrouvait dans l'exemple précédent. Ainsi, nous allons commencer par tracer de nouveaux arcs en-dessous de celui que nous avons déjà tracé. Pour former un dégradé, nous sommes dans l'obligation d'effectuer des allées et venues en moins de 7 clics (pour que l'effet de l'outil soit moins important), mettons par exemple 4 clics. Donc, on reprend exactement les mêmes gestes mais en ne lâchant que 4 fois le clic :

Ce qui donne donc...

Notre boule prend forme on dirait. ^^ Rééditons, mais en faisant cela au-dessus de notre premier arc de cercle maintenant. J'ai décidé de lâcher le clic 5 fois.

En l'état actuelle, on peut dire que notre boule est déjà relativement bien formée. On pourrait toutefois l'améliorer (on peut toujours tout améliorer vous me direz) en accentuant davantage les reliefs grâce à des contrastes plus importants... On peut par exemple modifier le diamètre du pinceau ou encore utiliser l'outil Densité - pour contrecarrer l'effet de l'outil Densité +.

Je vous laisse vous débrouiller tout seul pour arriver à ce résultat, je crois que vous en êtes largement capable maintenant. ^^

Vous faites bien de m'en parler, ces options sont on ne peut plus importantes pour la suite des évènements. Car on ne va pas s'arrêter là, jusqu'ici les exemples que je vous proposais étaient plutôt basiques et n'avaient pas vraiment d'intérêt en soi. Je dirais même plus, on commençait presque à rentrer dans le domaine de la création plus que dans celui de la retouche photographique. Pourtant, force est de constater que cet outil est davantage utilisé pour cette dernière et c'est pourquoi nous allons véritablement avoir besoin de ses différentes options. Il est temps de passer aux choses sérieuses. :D

Les options de l'outil

Tout d'abord, notez que les options sont les mêmes pour les deux outils de densité. Veuillez donc sélectionner l'un ou l'autre puis observer les options qui lui sont liées :

Procédons de gauche à droite. Nous avons tout d'abord l'icône de l'outil actuellement tenu en main. En fait, quel que soit l'outil, vous trouverez toujours son icône sur la gauche de la barre des options. Vous savez donc que j'ai sélectionné l'outil Densité -, il se peut que vous trouviez quant à vous l'icône de l'outil Densité + si c'est celui-ci que vous avez pris.

Vous trouverez ensuite les paramétrages du bout de votre pinceau, il suffit de cliquer sur le bouton où il est écrit 100 :

Je vous en ai touché un mot tout à l'heure, il s'agit des pinceaux à la pointe (ce que l'on appelle plus communément le poil) pré-paramétrée. Je ne vous ai toutefois pas tout dit car j'ai prévu d'en parler plus longuement dans un chapitre de la troisième partie de ce tutoriel, c'est pourquoi il va falloir patienter un peu. :D Mais rassurez-vous, vous n'avez pas besoin de savoir en quoi cela consiste à ce stade du tutoriel, du moins pas tant qu'on utilisera l'outil de densité. Puis, si ça vous intrigue vraiment, essayez par vous-même, vous allez vite comprendre, cela n'a rien de sorcier.

On continue et nous allons directement passer à l'option "Gamme". Je ne vais pas parler de l'option liée à cette icône

puisqu'en réalité, il s'agit de la miniature d'une palette flottante telle qu'on les trouve à droite du logiciel. Cette miniature ouvre la palette flottante appelée "Forme", elle est directement liée au pinceau. Encore une fois, nous en parlerons le moment venu, c'est-à-dire dans le chapitre traitant du pinceau. ;)

L'option suivante, la gamme, permet de choisir les tons de couleur sur lesquels nous allons appliquer l'outil afin de lui faire gagner en efficacité et que le rendu soit des plus optimaux.
En utilisant par exemple l'outil Densité - (censé "éclaircir") en définissant une gamme de tons foncés, l'outil sera plus efficace si vous travaillez sur les parties foncées de votre photo. Voyons un exemple.

Sur ce schéma, on vous présente trois carrés initialement de couleur noir. On a appliqué l'outil densité sur chacun de ces carrés noirs en prenant soin d'utiliser chaque gamme et de cliquer 5 fois à chaque fois. Incontestablement, la gamme des tons foncés a été plus efficace et effective que les deux autres et ceci s'explique par le fait que le carré est de couleur foncée.

Cela fonctionne aussi dans le sens inverse. Si l'on reprend le même exemple, mais avec des carrés de couleur claire, mettons un gris clair, on obtient un résultat parfaitement logique et en adéquation avec celui ci-dessus :

Le carré sur lequel on a travaillé avec l'outil Densité - paramétré pour la gamme "tons clairs" a quasiment disparu. Et si vous suivez bien, cela est parfaitement normal puisque l'outil était à ce moment-là programmé pour être plus efficace sur les tons clairs. La preuve, le carré de droite n'a pas bougé d'un poil, sa couleur est restée la même. C'est encore normal, l'outil était en effet paramétré sur la gamme des tons foncés.

Allez, dernier petit essai avec des carrés de couleur gris foncé maintenant, comme ça on les aura tous faits. Je vous laisse juger et analyser les résultats, vous devriez les comprendre sans que j'aie besoin de vous les expliquer désormais. :)

Terminons avec les options de densité. Déterminer un pourcentage d'exposition permet de modifier la puissance de l'effet de l'outil de densité. Ainsi, moins le pourcentage d'exposition est important, moins l'effet de l'outil le sera. Et vice-versa, bien entendu. :)

Le bouton

Aérographe ne nous intéressera pas dans ce cours, ce n'est pas forcément ce qu'il y a de plus important à étudier. Je peux simplement vous dire qu'avec l'aérographe d'activé, si vous restez appuyé sur une zone de votre image, l'effet de l'outil gagnera progressivement en puissance et prendra peu à peu de l'ampleur sur votre image.

Nous passerons directement à l'option à cocher "Protéger les tons". Cette option est relativement récente car elle n'existe que depuis la version CS4 de Photoshop. À l'aide de cette option, nous allons être en mesure de conserver les tons de couleurs de l'image en cours de modification, chose qui n'était pas permise avant. On ne va donc pas se contenter de travailler la densité des couleurs de manière "brute", l'option va en fait se charger de garder une certaine uniformité pour que l'harmonie des couleurs soit correcte et que cela paraisse plus vrai que nature.

Je vais vous donner un exemple pour que vous puissiez vous en rendre compte. Vous verrez quels résultats présente le "nouvel" outil densité et ceux que présente l'outil sans l'option. L'image, la voici :

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Mon objectif : passer l'outil

Densité - sur l'ensemble du visage de ce jeune homme, mais seulement sur la peau (exit le masque et le bonnet) une première fois avec l'option de protection des tons activée, une autre fois avec l'option décochée.

Je commence avant tout par détourer le contour du visage avec le lasso polygonal afin de protéger le reste des modifications que je compte apporter. Seul le visage sera à même de recevoir une quelconque modification.

Je reprends ensuite mon outil Densité - et prends soin de cocher l'option "Protéger les tons". De cette manière, je conserverai les tons de couleurs de l'image. Au niveau des options et paramètres, j'ai personnellement pensé que ceux-ci étaient les plus justes :

• Diamètre : 13px

• Dureté : 0px

• Gamme : tons moyens

• Exposition : 50%

Je clique une fois, maintiens ce clic et passe plusieurs fois sur la partie sélectionnée. N'hésitez pas à dépasser, tout le reste est protégé donc vous ne risquez pas de déborder. Retirez ensuite la sélection et vous devriez obtenir ce même résultat :

Et mieux, si on avait utilisé une gamme de tons foncés, on aurait obtenu un résultat encore plus prononcé :

Si l'on compare avant/après, on peut se rendre plus facilement compte de l'évolution :

Faisons maintenant l'essai avec le même outil, les mêmes paramètres mais l'option "Protéger les tons" décochée. Cela signifie logiquement que les tons de couleurs ne sont pas conservés, comme ça a toujours été le cas jusqu'à la version CS4 du logiciel, quoi.

Donc, premièrement, on détoure le visage. Puis, on prend l'outil, on décoche l'option de protection de tons et on passe l'outil dans la sélection en maintenant le clic et en ne faisant qu'un seul clic. Une fois que l'outil est bien passé, on retire la sélection et on obtient le visage de la maladie ! :D

Le résultat parle franchement de lui-même, on obtient un visage drôlement pâle, trop pâle même pour qualifier la transformation de correcte. C'est d'ailleurs pourquoi je juge l'outil obsolète quand la protection des tons n'est pas cochée, du moins dans un tel contexte de travail.

Hey, mine de rien, tous ces exemples n'ont pas servi à rien car, finalement, nous aurons travaillé la densité de couleur d'une photo, et cela faisait partie de mes objectifs. :)

Quand on débute sur Photoshop, on ne se rend pas bien compte d'une chose : le plus souvent, quand on sait utiliser un outil, on sait en utiliser beaucoup d'autres du moment qu'ils font partie de la même famille. Et justement, c'est le cas de l'outil éponge

qui est le cousin des outils de densité, je vous invite d'ailleurs à le sélectionner, c'est avec lui que nous travaillerons.

Le principe d'utilisation de l'outil éponge est clairement le même que celui des outils que nous venons d'étudier. Hormis ses options qui sont différentes, la seule vraie nouveauté, c'est l'effet que produit l'outil sur nos images. Si les outils de densité permettaient de régler la densité de nos images, l'éponge nous servira quant à elle à régler la saturation des couleurs de nos images.

Nous avons eu affaire à elle dans le chapitre précédent, en étudiant la fenêtre de réglages "Teinte/Saturation". Travailler la saturation des couleurs d'une image revient à les ternir ou les raviver. Par exemple, un vert pomme peut être transformé en vert pale ou vert fluo. Voyez plutôt :

On va faire subir quelques modifications à cette pomme ! Tout d'abord, allons jeter un œil sur les options de l'outil éponge et choisissons un mode.

Le mode présente deux paramètres : Désaturation et Saturation. Le premier permet de ternir la couleur, l'autre de la rendre plus vive. Voyons voir ce que cela donne sur notre fameuse petite pomme verte.

Un coup d'éponge un peu partout avec le mode Désaturation activé et hop :

Une pomme malade :D . J'ai passé mon éponge partout sur la pomme, et d'ailleurs, j'ai n'ai même pas eu besoin de créer une sélection autour car le fond est blanc, l'outil n'a donc aucun effet sur lui.

Avec le mode Saturation, c'est tout l'inverse qui se produit. Voilà ce que ça donne :

Les couleurs sont plus vives, plus éclatantes. C'est encore plus flagrant quand on compare les ombres des deux pommes (l'originale et la modifiée) ou leurs reflets.

Bon, je dois admettre que présenté sous cette forme, la saturation semble n'avoir aucun intérêt et je vous l'accorde, ce n'est pas particulièrement intéressant de saturer/désaturer une pomme. Mais pour que cela soit utile, il suffit simplement d'en avoir l'intérêt. Et j'ai justement quelque chose pour vous !

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Je dois vous faire une confidence, je déteste le fromage ! :D Mais pour le bien du tutoriel, je vais faire comme si j'étais un adepte, je ne voudrais pas me mettre à dos la majorité des lecteurs. :-°

Notre objectif consistera à raviver le jaune du fromage pour qu'il paraisse moins terne. Qui dit couleurs vives dit... ? Saturation, parfaitement ! On va donc faire usage de l'éponge sur les carrés de raclette au mode saturation. Mais on ne va pas juste se contenter du mode, on va en effet activer la vibrance de l'éponge.

Pas vraiment, non. :lol: Comme vous le savez, saturer les couleurs d'une image signifie les raviver. Or, on peut facilement abuser de la saturation et créer ce que l'on appelle un écrêtage de couleurs.

On parle d'écrêtage pour désigner les valeurs de couleur d’un pixel qui sont supérieures à la plus haute ou inférieures à la plus faible valeur "conforme" ou "tolérée". Ainsi, un pixel trop lumineux ou pas assez lumineux sera un pixel écrêté. Cela se traduit par une perte de détails de l'ensemble de l’image.

Revenons-en à notre fromage (notre excellent fromage de raclette !) et testons d'abord l'outil sans la vibrance activée. Laissez-moi juste avant vous toucher un petit mot concernant le flux que vous trouverez dans les options de l'outil. Il s'agit ni plus ni moins de la puissance de l'outil, à l'image de l'option exposition que l'on trouvait avec les outils de densité. Plus le flux est important, plus l'outil est puissant et effectif sur votre image.

Comme avec les outils de densité, je commence par sélectionner les fromages et je passe mon outil éponge avec les options suivantes :

• Mode : saturation

• Flux : 15 px

• Vibrance : désactivée

Suite au passage de l'éponge, les couleurs du fromage ont jauni, du coup on pourrait croire que le fromage a eu un petit coup de chaud. ^^ Personnellement, je ne suis pas fan de l'effet, je ne dis pas qu'il est "horrible" mais je ne trouve pas ça forcément très réaliste... A l'inverse de l'effet que produit la vibrance !

Quand on refait la même expérience mais avec la vibrance activée, c'est clairement plus réaliste, regardez !

Et notre traditionnel avant/après, pour vous rendre compte de l'intérêt de l'outil.

On reste dans la modification d'image grâce aux outils de retouche et de réparation, et nous allons présentement nous intéresser, dans l'ordre, aux outils Goutte d'eau, Netteté et Doigt.

La goutte d'eau

Tout d'abord, veuillez sélectionner l'outil goutte d'eau

.
Cet outil permet de créer un effet de flou sur une image. D'un point de vue technique, cela revient à dire que les pixels vont se "brouiller", se mélanger entre eux de sorte à ce qu'ils ne soient pas plus nets mais... flous :

Il existe diverses manières de créer du flou. La manière la plus répandue et sans doute la plus simple est l'utilisation des filtres prévus à cet effet. L'avantage avec la goutte d'eau, c'est que tout se fait avec la souris. On clique, on maintient ce clic et on déplace la souris. À la différence des filtres qui sont paramétrables grâce à des chiffres et des valeurs parfois approximatives et complexes à définir, à l'image des fenêtres de réglages telles que les niveaux de couleurs par exemple. :)

Comme pour tous les outils de retouche, il existe une fenêtre de paramètres pour faire des réglages sur l'embout de l'outil. Pour la goutte d'eau, nous avons les paramètres suivants (en faisant un clic droit dans la zone de travail, comme toujours) :

Cette fenêtre, vous la connaissez, parce qu'il s'agit de la même pour tous les outils de retouche (et pas qu'eux !), notamment ceux que nous avons étudiés auparavant. Nous nous contenterons pour le moment de n'utiliser que l'épaisseur. Veuillez définir un diamètre de 170px à votre outil et télécharger par la suite le document sur lequel nous allons travailler.

Encore le Big Ben ! :D

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Comment pourrions-nous, à votre avis, utiliser le flou dans cette image pour qu'il ait un intérêt et ne la gâche pas ? C'est simple, nous allons essayer d'isoler un élément qui compose l'image en floutant tout le reste. Cette image est ici constituée de trois éléments : le lampadaire en premier plan puis le parlement et enfin le Big Ben. Notre premier travail sera d'isoler le lampadaire qui se trouve en premier plan en floutant tout le reste de sorte à le faire ressortir de l'image.

Exceptionnellement, je vais devoir vous déconseiller d'utiliser le lasso avec un outil engendrant l'apparition de flou. Vous le savez, le lasso permet de créer une sélection autour d'un élément dans un calque, cela crée donc une délimitation protégeant tout ce qui se trouve à l'extérieur de la sélection. Mais voilà, cette délimitation est nette à partir du moment où le contour progressif est de 0px, or, quand on floute quelque chose, on brouille justement l'ensemble de l'image, contours compris. Il est donc déconseillé de laisser des contours nets, chose qu'engendrerait justement la sélection du Lasso.

On pourrait, mais c'est juste inutile puisque l'outil de flou s'en charge à votre place. :) Regardez ce que cela aurait donné si nous avions utilisé la goutte d'eau dans la sélection qui encadre la cathédrale et le Big Ben :

Le résultat n'est pas à la hauteur de nos espérances. Pourtant, le flou a été créé en soi, il est donc bien présent et c'est ce que nous recherchions. Le vrai problème, c'est l'apparence des bords (regardez les contours des bâtiments), la démarcation est trop nette. Il vaut mieux se contenter de l'outil brut, sans sélection aucune, tant que l'on fait ça avec soin et délicatesse. Ainsi, si vous respectez bien les bords et que vous travaillez correctement, vous devriez sans mal obtenir ce résultat :

Incontestablement, le résultat est meilleur, le rendu est de qualité et bien entendu, le lampadaire est maintenant isolé du reste, il est devenu l'objet principal de la photo.

La question ne se pose même pas, on refait exactement la même chose mais en veillant à ce que la grande cloche ne soit pas touchée par la goutte d'eau afin de lui éviter toute trace de flou. Encore une fois, si vous vous appliquez et que vous travaillez correctement, vous devriez obtenir une image semblable à celle-ci :

Dans notre exemple, on avait deux éléments au second plan : Big Ben et le parlement. Or, nous n'avons isolé que Big Ben, ce qui donne l'impression que le travail est mal fini. La preuve, si je recommence mon floutage mais en veillant à ne pas toucher au parlement avec ma goutte d'eau (donc conserver tout le contenu du second plan de mon image), j'obtiens un résultat beaucoup plus propre :

La netteté

Maintenant que nous en avons terminé avec la goutte d'eau, veuillez sélectionner l'outil netteté

. Il vous faut faire un clic-droit sur l'icône de l'outil goutte d'eau pour le voir apparaitre dans la liste qui va s'afficher. Lui et la goutte d'eau font tous deux partie de la même famille, tout comme l'outil qui va suivre d'ailleurs.

La différence entre les outils goutte d'eau et netteté est que ce dernier ne floute pas une image mais la rend plus nette, comme le laisse présager son nom.

Je vous disais d'ailleurs la goutte d'eau rendait les pixels moins différents les uns des autres puisque les pixels et les couleurs se mélangeaient. Et bien, on peut dire que c'est l'effet inverse avec l'outil Netteté : le fait d'ajouter de la netteté à une image a pour effet de préciser ses pixels, on peut ainsi plus facilement les distinguer à l'œil nu par exemple. Vous me suivez ?

Toutefois, aussi puissant soit-il, l'outil Netteté ne peut pas créer des détails. On pourrait penser que cet outil est le parfait contraire du flou, alors que ce n'est pas exactement ça. Par exemple, on ne peut pas prendre une image floue, y appliquer l'outil Netteté et se retrouver avec une image complètement claire et détaillée. On aura tendance à utiliser la Netteté pour combattre un léger flou.

Dans cet exemple, je vais vous proposer de passer l'outil Netteté dans les zones les moins floues que l'on peut trouver, c'est-à-dire au niveau de la goutte d'eau et du milieu de la tige. Encore une fois, vous n'êtes vraiment pas obligés d'utiliser le lasso pour créer une sélection, du moins ce n'est pas nécessaire. Mais si vous le désirez vraiment, faites-en une autour de la goutte d'eau seulement car en qui concerne la tige, il existe déjà un flou progressif sur lequel il ne faudrait pas chevaucher avec l'outil Netteté pour créer une délimitation.

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Bref, quand vous vous sentez prêt, vous pouvez y aller. Vous devriez obtenir un résultat proche de celui-ci :

Nous avons réussi à accentuer les reflets de la goutte pour la rendre d'une manière générale moins floue, tout comme nous avons réussi à faire ressortir un peu plus les petites imperfections de la tige. A comparer, cela donne :

Le doigt

L'outil doigt

permet de mélanger les pixels entre eux. Pour comprendre, on peut imaginer une peinture encore toute fraiche et dans laquelle on va s'amuser à mélanger chaque élément peint à l'aide de notre doigt. En d'autres termes, vous allez être en mesure de "tirer" les pixels en direction du curseur de votre souris de cette manière :

Cet outil fait partie de la même famille que les deux outils précédemment étudiés. En règle générale, on utilise le doigt pour estomper les contours d'un calque afin de l'intégrer à son décor, l'idée étant que cette intégration paraisse « naturelle ». C'est ce que je vais tenter de vous démontrer tout de suite. Je travaillerai sur l'image suivante :

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

Voici l'élément à intégrer dans ce décor, un joli papillon !

En intégrant le papillon dans ce décor, on peut se rendre compte que les contours de ce dernier ne sont pas dignes d'un petit papillon virevoltant au-dessus des champs. :-°

Suivez mes indications très attentivement. Après avoir téléchargé l'image du paysage (clic-droit > enregistrer sous...), ouvrez-la sur Photoshop. L'image sera alors en mode "Arrière-plan", vous pouvez la passer en mode "calque standard" en faisant un double-clic dessus. Ouvrez ensuite l'image du papillon dans une nouvelle zone de travail. Cliquez dans la zone de travail du papillon, maintenez le clic et déplacez votre curseur jusqu'à l'onglet (en haut de votre logiciel) de la zone de travail du paysage. Vous laisserez ré-apparaitre la zone de travail du paysage. Déplacez votre curseur jusqu'à elle et lâchez enfin le clic pour déposer le papillon.

Cliquez sur l'image pour l'agrandir

On pourrait y croire. Mais en étant pointilleux (pour ça, il suffit simplement de zoomer sur le papillon et d'observer ses contours), on se rend compte que les contours sont effectivement pas très convaincants par rapport au décor derrière. On va donc estomper ce contour pour mélanger les quelques pixels du contour du papillon et de ce qui l'entoure afin d'estomper l'effet de cassure. Commencez par sélectionner le calque du papillon puis, effectuez un zoom sur celui-ci. Prenez ensuite le doigt.

La démarche consiste à passer l'outil sur l'ensemble du contour du papillon. Il faut, pour cela :

• Sélectionner le calque du papillon dans la fenêtre de calques.

• Définir la bonne épaisseur au doigt, en faisant un clic-droit à l'intérieur de la zone de travail.

• Modifier, dans la barre d'option, le paramètre d'intensité pour travailler avec celle qui vous convient.

Passez donc votre souris, clic maintenu, sur le contour du papillon afin que celui-ci perde légèrement de sa netteté. C'est un travail minutieux. Lorsque vous avez fait le tour, vérifiez et comparez avant/après.

Le titre de ce chapitre disait "Et les outils, on en fait quoi ?". Le moins que l'on puisse dire, c'est que l'on aura bien bossé avec, et pas qu'un peu !

Pourtant, c'est loin d'être fini. Nous avons droit à un arsenal on ne peut plus complet et c'est ce pourquoi d'autres chapitres vous attendent, il y a encore matière à retoucher. Alors on y va, on a encore du pain sur la planche ! ^^

Il arrive souvent qu'on ait besoin de supprimer quelques imperfections sur nos photographies, qui peuvent être abîmées par le temps et la vieillesse.

Pour cela, on a recours à bon nombre d'outils sur Photoshop et c'est ce que nous allons étudier dans ce chapitre. Et le premier va nous permettre de cloner une partie de notre zone de travail.

Cloner les éléments d'une image

Oui, oui, vous avez bien lu : nous allons voir comment cloner les éléments d'une image. Le principe est simple, nous définirons une zone dans une image à l'aide de la sélection puis nous la déplacerons autre part dans sur même image. Sur Photoshop, on dira pour définir toutes ces actions que l'on "rapièce".

Commençons par sélectionner l'outil, il s'agit de l'outil Pièce

que vous trouverez dans la boite à outil, il fait partie de la même famille que l'outil Correcteur localisé

(que nous étudierons aussi dans ce même chapitre). Faites un clic droit dessus pour laisser apparaitre la liste des outils, ou bien utilisez la touche J.

Voici l'image sur laquelle nous allons travailler :

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Nous allons procéder à quelques expériences scientifiques sur ce pauvre petit dalmatien. :) Nous aurons précisément deux objectifs :

• Cloner les taches du chien pour les faire paraitre sur d'autres parties de son corps.

• Supprimer les taches du chien.

Avant de commencer, il est recommandé de jeter un œil sur les options de l'outil pour définir quel type de clonage nous désirons effectuer, autrement dit de quelle manière nous allons rapiécer les taches.

On retrouve tout d'abord nos quatre petites vignettes auxquelles on a droit quand on utilise les outils de sélection. Vous allez voir que la pièce est elle aussi une sorte d'outil de sélection, du moins son principe d'utilisation est similaire au Lasso "normal", c'est pourquoi ces vignettes existent pour cet outil.

Mais le plus intéressant, le "cœur" des options, c'est le paramètre "Rapiécer" qui présente deux choix : source ou destination. Voici en quoi ils consistent :

• Source : nous allons définir une zone qui constituera la source du clonage, autrement dit l'emplacement dans lequel le clonage va être fait.

• Destination : à l'inverse, nous définirons une zone que nous déplacerons pour cloner le contenu de cette zone autre part dans notre zone de travail.

En ce qui concerne la transparence, c'est un peu complexe à expliquer et surtout à comprendre. En cochant cette option, vous pourrez extraire une texture avec un arrière-plan transparent de la zone sélectionnée avec la pièce. A l'inverse, quand l'option n'est pas cochée, on va remplacer complètement la zone cible par la zone sélectionnée avec la pièce.

L'essai

Maintenant que l'on a fait le tour des options, on va pouvoir se concentrer sur l'outil et son utilisation.

Outil en main, voici grosso modo comment on va procéder : on sélectionne d'abord une zone dans notre calque, n'importe laquelle. Avec le paramètre "Source" de coché pour l'option "Rapiécer", on pourra dire que cette zone constitue l'emplacement dans lequel le clonage va être effectué. On en déduit donc qu'il faudra alors définir une zone à cloner.
Pour ce faire, on va déplacer cette première sélection que l'on a faite avec l'outil pièce n'importe où dans l'image afin que le contenu de cette sélection soit transposé dans la première zone que nous avions justement créé avec cette même sélection. Vous me suivez ?

Tout le monde le sait, les Dalmatiens ont la particularité d'avoir des petites taches noires partout sur le corps. Pour cet exemple, j'ai décidé de lui retirer l'une de ses nombreuses petites taches noires. Ainsi, il faut effectuer une sélection autour d'une des taches, mettons celle-ci :

Pour faire cette sélection, vous pouvez utiliser un outil de sélection comme on a eu l'habitude de faire jusqu'ici, mais vous pouvez aussi utiliser l'outil Pièce directement qui permet la sélection et qui fonctionne pareillement au lasso. ;)

Allez, pour commencer, veuillez sélectionner soit un outil de sélection lambda, soit l'outil pièce

si ce n'est pas déjà fait.

Définissons à présent la fameuse zone dont je parlais ci-dessus. Cette zone sera l'emplacement dans lequel le clonage va être effectué. Nous souhaitons supprimer la tache noire, il faudra donc effectuer une sélection autour d'elle, comme ceci :

Tout en restant suffisamment précis, n'hésitez pas à faire une sélection plus grossière autour de la tache, quitte à prendre un bon centimètre de blanc comme je l'ai fait. Je veux dire, avec l'outil pièce, on est obligés de faire ça à main levée, il ne faut donc pas se leurrer, nous n'aurons jamais une sélection parfaitement ronde.
De même pour ceux qui utilisent d'autres outils de sélection, il est inutile de détourer la tache au pixel près. Une sélection approximative suffira amplement.

Quand votre sélection est terminée, il vous faudra impérativement utiliser l'outil Pièce pour l'étape suivante. Si vous avez fait votre sélection avec un autre outil, il est temps de changer. L'outil Pièce en main, maintenez le clic à l'intérieur de la sélection et déplacez votre curseur pour déplacer la sélection. Essayez par exemple de la déplacer vers une partie blanche du chien. Vous vous apercevrez alors que chaque fois que vous déplacerez la sélection, son contenu sera transposé dans la première sélection créée (dans notre exemple, il s'agit de celle de gauche, donc).

Pour confirmer le clonage, vous n'avez qu'à lâcher le clic de la souris...

Magie, la tache a disparu ! Ce qui est génial avec l'outil pièce, c'est que en plus de cloner le contenu d'une sélection, il prend en compte la luminosité et le contraste de ce qui se trouve autour de la sélection pour conserver un effet naturel.

D'ailleurs, si on pousse un peu, on peut arriver à un résultat... incroyablement excellent !

Le mode d'action est différent, mais le principe reste le même. Avec le paramètre "Source", on devait faire une première sélection qui, quand on la déplaçait, faisait alors office de récepteur du nouveau contenu de la sélection déplacée. Cette fois-ci, c'est l'inverse : on fait une sélection autour d'un élément et, quand on déplace cette sélection on déplace cet élément pour le "copier" (le cloner) autre part. Par exemple, je commence par sélectionner une tache (je reprends la même) :

N'oubliez pas que pour l'option "Rapiécer", il faudra sélectionner le paramètre "Destination". ;) Déplaçons ensuite la sélection (avec la pièce de sélectionnée) :

On peut déjà remarquer que la tache est copiée à l'intérieur de la sélection. On n'a plus qu'à lâcher et voilà le travail !

Et encore une fois, on peut s'amuser un peu avec toutes les taches du chien ! :D

Je ne sais pas ce que vous avez pensé de l'outil Pièce

, mais à mon avis, Photoshop n'a pas fini de vous surprendre, surtout quand on connait l'incroyable pouvoir des outils que nous nous apprêtons à étudier.

Et pour l'instant, on va s'affairer avec un outil au nom assez spécial, je veux parler du Tampon de duplication

. Vous ne le trouverez pas dans la même famille que l'outil Pièce mais juste en-dessous si vous disposez de la version CS5 (c'est peut-être le cas pour les autres versions aussi d'ailleurs). La touche S permet de sélectionner l'outil.

Le Tampon de duplication, qu'on a généralement pour habitude de raccourcir par "tampon" tout court, permet de créer une copie d'une zone ciblée, autrement dit de la dupliquer.

Avec la pièce, on sélectionnait une partie de l'image pour la cloner autre part. Cette fois-ci, aucune sélection n'est nécessaire, on va simplement définir une zone dont notre curseur va se servir comme base pour dupliquer ce qu'elle contient. Pourquoi comme "base" ? Parce que cette zone va suivre les mouvements du curseur, tandis que le curseur va copier le contenu de cette zone. Et comme j'ai le sentiment que c'est un peu flou pour vous, je vous propose un petit exemple illustré avant de passer à un essai concret :

La première chose à faire, c'est choisir une base de duplication. Il s'agira du cercle rouge à gauche de l'image. Ensuite, en le déplaçant, je me rends compte que la base de duplication a remplacé mon curseur, c'est le cas sur l'image ci-dessous où je l'ai placé au-dessus de ma tête (oui, c'est moi sur la photo).

Toujours avec la même base, j'ai décidé de déplacer mon curseur en direction de ma jambe gauche. Et sans surprise, la base de duplication est toujours "en copie" au niveau de mon curseur :

Cela fonctionne aussi avec une autre base de duplication, évidemment. J'aurais pu choisir ma tête comme base et la duplication (la "tamponner") sur la neige :

Chaque chose en son temps. ;) A vrai dire, vous n'avez pas vraiment besoin de moi pour les options puisque vous les connaissez toutes, ou presque mais celles dont vous n'avez jamais entendu parler sont faciles à deviner puisqu'elles sont étroitement liées à d'autres outils déjà étudiés.

Je préfère que vous vous concentriez sur le diamètre et la dureté de l'outil. En effet, plus le diamètre de votre outil sera gros, moins vous aurez de place pour faire vos mouvements. Et si la base de duplication, en suivant les mouvements de votre curseur, est amenée à sortir de la zone de travail, alors l'effet prendra fin brutalement car, techniquement parlant, elle ne peut pas sortir de la zone de travail, elle sera donc bloquée à son bord :

En ce qui concerne la dureté, elle va permettre de camoufler un travail trop net du tampon. C'est un peu le même principe que le contour progressif : si les contours sont flous, ils vont se confondre avec ce qui se trouve autour d'eux et le travail sera correctement effectué car difficilement visible à l'œil nu. A l'inverse, si on met une dureté à 100%, ce qui revient à retirer toute forme de flou, on va avoir une pointe qui va dupliquer un élément avec des contours très nets, et clairement cela peut engendrer une perte de réalisme au niveau de l'effet comme le montrent les images ci-dessous.

1. Image d'origine.

2. Jambe gauche supprimée avec une dureté de 40%

3. Jambe droite supprimée avec une dureté de 100%

Les résultats parlent d'eux-même, l'image 2. est bien mieux retouchée que la 3. et cela grâce à la dureté que j'ai volontairement baissée sans la mettre à 0% pour ne pas que les bords de mon curseur ne soient trop flous.

L'essai

Ce nouvel essai se déroulera sur l'image suivante.

N'hésitez pas à travailler avec moi !
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Ecureuil.png
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Dans cet exercice, nous allons tout bonnement effacer l'animal. L'objectif, bien entendu, est que l'on n'y voie que du feu.
On va donc utiliser le tampon pour dupliquer certaines parties du décor sur l'écureuil.

Il va d'abord nous falloir définir une base de duplication. Pour ce faire, il faut impérativement prendre en main l'outil Tampon de duplication

puis déplacer son curseur sur la zone que vous désirez cibler et qui sera notre fameuse base. Pour ma part (et je vous invite à faire de même), j'ai placé mon curseur dans ses environs-ci :

En ce qui concerne les paramètres de votre outil, je vous laisse le soin de les choisir. De toute manière, vous allez sûrement être amenés à modifier ces paramètres au cours de votre travail. Voici ceux que je vous conseille d'appliquer pour commencer notre exercice :

• Épaisseur : 70 px

• Dureté : 58 px

Votre curseur est enfin placé au bon endroit ? Il faudra donc utiliser le clavier de votre ordinateur et taper la combinaison suivante selon le système d'exploitation de votre ordinateur :

ALT + Clic
Option + Clic

Dès lors que vous aurez appuyé sur la touche Alt (ou Option), votre curseur changera d'apparence et se transformera en une sorte de cible. Quand vous aurez cliqué ensuite, vous aurez enfin défini la base de duplication.